sensei

Discos!

2009-05-30T07:55:00.000-07:00

Despues de un tiempo sin subir nada al blog (debido a un montón de cosas, todas ellas sin demasiada importancia) decido retomarlo comentando algunos discos que, desde la última entrada del blog, allá por ¡Febrero!, estuve escuchando. Algunos son mas interesantes que otros, seguramente que ya algunos ni siquiera vale la pena comentar y quizas hasta haya algunos que no siquiera han sido editados todavia (las delicias del leak, ay). Pero, como sea, aca están. Vuelvo con el blog.

Pajo / Scream With Me (Black Tent Records, 2009)
Pajo hizo lo que alguna vez a todos se nos habrá cruzado por la cabeza. Agarro una portaestudio, su guitarra y se puso a tocar los temas de Misfits que mas le gustaban, que, da la casualidad, son los mejores, los himnos clásicos, los que se cantan a los gritos, los que van desde "Walk Among Us" a "Legacy of Brutality". Si siempre hubo algo de romanticismo en las canciones de Misfits (mas que nada en el periodo mas grlorioso, que es el mismo que reividica Pajo en su disco, en el que Danzig era cantante), Pajo las saca de su contexto punk y las deja al desnudo, solo con la piel. Lo que quedan son canciones de una intimidad bellisima, suaves en su composición, pero fuertes en su anatomia, duras, extrañamente melancólicas. Escuchar "Hybrid Moments" por Pajo es descubirir la hermosa canción de amor que es, lo mismo con "Attitude", que, desprovista de todos sus gritos guerreros, de su agresividad simpática, se convierte en una canción tenue, triste, de melancólia casi otoñal. Pero hay algo que siempre queda, y es justamente esto lo que hace que el experimento salga bien, que es que las canciones nunca dejan su caos emocional, musical, mental, o como queramos llamararle, sino que la magia de las canciones queda, sobrevive y da lugar a que se formen otras emociones, embarradas de las originales, de las pensadas por Misftis, constituyendo otra cosa sobre lo mismo. Queda la rabia, ahora quizas menos suelta, pero encerrada bajo las cuatro paredes de una habitación, retumban mas. Hay algo de adolescencia en el experimento de Pajo, algo de rememorar viejas epocas en pogos apretados, empapados en transpiración, una forma de mirar los tiempo de la guerra hardcore con cariño, a la distancia, con los discos de los Misfitis bajo la almohada y soñar con espiritu low-fi. Pajo aúlla con sus idolos. Y lo que sale es un disco que va mas allá del homenaje y que reinvdica completamente las canciones de nuestros cuatro monstruos preferidos.

Magik Markers / Balf Quarry (Drag City, 2009)
Desde las alcantarillas de la ciudad que nunca duerme, desde ese humo que sale de las calles de New York, desde el piso mojado, de ahi mismo, sale la música de Magik Markers. Ya hemos hablado de ellos aca en el blog a partir de su disco anterior, que nos gustó mucho. Ahora, con su flamante "Balf Quarry" cambian de sello (se van de Estatic Peace a Drag City), pero siguen con las mismas mañas. Si bien se nota un esfuerzo medio incompresible por querer llevar su caos músical a terrenos mas accesibles (cualquiera que escuche sus primeros experiementos en cd-r sabrá de lo que estoy hablando), siempre parece que todo se les sale de las manos: cuando mas control quiren meter, mas descontrol parecen crear. No se que les parecera a ustedes, pero yo noto en el disco una cierta desprolijidad que se me hace no premeditada. Siento que en pos de querer crear un disco un poco mas facil de escuchar, les quedo un collage de estilos que, a las primeras escuchadas, molesta un poco, por indeciso, pero que, con el tiempo, se le va agarrando la onda. Entonces, "Balf Quarry" va desde los climas mas salvajes, desprovistos de toda idea de organización, en donde prima el caos sonico y el salvajismo musical, a canciones mas climaticas, de sensaciones mas acomodadas, de un orden mas especifico. Una cancion como "Don't Talk In Your Sleep", que es una de las mejores del disco, da una buena idea de lo que podria haber sido el álbum si le hubiesen dado para adelante con esas melodias. De ritmo cansino, dormitado, entre el shoegaze menos educado y el noise mas suelto, esa clase de canciónes son los puntos mas altos que alcanzan Magik Markers. Por suerte, en "Balf Quarry" hay bastante de eso, donde las melodias se transforman mas en texturas que en ritmos, como una bruma pesada, como humo rojo y transpiración que se pega en la piel despues de una fiesta espumosa. Cuando se dejan poseer por las capas de ruido blanco, cuando la ola sónica parece llevarse todo, ahi es cuando su música se aprecia mas, antes que en las canciones mas caoticas y supuestamente mas descontracturadas. Indecisos, entonces, asi estan Magik Markers. Ahora, depende de ellos decidir si sus discos se van a mantener entre los dos estados o si mejor, de esa mezcla de polos consiguen que la mugre y el cuelgue se unan, en favor de un mundo sónico mejor, mas sordo, mas juguetón.

Dan Deacon / Bromst (Carpark, 2009)
Dan Deacon es un muchacho que siente muhco amor por sus teclados, por sus sintetizadores y por crear, mediantes ellos, unas melodias que parecen de jugeutes, como rodeadas por bubujas, efervescentemente pop, de multisabor, un tutti frutti musical. Ruiditos entonces, ruiditos y mas ruiditos. 8bits, a veces, mas complejas otras, siempre todo con un espritu pseudo hardcore que se cuela por las canciones y por unas presentaciones en vivo que siempre terminaban con toda la gente arriba del escenario o bien él abajo, con toda la multitud (o eso es lo que nos mostraban las fotos y lo videos que vimos alguna que otra vez), algunas de ellas adornadas, construidas y manipuladas por ciertos coros que parecen expandirse hasta el infinito, al igual que sus canciones que empiezan desde lo mas minimo, como canciones de cajitas musicales que se van expandiendo mas y mas hasta explotarlo. Eso era mas o menos el moderado encanto que tenia su primer disco, "Spiderman of The Rings", que tenia un par de canciones que se te pegaban en la cabeza como chicle. Ahora, con el fin de llevar todos esos logros a dimensiones aún mas altas, Dan Deacon muestra "Bromst". Si bien es claro que hay una evolución con respecto a su disco anterior, lo cierto es que me quede completamente afuera de todo el asunto. Ni bien escuche el disco, empece a sentir que habia algo mal en todo el asunto. Evidentemente Deacon logró expandir su universo músical, pero el disco me resultó demasiado empalagoso, tanto, que hasta me dejó empachado. Esta claro que el exceso era (es, de hecho), una de las claves de todo el asunto, porque se trata justamente de eso, de la explosión absoluta de todos los elementos, de llevar al maximo todo lo que se presente, de prender fuego todos los aparatos que a Deacon se le pasen por la cara. Pero las explosiones, asi como las peliculas de acción, me resultaron artificiosas al pedo, y pretenciosas a mas no poder. Deacon mete de todo y algunas cosas resultan hasta incomprensibles, totalmente injustificadas. Tal es lo que pasa en el tema "Wet Wings", en el que la voz de una mujer cantando en ¿árabe?, todo con un clima asi medio world music, es la parte central del tema. Esto es una muestra clara del exceso sin motivo que reina en todo "Bromst". Dan Deacon no sabe hacer síntesis, y, esta bien, quizas eso no sea lo que le interesa, cuestion que se hace muy evidente en la duración de la mayoria de las canciones que van de seis minutos para arriba (y es un disco de once canciones..), lo que hace que cualquiera que noe ste acostumbrado a este tipo de música de asfixie de inmediato. Y, repito, ese clima se refuerza porque Deacon no da lugar al respiro, a la reflexión de lo que se esta escuchando: es todo mas, mas y mas. Es como una fiesta interminable, pero aburrida, donde todos los invitados son gente densa que tiene aspecto interesante pero que, apenas los empezas a conocer, te das cuenta de que son todo lo contrario. Finalmente, el problema radica en que Dan Deacon me quiere decir algo, pero no lo puedo comprender. Es una comunicación que falla, por exceso de contaminación sonora.

Black Moth Super Rainbow / Eating Us (Graveface, 2009)
Todo lo que Dan Deacon no entendió, lo entendieron a la perfección los Black Moth Super Rainbow. Ensalada multicolor, psicodelia que brota de todo el cuerpo, lisergia infantil y un cementerio de vocoders, baterias electronicas, sintetizadores, casettes y cualquier cantidad de instrmentos-juguetes son las armas con las que se muestran y lo que construyen con eso son verdaderas gemas de pop trashero, insolado. Asi estaban las cosas desde su último disco, "Dandelion Gum" que fue uno de nuestros discos preferdios del 2007. Con "Eating Us", las cosas parecen cambiar un poco. Opuesto ya desde la tapa, los colores fuertes y multiplicados de su disco anterior, pasan a un sepia, apagado, envejicido. Lo mismo se percibe en las canciones que construyen el disco. Mucho mas elaboradas bajo una forma convencional, donde se percibe menos caos lisergico y mas sencillez, Black Moth Super Rainbow parece renunciar a medias a su estilo, para transformar sus canciones en algo mucho mas etero, pero no por eso menos volador. El cilma que rige el disco es un poco pesadillesco, definitavemnte oscuro, como si los trips espaciales de su disco anterior ahora nos introducen en un bosque espeso, donde la luz del sol esta tapado por las copas de los árboles. Las canciones, mucho mas organizadas, claras, precisas en su propósitos, estan muchisimo mas ajustadas, con una construcción que hace pensar, en algunas ocasiones, a Air. La comparación es, si, rara, pero creo que esta vuelta de tuerca hacia tierras menos ácidas es un acierto, algo que definitivamente vuelve mas interesante a la música de BMSR. Esta bien, se puede decir que no hay demasido riesgo, que sus discos anteriores eran, en ese sentido, mucho mas festivos, desontrolados, aspirando al exceso como medio para dar vuelta todo, pero a mi no me parece tan asi. Me da la sensación de que lograron encontrarle la vuelta a su música, y que la bizazrreada de sus canciones, aún en estas construcciones mas "estables", todavia se escucha, ahora en formas que hacen destacar la precisión de las melodías. "Born On A Day The Sun Didn't Rise", el tema que abre el disco, es la muestra mas clara de esta nueva vuelta de tuerca de la banda: se los escucha mas claro, mas concisos y muchas de las canciones de este disco, me la juego, son posibles candidatas a las mejores del año. Mucho de esa clase de canciones ya se encontraban en sus discos anteriores, pero, ahogadas en medio de una cantidad enloquecida de melodias de pura liergia endemonidad, la psicoledia melancólica que se siente con creces en este disco, quedaba totalmente opacada. En vez de dieciocho canciones, ahora se quedan con doce, doce canciones que van creciendo y agrandandose mientras las escuchas se repiten. Se trata de eso, de ver que se puede hacer limpiando la mugre y sacandole brillo a lo queda. Lo que consiguen es salir de su propio enroscamiento, respirando mas, haciendonos bailar mas. Y viajar, viajar y viajar.

rewind 2008 - cine

2009-01-16T05:17:00.000-08:00

Esta lista se me impuso como una obligación: fueron muchas las buenas peliculas vistas en el año como para ni siquiera nombralas. Toda lista, claro, tiene algo de diversión e incluso perversión en su realización, pero, como bien claro lo dice el amigo Agustín en su blog, fueron muchas las razones para que esta lista tardara tanto en aparecer. Tarde, si. Pero ya saben el dicho ese.

La Mujer Sin Cabeza / Lucrecia Martel
O como todo el universo de una directora, todas sus ideas, todas sus preocupaciones finalmente se agrupan dando una pieza única, enorme, que crece y crece cada vez mas a partir de cada mirada. Lucrecia Martel sigue dando muestras de que lo suyo es un cine que apunta a mas a la percepción que al entendimiento, que busca envolver al espectador y moverle los estados y para ello utiliza como nadie todos las herramientas que el cine le da: desde una puesta en escena . Con "La mujer sin cabeza" no solo lo logra, sino que tambien se instala definitvamente como una de las autoras que, vaya paradoja, mas cabeza tiene en el cine local.

There Will Be Blood / Paul Thomas Anderson
La historia americana vista desde la optica de un neurótico como PT Anderson no podia dar mas que una pelicula avasallante, que derrama cine en cada uno de sus fotogramas. Y para contar esa historia (que es, a su vez, esta historia, la de hoy, la de ayer y posiblemente la de mañana), no solo da rienda suelta a su ya conocido gusto por los artificios cinematográficos, sino que aprovecha para mostrar cuánto ha aprendido de la otra historia americana: la de cine. Desde Kubrick hasta Scorsese, "There Will Be Blood" cita a todo lo que hay que citar. Quizas un poco excesiva en el armado de sus personaje principales, posiblemente sea ese mismo exceso en todos sus aspectos lo que hace de "There Will Be Blood" una pelicula ejemplar, valiente y encantadoramente desquiciada.

Historias Extraordinarias / Mariano Llinás
Una pelicula enorme en todos y cada uno de sus sentidos. Enorme en su duración, enorme en la aventura que propone, enomre en su experimentación, enorme en su valor. La pelicula mas ambiciosa que haya dado el cine independiente local (y esta vez la palabra independencia nunca estuvo mejor aplicada) es, a su vez, la mas pequeña en terminos económicos, claro, porque en todo lo demas, dijimos, es enorme. Pero quizas su mayor logro, y eso que tiene muchos, pero se sabe, estamos hablando de una pelicula que tiene mucho de todo, el mayor logro de estas "Historias Extraordinarias" deciamos, era el de dejar al espectador completamente estupefacto, nerviosamente inquieto, creyendo fervientemente que todo lo que uno se propone hacer es, en definitva, posible. Si eso no es el proposito final del cine, bueno, que alguien venga y me lo explique.

Shara + The Mourning Forest / Naomi Kawase
Este año tuvimos dos motivos de sobra para poder, de una vez por toda, adentrarnos por completo en el extraño mundo de esa gran realizadora llamada Naomi Kawase. A mediados de año, tuvimos el estreno de una de sus últimas peliculas, la enorme "The Mourning Forest" y ya casi para el final del mismo, tuvimos el agrado de ver en filmico una de sus obras mas laureadas, "Shara". Ambas peliculas no solo sirvieron para ponerse al dia con la obra de una de las artistas mas celebradas del cine actual japones, sino tambien para que nos dieramos cuenta de que no debe existir otra cineasta mas interesada en la vida que Kawase. Y cuando me refiero a la vida, lo hago en el sentido mas estricto de la palabra. Los films de Kawase hablan de eso, del desarrollo inevitable de las cosas, de los nacimientos, de los progresos, de las alegrias, de las tristezas y claro, de la muerte. Pequeñas gemas que no hacen otra cosa que mostrar que justamente eso, lña vida, se observa en las cosas mas pequeñas, en lo imperceptible. Por eso las peliculas de Kawase son pacientes, de una rara extrañeza contemplativa. Y piden claro, paciencia: es un viaje largo y hay todo un mundo por descubrir.

Paranoid Park / Gus Van Sant Otra vez Gus Van Sant retratando a sus adolescentes , otra vez skaters, otra vez la muerte como punto de partida hacia el interior de las mentes mas confundidas de la norteamerica actual. Otra vez Elliott Smith como soundtrack de las almas oscuras. Otra vez los pasillos de las escuelas, vacios, silenciosos. Otra vez los travellings, el sonido que hiela la sangre, la fotgrafia esplendida. Otra vez Gus Van Sant demostrando que lo suyo es reinvención pura, que se puede contar las mismas cosas de maneras distintas, moviendo un poco las perillas y ajustando mas el ojo. Pero teniendo, por sobre todas las cosas, un talento innegable para mostrar esos mundos privados cada vez con mas pasión, mas ganas, mas comprensión, mas cine. Mas.

Persépolis / Marjanne Satrapi y Vincent Paronnaud La animación del año no fue ni el panda karateka ni el robot incomprendido de Pixar, sino que fue esta, "Persépolis", obra mas de qualite si se quiere, si, que es en blanco y negro, de texturas rugosas, de tonalidades grises, oscuras. Marjanne Satrapi, antes de transformar su vida en pelicula, primero la transformó en comic, donde ya se podia ver como fue crecer en una Palestina en su punto máximo de conflicto, entre guerras, bombas y explosiones. La enseñanaza de buscarse un lugar en el mundo, de crearse pequeños espacios en donde los ruidos terribles se transformen en música; un pequeño lugar en el mundo. Una pequeña gloria a 24 cuadros por segundo.

La Nube Errante / Tsai Ming-Liang La demencia de nuestro amigo Tsai en su máxima expresión. Lo que plantea en "La Nube Errante" es tan delirante que termina siendo querible. Como ya lo viene haciendo desde hace un par de peliculas atras, lo que presenta es un mundo sumido al inminente apocalipsis, al caos total. En un mundo caluroso, donde el agua escasea, dos personas se conocen, empiezan a entenderse a su modo, comen juntos, se dan unos besos y en medio de todo eso, el delirio: números músicales sacados directamente del peor viaje ácido que pueda tener una persona, pornografía explicita y sandía por todos lados. La forma en la que todo eso se une en una obra que termina siendo totalmente coherente en su puesta, en su narración, en su universo es, sin duda, una de las muestra mas palpables de que el cine de Tsai Ming-Liang es pura magia.

Planet Terror / Robert Rodriguez Finalmente, el diptico "Grindhouse" llegó a las pantallas locales en forma separada. La de Tarantino se espera para mediados de este año, y, como para calmar la espera, diciembre nos trajo la otra parte del experimento, la parte de la que casi nadie habló, ni para bien ni para mal, totalmente opacada por el nuevo juguetito filmico tarantinesco. Lo cierto es que la pelicula de Rodriguez es anarquia visual pura. Todo estalla, todo explota, todo parece a punto de irse a la mierda en cualquier momento, donde la destrucción esta a la orden del día. La historia es sumamente incompresible, no hay explicaciones de ningun tipo, solo la necesidad de aventura gore en forma excesiva. Cine de super acción para adictos a las berretadas, homenaje cinéfilo posmo-trash si se quiere, "Planet Terror" es lo que Tarantino se olvido: que las peliculas no deben hacerse en piloto automatico, sino que deben realizarse con mente-corazón y alma en el mas alto de los pedestales. Rodriguez, siempre haciendo cualquiera, esta vez consigue una pelicula donde todo parese palparse, donde todo esta en forma sumamente excesiva, voluptuosa. Donde el cine parece escupirnos directamente en la cara-

The Heart Is Deceitful Above All Things / Asia Argento Como buena femme fatal que es, la pelicula de Asia Argento incomóda, molesta, divierte y seduce, aunque no exactamente en ese orden, claro. De un crudismo durisimo, el film de Argento es una montaña rusa llena de vueltas a 360 grados., un raro caso de sadomasoquismo en pantalla grande y todo color. Pedofilia, drogas duras, violencia extrema, cameos de Marilyn Manson, entre otros excesos, hacen que esta pelicula sea un gran grano lleno de acne justo en el centro de la cara: hay que explotarlo para que que todo el espejo quede manchado, actividad que si, es dolorosa y sumamente asquerosa, pero tambien jodidamente divertida.

The Brown Bunny / Vincent Gallo La pelicula de Vincent Gallo, conocido por su entusiasmo siempre propenso a la polémica, sorprende por su hipnotismo. Una road movie que, como toda road movie, tiene algo de existencial, algo de pena. La primera mitad de la pelicula es simplemente eso: Gallo recorriendo rutas, a veces nubladas, a veces soleadas (la forma en la que la luz, el sol, entra en los fotogramas de esta pelicula es algo que hiela la piel, realmente) en medio de un caos personal que seduce. Las rutas, las que recorre con su moto amarilla, son solo una excusa que invita a otro viaje, uno mas mental, mas personal, mas desarmado, que va formandose a medida que la cinta se desarrolla. Visualmente descarnada, autentica, "The Brown Bunny" finalmente se desecadena en uno de los finales mas desubicados y necesarios de la historia del cine. La pelicula toda se deshace en esa escena, en esa habitación, en esa cama. Todos los caminos recorridos, los de asfalto y los otros, los mentales, concluyen finalmente y lo único que pedimos como espectadores es que el celulide se prenda fuego ahi mismo, ahora. Y que las luces no se enciendan nunca mas.

Juno / Jason Reitman
"Juno" es la clase de pelicula que si vuelvo a ver, no me gustaria en lo mas minimo. Por eso, rescato y resguardo en mi memoria la encantadora hora y media que pase mirandola. Recato y resguardo, decia, esos momentos en los que la pelicula se escapa, finalmente, de esa sensibilidad indie mediocre y se atreve a ser algo mas, a salirse un poco del molde, cosa que, si, consigue a medias, pero bueno, se atreve. Rescato y resguardo, continuo, a una de las protagonistas mas encantadoras de la temporada y, por último, rescato y resguardo en mi mente ese momento en el que los titulos empezaron a aparecer en la pantalla y en mi cabeza el único pensamento, salvador, inesperado quizas, ese que decia que, despues de todo, "Juno" no esta tan mal.

Otras peliculas de este año que sufren el mismo sindrome son: Eastern Promises de David Cronenberg (que, ahora que lo pienso, ni siquiera la disfrute tanto en el cine), Two days In Paris, de Julie Delpy (peliculas con muchas, muchisimas posibilidades de haber estado en la lista oficial,. pero el final la termina tirando un poco abajo, lamentablemente) y la argentina Los Paranoicos de Gabriel Medina

The Darjelling Limited / Wes Anderson
Caso contrario al de "Juno": la última de Wes Anderson es una pelicula que me decepcionó bastante en su primera mirada y que terminé de comprender cuando finalizó la segunda. Ok, "The Darjelling Limited" es casi casi un manotazo de ahogado, una muestra precisa de que el universo Anderson (con todos sus ralentis, sus travellings, sus colores, su soundtrack ultramega cool de siempre y sus conflictuaditos de turno) se esta vaciando, quedando sin idea, cansando, bah. Pero, y siempre pero siempre va a haber un pero tratandose de Anderson, asi y todo "The Darjelling Limited" es una pelicula que rankea alto en mi lista personal de "segundas oportunidades" porque comprendí, decia al comienzo, que simplemente lo que Anderson hace en esta pelicula es lo que mejor le sale, lo que mas le gusta: ser él mismo. Y en ese sentido, la historia de los tres hermanos Whtiman vagando por la India con las valijas de papas (si, la metáfora es bastante obvia) es lo mas Anderson que hay.

Lo que no estreno, pero vimos en festivales o de formas ilegales

Pinapple Express / David Gordon Green
Si hacemos la cuenta, la ecuación no deberia dar un número tan redondo. A ver. Por un lado, tenemos a David Gordon Green, director de peliculas indie de qualite, autor de la enomre "All The Real Girls", y, por el otro, Judd Apatow, nuevo niño mimado de la comedia norteamericana actual, principal exponente de los nuevos aires frescos que vienen de esos rumbos, director de dos de las mas grandes peliculas de comedia de estos tiempos, es decir, "Knocked Up" y "The 40 year Old Virgin", guionista tambien de "Superbad" y aliado, a su vez, con una de las caras mas conocidas de estas nuevas comedias, Seth Rogen, quien si no actua en sus peliculas, las escribe. Ahora bien, todos estos elementos se unen para dar lugar a "Pinapple Express", y, sorprendentemente, el resultado es un número ideal, preciso, necesario. Veamos cuales fueron los elementos que permitieron que esta pelicula sea la que mi cabeza recuerda con mas frecuencia. Gordon Green, se sabe, tiene una especial obsesión con todo el periodo setentero del cine: le gustan mucho, por ejemplo, las peliculas de Terrance Mallick, cosa que salta a la vista al ver sus peliculas. Appatow, oh casualidad, tambien es fanatico de ese periodo, pero lo suyo no pasa tanto por Mallick y el cine contemplativo, sino mas bien por la comedia rebelde y explosiva de esos tiempos, del primitivo "SNL", las buddy movies y esas cosas que, claro, al ver sus peliculas uno se da cuenta cuanto lo influenciaron. Bien. Hasta ahi vamos. Ahora llego el momento en el que los dos elementos principales de nuestra ecuación se conectan, dando lugar a la extrañeza matemática. Parece ser que un dia se juntaron y pusieron a charlar y se dieron cuenta de que, como ya pudimos nostros deducir, ambos tienen mucho en común, mas de lo que pensaban, seguramente. Lo cierto es que, por si todavia no se dieron cuenta hacia donde voy con todo este texto que ya se volvió aburridisimo, es que, decia, que a Gordon Green le gusta tanto el cine de los setenta que, claro, tambien le gstan las buddy movies, el cine blackxplotation y las comedias corrosivas de esos tiempos. Y entonces, y aca es donde la cosa se pone interesante, ambos elementos, incluida la potencia Rogen, de la que ya hablaremos, se unen y dan vida a esta pelicula que es, si, una celebración.

"Pinapple Express" esta destinada a ser uno de los puntos mas altos de la comedia norteamricana actual. Su espiritu, drogon, aventurero y raramente oscuro por momentos, es algo que no se suele ver mucho. Una anomlía total, una veneno que se convirtió en antídoto. Una comedia inusual, que cuenta las peripecias de tres personajes a los cuales, intuimos, lo único que parece conectarlos es su amor (si, amor) hacia la marihuana, pero, como ya vimos con el caso director-guionista de esta pelicula, la gente, esa conexión, minuscula en un comienzo, dará lugar a todo un mundo desconocido. Buddy movie drogadicta, comedia fisica, de aventuras bien de pelicula de domingo en vhs, "Pinapple Express" es mucho mas que un mero ejercicio retro; es, mas bien, el punto en el que todos los elementos incorrectos, dijimos, se unen por el bien de la humanidad y la salvan de los peores males, que en este caso serian miles de comedias mediocres ala "American Pie 875". Existen los milagros.

Wendy and Lucy / Kelly Reichardt
"Wendy and Lucy" es la segunda pelicula de Reichardt, quien tiene el merito de haber filmado anteriormente una pequeña gran pelicula llamada "Old Joy". La directora se presenta como una de las mejores observadoras del cine independiente actual; observadora porque lo suyo es un cine que parece no hacer otra cosa que estar con sus personajes un momento, en un determinado punto de inflexión de sus vidas, para despues dejarlos ir, convirtiendo ese momento, esa vida, en algo significativo. En "Wendy and Lucy" se centra en Wendy, justamente, y Lucy, su perra, dos seres que andan en busca de algo, algo que la directora va mostrando de a poco, como pidendo permiso a sus personajes, como esperando que ellos mismo se lo muestren. Observa, no se mete en lo que no le importa. Sus personajes, tanto en su opera prima como en esta pelicula, parecen estas suspendidos, como en pausa. Vagan, esperando un momento para actuar, en espacios a los que la directora les da una importancia radical. En su anterior film, era el bosque, que se presentaba como un espacio oculto, como un limbo de vegetal. En "Wendy and Lucy" es una ciudad casi fantasma, vacia, lo que actua como ambito de los personajes. Todo en la cinta parece enfermo, como a punto de morir; hay un estado de abstracción realmente poderoso. Es a su vez, una road movie estancada, perdida. El auto de Wendy, que tambien utiliza como hogar, está roto, con lo cual no vamos (ni nosotros ni la directora) a ningun lado. Reichardt muestra con todos estos elementos, con todos estos indicios, que la protagonista tuvo un pasado dificil, que, evidentemente, ese viaje estancado parece subsanar, pero tal cosa se torna muy difici. Es, a su vez, una pelicula de un grado politico altisimo. El estancamiento, del auto, de la ciudad misma, es toda una declaración sobre un estado común en la sociedad norteamericana.

Cuando la pelicula termina, la sensación que a uno le queda es una muy amarga, si, pero tambien una felicidad enorme de saber de que, en un rincón del mundo, auqnue sea uno muy chiquito, todavia hay directores que se preocupan de hacer de las cosas menos importantes las mas importantes de todas. Y de hacer de la observación el oficio mas grande.

Baghead / Jay & Mark Duplass
Que esto del Mumblecore parece que en realidad nunca fue algo demasiado sustancioso, es, a esta altura, una afirmación bastante certera. Lo cierto es que de ese semillero hoy francamente agotado, pudieron surgir algunos directores y/o peliculas interesantisimas, evidencia que se mostro en carne viva para todos aquellos afortunados que pudieron ver el gran ciclo que se le dedicó al movimiento en el último festival de Mar del Plata. Ya hablamos un par de veces de Bujalski, deberia haber dicho algo sobre el trabajo de Aaron Katz, pero lo que mas me importa en este momento es dejar escrito que las peliculas de los hermanos Duplass son la célula mas viva e inquieta de todo este asunto.
"Baghead", su segunda pelicula luego de la enorme "The Puffy Chair", es algo bastante extraño, que puede ser entendida como una gran sátira a todo lo que el cine independiente significa hoy en dia. Con un cierto aire a la mockumentary sin llegar a serlo del todo, "Baghead" cuenta la historia de un grupo de amigos deciddos a pegarla de una buena vez por todas en esto del cine, y para ello, emprenden la buena idea de filmar una de terror "a la blair witch" durante un fin de semana. En fin, se imaginaran que tomando eso como punto de partida, lo que sucede en la pelicula es una serie de eventos bastante graciosos, con un supuesto asesino dando vueltas por el bosque con una bolsa de esas de supermercado en la cabeza. Pero lo cierto es que la pelicula de los Duplass es un tremendo alegato en contra "del movie buisness", y es, a su vez (lo que los hace mas lúcidos aún), un pequeño dedo en el orto a toda la "comunidad mumblecore", un pequeño almohadazo en la cara que parece decír, a fuerza de buen humor y un poquito de acidez, "despierten!"

rewind-2008 discos

2008-12-14T14:32:00.000-08:00

No deja de ser curioso el caso de este blog. No subo una entrada digna en todo el año y cuando, finalmente, ya tengo algo de tiempo para poder escribir una entrada sustanciosa, ya estamos a fin de año. Y todo fin de año, como se sabe, trae listas. Y las listas de fin de año, en este caso, no solo me sirve para elegir cuáles de todos los discos que escuché fueron los que mas me gustaron, sino tambien para quitarme la modorra de encima y hacer un breve recuento de todos aquellas músicas que escuché estos últimos meses y tenia ganas de comentar. Asi que, un poco de todo, casi como siempre.

Portishead / Third Si de casos curiosos hablamos, el de Portishead deberia ser el mas curioso de todos. Despues de un hiatus larguisimo, donde casi casi los dabamos por extintos, salen con un disco tan inesperado como sorprendente. Hechandole las flores finales a la sepultura del trip-hop, el tercer disco de los de Bristol es apocalipsis puro. Todo suena extraño, denso, maldito. Las canciones son de texturas rasposas, incluso hasta rotas, sucias. Lastima y encanta, como una rara sesión de sadomasquismo músical, si es que tal acepción puede ser posible. Se reconocen, es verdad, ciertos matices de un kraut rock jodidismo, algo de los Silver Apples mas rudos y vaya uno a saber que otras bandas similares, esas cosas de las comparaciones que aca están, y mas que nunca, de mas. Porque lo de Portishead es un raro caso de suicidio en el que no te matas, pero en vez de lamentarte por seguir estando vivo, te miras las cicatrizes y sonreis. Un riesgo, bah. Y cómo hacen falta a veces.

Juana Molina / Un Día "Un Día" es cuando Juana Molina dejó de tener miedo de lo que los demas puedan decir de ella, de su música, de su forma de ver las cosas, de sus cantos, de sus letras, de su todo. Es cuando te levantas una mañana y decidis que no te importa nada de lo que fuiste ni nada de lo que vas a ser. Ni pasado ni presente. Es cuando ves el sol y no te duelen los ojos. O cuando las melodías son exactas, cuando todo coincide, cuando las horas se convierten en un filmada, en la que no falta destrucción, muerte y apocalipsis. gran trance, cuando todo se para de repente. Es eso: una celebración. Y la obra cumbre de una artista que no deja de crecer y crecer.

Destroyer / Troubles In Dreams Godard decía que lo único que hacía falta para realizar una pelicula eran un arma y una mujer. La frase se puede aplicar tranquilamente a Dan Bejar, alias Destroyer, cambiando las palabras "arma" por "guitarra" y "mujer" por "pasion", que deberia ser casi lo mismo. En "Troubles In Dreams" Destroyer no filma una pelicula, pero casi. Compone la banda sonora perfecta para los corazones rotos, para los parias de todo el mundo. Como ya viene haciendo desde hace un par de discos atras, entrega himnos instántaneos, esta vez renunciando un poco a los ribetes epicos de discos como "Destroyer's Rubies", pero generando canciones que no tienen miedo de ensuciarse cuando hace falta, de ponerse intensas cuando uno lo necesita y de sacar el pie del acelerador, si es que tambien se necesita. Un escalón menos para Bejar en ese camino rumbo a la perfección absoluta.

Fucked Up / The Chemestry Of Common Life Mas allá del hype que estos canadienses estan viviendo últimamente, Fucked Up hacía rato que se venia perfilando como la banda que le lavaría la cara completamente al hardcore. Y parece ser que con "The Chemestry Of Common Life", finalmente lo lograron. Lo que hacen es totalmente lo opuesto a cualquier banda que esgrima la bandera del hardcore: donde antes había temas cortos, aca son largos, de estructura cuasi epica; donde antes había había una composición básica, aca hay experimentación, ideas que van y vienen, que explotan y que arden en cada minuto de estos nuevos himnos punks. Este disco es la muestra mas fiel de que, con ideas, ganas y una fuerza de persistencia absoluta, es posible encontrar nuevos aires en cualquier género, solo hay que cavar y cavar hasta dar con la pólvora. El hardcore del futuro.

No Age / Nouns Las canciones de "Nouns" estan impregandas de los olores correctos: un poco de suciedad low-fi, otro poco del shoegaze mas lisergico, un poco de punk cabeza, humo, calor y un par de fiestas extrañas encima. Canciones dignas de cualquier mix tape encontrado en un cajón, de esos con la cinta hecha mierda, y un poco arruinados por la húmedad. Melodías con algo de sol para el slacker del siglo XXI, un noise guitarrero para gritar las canciones y hacer pogo en la habitación, dando la cabeza contra el techo. Alcanza y sobra. No Age estan haciendo bien los deberes.

El Mató a un Policia Motorizado / Día de los Muertos Hablar de maduración es complejo y hasta me suena a mentira cuando se trata de música. Prefiero el termino "evolución", que no es menos complejo, claro, pero aplicado a El Mato a Un Policía Motorizado, no me suena tan mal, y hasta incluso certero. Porque los platenses no vienen haciendo otra cosa que eso, disco tras disco, evolucionar, crecer, convertirse lentamente y poco a poco en algo que va tomando una forma de enormidades extrañas. Con "Día de los Muertos", último opus de su tan mentada trilogía de discos sobre el nacimiento, la vida y la muerte, la cosa se puso mas densa. De todos los himnos que con el tiempo supieron generar, los de este ep deben ser los mas asperos, los mas intensos y los mas complejos, tambien. Ahora las canciones son largas, de climas pesados y calurosos, de guitarras filosas de las que surgen jams que serían el soundtrack perfecto para la cobertura de una guerra en el desierto; canciones que cuentan una pelicula clase-b jamas filmada, en la que no falta destrucción, muertos vivos y otras variantes del apocalipsis. Se habla del fin de los tiempos, pero tambien de un nuevo nacimiento. Que, ahora que lo pienso, es otra forma de evolucionar.

TV On The Radio / Dear Science Cuando TV On The Radio juega a hacer canciones, tal vez, mas accesibles, a coquetear con el pop, todavia siguen estando a mil años luz que todos los demas. Incluso haciendo canciones con estructuras y formas menos complejas que sus discos anteriores, siguen demostrando que lo suyo es cada vez mas consistente, mas notable, mas puro que buena parte de la música que existe. Pero mas alla de todo esto, elementos que tal vez demuestran las ganas de ver hasta donde se puede llegar con una canción pop, le sacan todo el jugo posible a la experimentación sonora, un juego del que ya son habitues y logran perlas que exigen ser diseccionadas con auriculares. Capas y capas de sonido que van y vienen en un contexto de laboratorio sonoro, que demuestran, una vez mas, que hay mucho por explorar.

Deerhunter / Microcastle + Wierd Era Cont. Desde el juego puro, Deerhunter viene haciendo los discos mas hipnóticos de los últimos años. Digo desde el juego, porque se nota, desde esas canciones complejas, de capas y capas de guitarras, sintetizadores y ruidos varios, que no tienen ningún problema en crear melodias que se arriesgan, que proponen nuevos caminos en búsqueda de la canción perfecta. Se trata otra vez de esto: de ver cuáles son los limites a los que aspira una canción, desde dónde hasta dónde se la puede llevar, se la puede transformar, se la puede mutar. Es por eso que nada es gratuito en la música de Bradford Cox y compañia. Desde el shoegaze mas denso hasta el puro noise, lo de Deerhunter es un juego, deciamos, que no tiene ninguna regla mas que dejarse llevar por la ola. Y eso que estos estan en la cresta mas alta.

El Guincho / Alegranza "Alegranza" es un disco que, mas alla de todo el hype que El Guincho viene despertando desde ya hace unos meses, tiene todo para arrancar de raiz cualquier duda que se pueda sembrar. Tiene, por sobre todas las cosas, un buen puñado de canciones maravillosas, pequeñas gemas doradas de la psicodelia mas soleada que se pudo escuchar este año, algo asi como el soundtrack perfecto para un verano excesivamente caluroso. Melodias que enseguida remiten tanto al Animal Collective mas festivo como tambien a su apendice mas cercano, Panda Bear, del cual El Guincho sin duda aprendio muchisimo. Pero hay en "Alegranza" mucho mas que una mera transposición de estilos: hay ideas, ritmo, sabor, diversión y ese poder enorme de hacer bailar a cualquiera que se cruze en su camino.

Abe Vigoda / Skeleton Sonidos tribales en medio de melodias puramente punk. La mezcla es extraña, pero como toda mezcla, hay que saberla hacer para que de los resultados exactos. Abe Vigoda acpeta el riesgo y ademas de ileso sale con algunas grandes canciones que un cierto sabor que no deja de parecer novedoso, al menos, fresco. "Skeleton" es un disco lleno de sorpresas, una especie de laberinto en el cual cada canción, como si puertas iguales fueran, suenan exactamente igual a su predecesora pero siempre con un ingrediente mas, un gustito extra, que va a aumentando el grado de intensidad. Se habla de tropicalismo punk, pero a mi eso poco y nada me importa.

Blood On The Wall / Liferz Siempre pasa que hay bandas que surgen en una època que no les pertenece, como si fueran las pobres victimas de un experimento de viaje al futuro que salió mal. Blood On The Wall es una de ellas y "Liferz" es un disco que debería haber sido editado en 1993/1995, cuando las camisas carpinteras todavia estaban en el foco principal de la atracción rockera. Y lo bueno de todo esto, es que, aunque haya salido en el 2008, asi y todo es un disco altamente disfrutable. Con una catarta de guitarras rabiosas, bajos demenciales y una voz femenina que recuerda demasiado a la Kim Gordon circa "Dirty", todo en un contexto asi muy garage, punk medio sucio, "Liferz" es el disco del año 2008 que demuestra, con mucha garra y poder, porque a veces se dice que todo tiempo pasado fue mejor. Aunque muchas veces esa afirmación sea una mentira melancólica.

The Kills / Midnight Boom Ok, no es un disco a la altura de las circunstancias, pero "Midnight Boom" esta bastante bien. En un año de ediciones bastante flojas, este disco de The Kills, en el cual se pueden escuchar unos temazos absolutos como "Black Ballons", "Cheap and Cherfull" y "Hook and Line" yo ya estoy conforme. Aparte, todavia se las arreglan para sonar ajustados, nocturnos como de costumbre y dejarnos satisfechos.

Silver Jews / Lookout Mountain, Lookout Sea Luminoso, encantador, enorme, exacto y un millón mas de palabras no me alcanzarían para dar describir con exactitud la alegria que provoca escuchar un disco como este, el mas reciente trabajo de Silver Jews, que, ya sabemos, es un hombre al cual le gusta de sobremanera dejar su firma en pequeñas gemas destinadas en convertirse en grandes himnos para cantar a viva voz en medio de un bosque lleno de árboles, arriba de una montaña o en las profundidades mas ocultas de un río salvaje. Y me sigue quedando chico.

107 Faunos / 107 Faunos La ópera prima de los 107 Faunos es un disco que reboza amistad, alegria y celebración. Es un disco en el que se introduce todo un imaginario digno de la juventud que vive afuera de la gran ciudad. Se respira viajes en colectivos, caminatas sin saber hacia donde ir, siestas a la tarde, varios veranos fatales, fuegos artificiales, video juegos, gaseosas en latas y noches sin dormir, mirando arriba del techo como las estrellas brillan con todo su esplendor. Y todo eso condensado en canciones que poco a poco se van convirtiendo en pequeños himnos generacionales, pequeños cuentos suburbanos, y que se estima sean cantados a los gritos en las habitaciones de los adolescentes mas soñadores de toda la ciudad, esos que duermen con las ventanas abiertas de punta a punta.

Y algunas menciones honoríficas, si, porque hay menciones honoríficas

-Beach House, Devotion
-The Breeders, Mountain Battles
-Xiu-Xiu, Woman As Lovers
-Nick Cave And The Bad Seeds, Dig Lazarus, Dig!!
-The Magnetic Fields, Distortion
-Cat Power, Jukebox
-Times New Viking, Rip It Off
-Stereolab, Chemical Chords
-Mogwai, The Hawk Is Howling
-Beck, Modern Guilt

himnos de mi cuarto- algo sobre Spanish Dance Troupe y Gorky's Zyogtic Mynci

2008-08-11T16:38:00.000-07:00

Estoy seguro de que lo mejor que tiene esto de los reproductores de mp3's es que uno medio que se deja sorprender por el aparatito en cuestión. Quiero decir, y esto mas que nada pasa cuando uno anda siempre apurado, a veces ni me doy cuenta de las cosas que mando ahi debido a que simplemente arrastro un par de archivos de una carpeta a la otra, totalmente al azar, por lo que constantemente caigo rendido bajo los encantos de algún disco o canción que antes, por distintas razones que no vale la pena contar, no le hubiese dado ni bola. La sorpresa, entonces, es el mejor condimento. Y sorpresa fue lo que pense y senti cuando de la nada empezó a sonar una canción a la que nunca pero nunca le preste la atención que se merece. El tema del que hablo se llama "Spanish Dance Troupe", de Gorky's Zygotic Mynci, y creo no equivocarme al decir que es, facil, una de las mejores canciones de la década pasada. Pero eso importa poco y nada, porque la cosa aca es que el tema de los Gorky's apareció en el momento y lugar precisos. Es uno de esos momentos en los que pensas que si, que todo tiene un poquito de sentido y que nada está realmente tan mal. Da sobradas muestras de que una canción puede tener una variedad infinita de poderes y, de paso, sirve como ejemplo perfecto para mostrar como se hace una verdadera gema pop. La felicidad en tres minutos y un poquito mas.

Algo de la magia de "Spanish Dance Troupe" debe tener que ver con la historia que cuenta la canción. En pocas palabras y dando rienda suelta a mi interpretación, hablá del primer dia de clases de un joven luego de haberse ido de gira con una troupe de baile española, donde, obviamente la paso realemente bien y pocas ganas tiene de ponerse a hacer la tarea. Por eso una de las partes que mas recuerdo y tarareo del tema es esa que dice "oh dear dear dear teacher / I've been six years away / And ain't finish my essay / cuz' rock and roll rules ok!". Y el tema se basa completamente sobre este tema, el viaje a España con la troupe, los ensayos y otra cosa mas que me parece tambien super central para entender ese encanto, ese júbilo que se siente al escuchar esta grandiosa canción que los Gorky's Zygotic Mynci se mandaron alla por 1999. Ese otro tema es el hecho de tratar de sacarse todo tipo de responsabilidad de encima y ponerse, lisa y llanamente, a bailar. Mas o menos asi lo dice la canción "..But when your mind is your prison / Thing's just don't seem so good". Y claro. Hay que sacarse todo eso de una vez por todas, hay que sacudirse, liberarse, dejar de pensar en la maestra y tratar de hacer que el lunes, ese maldito día, se pase rapidito. Es un tema que habla de la liberación de los cuerpos, de la diversión, de la sorpresa de la que tanto venimos hablando.
Y hay una parte que es tremendamente intensa, el climax absoluto de la canción, que es casi llegando al final cuando unas trompetas "a la española" irrumpen por completo, como si se inflara el pecho y uno parece estar elevandose, traspasando todas y cada una de las nubes allá en el cielo.

Y encima "Spanish Dance Troupe", el disco, tampoco esta para nada mal. Es mas, me arriesgo a decir que debe de ser uno de los discos menos tenidos en cuenta de la década del noventa, una de esas perlas ocultas que toda decada se empeña en tener y esconder. Esta, es obvio que Belle And Sebastian corrió con mejor suerte en esto del chamber pop o como quiera llamarsele, pero lo de los Gorky's iba mucho mas alla. Es mas, se me ocurrió compararlos con los escoceses porque, asi a simple escucha, es una de las primeras bandas que se le veiene a la mente a uno. Sin embargo, decia, la música de Gorky's Zygotic Mynci le debe mas a la psicodelia mas sacada que los simples de The Smiths. Particularmente en este disco (y creo que en su obra anterior todavia mas) se deja entrever un cierto gusto por las melodias extravagentes y por composiciones un poco mas cercanas a las que los Olivia Tremor Control supieron mostrar a mediados de los 90's-. Encima hay en el disco muchas referencias a lo que seria la obra clave de la psicoldelia, "Sgt Peppers Lonely and the Broken Hearts Club Band", de The Beatles banda de la que no solo toman referencias determinadas, sino tambien el placer de meterse en la aventura de crear grandes canciones pop. Unos grossos los Gorky's.

invierno, uno

2008-04-25T08:06:00.000-07:00

Ayy el invierno..la melancolía, la tristeza, los mocos, las gripes y todos esos elementos que se imponen al verano infernal, depiediendolo y reciebiendo, al mismo tiempo, a la estación de los árboles secos y las hojas en el asfalto. el otoño, admito, no es mi estación preferida, pero de todos modos la banco mas que al verano y a la primavera. priencipalmente, este seria el punto mas obvio, es que yo soy mas del frío que del calor. tambien porque me gusta ponerme abrigos, me gusta usar buzos y bufandas y guantes. pero lo que nos interesa aca, y para dejar un poco esto de los gustos de lados que ya estoy rozando la cursileria, es que hay buenos discos para escuchar en el otoño; discos que parecen haber sido concebidos justamente para ser escuchados durantes estos meses, discos con canciones que respiran ese aire mitad gélido, mitad sol por la que se caracteriza esta estación. Discos, entonces, ideales para ponerse los auriculares y salir a romper hojas con las zapatillas. Ahí los vemos

Yo La Tengo / Summer Sun
(Matador, 2003)

Lo pongo primero no solo porque es como el disco ideal para el otoño, sino porque tambien fue como el disparador para escirbir esta entrada. Lo estuve escuchando demasaido últimamente y cada vez que termina pienso en lo olvidado que es este "Summer Sun" en la discografía de Yo La Tengo. Ok, obvio que el "I Can Hear The Heart Beating As One" es la gloria hecha canción y todavia estamos esperando que el trío de Hobooken vuelva a tocar esa cima, pero les puedo asegurar que "Summer Sun" se le acerca bastante. Hay varias cosas, sin embargo, que lo diferencian del resto de la obra de Yo La Tengo, y uno de los puntos que mas sobresalen es lo "parejo" que es el disco. Es una constante en los discos de la banda que los temas se dirigan de un lado para el otro, que hagan escalas en todos los géneros habidos y por haber y que, basicamente, construyan un collage de ritmos impresionantes sin que se les mueva un pelo. Un poco el encanto del "I Can Hear The Heart..." era y es ese y lo mismo se puede decir de su último disco, "I'm Not Afraid Of You And I Will Beat Your Ass", que comparten título largo y todo. Pero justamente por difererciarse tanto de estos dos pilares es que ¨"Summer Sun" sobresale tanto. Esta bien, se puede decir que Yo La Tengo ya había a comenzado a coquetear un poco con el clima que rodea a este disco, ya que en la mayoría de sus discos hay un tema mas que nada transmisor de atmósferas, de melodías minimalistas que con tan poco dicen tanto (recuerdo "Green Arrow" en el "I Can Hear..."), temas chiquitos, creadores de ámbientes extraños, cinematográficos, nocturnos. Frios.

Se trata de Yo La Tengo coquetanedo con la electrónica, con la música experimental. Dejan un poco de lado las guitarras juguetonas y se meten de lleno en una pileta de agua helada. Si hay un momento para escuchar a este disco, sin duda tiene que ser la madrugada o bien la cuando la tarde ya nos esta diciendo chau con la mano. Es curioso y a la vez gracioso que hayan decidido ponerle "Summer Sun" ( Sol De Verano) a un disco que de soleado no tiene nada, sino mas bien todo lo contrario. Desde la tapa misma podemos darnos cuenta de que el panorama viene complicado: una foto tomada fácilmente en un periodo que va desde la siete de la tarde en adelante. Capuchas y abrigos.Pisos mojados y lluvia. Se nota el frío, se nota lo melancólico. De ese sol de verano se sabe poco y nada. Está practicamente ausente. Es un fucking domingo de otoño y eso no me lo puede negar nadie. Y el que duda, tiene los temas para darse cuenta de que la cosa viene en serio. El disco empieza con un tema instrumental, "Beach Party Tonight", que de playa no tiene nada y de fiesta, muchisimo menos. Es que a partir de aca, el inicio mismo, ya queda bien en claro de lo que habla este disco: todo en "Summer Sun" está escrito en pasado, cosas que ya sucedieron, tiempos que se fueron y que quizas no vuelvan mas. Habla del ese sol de verano que se fue y que dejó una castástrofre, cosas sin resolver, amores destrozados y un montón de palabras que se pensaron y que no se dijieron. No hay elemento mas perceptible en el disco que la nostalgia por las cosas que se vivieron en algún momento, que definitivamente no era este, un periodo de angustia y malestar. Yo La Tengo concibió un disco para escuchar puertas adentro, cerca de una estufa o con las manos puestas sobre el cálido fuego de la hornalla. "Little Eyes", el segundo track, pone un poco de color o, mejor dicho, calor al asunto. Es un tema cantado por la encantadora voz de Georgia, y que tiene una estrofa que dice algo asi como "little eyes are open/ but they don't see very far/ you can only hurt the ones you love / not the ones you`re thinking of (...) / don't you know you're sleeping much too long / wake up little eyes". Hay algo en esta parte de la canción que indica que algunas cosas no salieron bien. Tambien esta esa parte que dice que "estas durmiendo mucho", y claro, uno en el otoño o en el invierno en el mejor de los casos, duerme, y mucho, y tambien piensa mucho y no en cosas lindas sino en todo lo que quisimos hacer y no hicimos. Y en el verano, claro. Sigue "Nothing But You And Me" y la cosa vuelve a nublarse. Y atención, porque estamos ante otras de las constantes del disco, que no es mas que esa sensación de que Yo La Tengo parece estar interpretando sonoramente los estados del sol en el otoño: a veces sale con todo, pero enseguida vienen un par de nubes y complican el panorama nuevamente. "Little Eyes" fue el sol que salió por un momento a tratar de que la cosa no se tense tanto, pero enseguida fue tapado por este tema enorme que habla, y ahora si directamente, de la ruptura de una pareja en el peor momento. Entre unos arreglos electronicos preciosos y una voz susurrante (el susurro, si, otra de las caracteristicas que mas se presentan en el álbum) que dice "honey, wake up / and please come back to me / honey, think of / think of the way that things used to be / If we make up, well, i won`t ever be that bad / honey, wake up / and give me just one more chance". Mas claro, imposible. El tema, uno de los picos del disco, es una canción tristísima en la que uno puede ver a ese tipo que le pide a su novia que vuelva, que le de otra oprtunidad, encerrado en su habitación, contemplando desde la ventana las luces de los edificios en un día de lluvia. Despues, viene "Season Of The Shark", otro tema en el que se nombra un elemento del mar, y del que mas de uno debe recordar la melodía de ese pianito, instrumento sobre el que se basa la totalidad del tema, que le da un clima y ritmo que anuncian algo asi como que despues de cada tormenta, siempre sale el sol. Si bien la gran parte de las canciones tiene esa melancolía y trsiteza de la que tanto hablamos, se sabe que el trío siempre suele ser positivo frente a la gran mayoria de las cosas y que sus canciones, si bien pueden hablar de cosas tristes, tambien enfatizan en que todo lo malo siempre trae algo bueno. Las dos caras de la moneda, bah. En "Summer Sun" eso tambien está presente. Se muestra de que de todos los momentos malos se pueden sacar algo bueno. De cada pesadilla se puede hacer un cuento. Es como si dijiera, en definitiva, que, si, ahora hacer frío, pero en un par de mese viene el calor de nuevo. Asi que no les queda otra que sonar como unos Beach Boys en la antártida. Y hay muchos temas que estiman esa imagen de que estan haciendo surf en un iceberg: el jazzero " Moonrock Mambo", el otro instrumental, "Georgia Vs YLT" y "How To Make a Baby Elephant Flote". El resto del disco, lo completan temazos como "Don't Have To Be So Sad", que ya se pueden dar una idea que es un tema de esos "nublados" y "Tiny Birds" que tendria que ser el ejemplo mas claro de que por qué YLT es lo mas grande que hay. "Summer Sun·, entonces, es el disco que hay que poner cuando uno apenas se levanta. Es el soundtrack ideal para aquellos corazones rotos. Es como comer chocotorta un tarde otoñal. Eso.

Suárez / Excursiones
(Feliz Año Nuevo Discos, 2000)
Caso raro el de los Suárez. Justo cuando sacan su mejor disco, el mas pulido, el mas trabajado, el que les da su primer hit ("Río Paraná" o como hacer una canción ma-ra-vi-llo-sa), se separan. "Excursiones" es el último disco de estudio de la banda que nadie escuchaba cuando había que escucharlos, y que ahora todos (en los que me incluyo, claro) extrañamos. Ademas de ser el disco mas redondo de toda su carrera, marca un quiebre bastante importante, ya que Suárez nunca había sonado tan pop como suenan en este álbum. Buena parte del reconocimiento que tiene la banda hoy en dia se debe a que constantemente se los cita como los primeros que se atrevieron a grabar discos en un formato estrictamente "low-fi" sin que ellos siquiera supieran lo que eso era. Esos discos, los dos primeros, "Hora de No Ver" y "Horrible", muestran una banda que siente una atracción bastante clara por la música experimental y los ruidos varios, ademas de tener temas que fueron grabados "en una cámara de video". En "Horrible", uno de los mejores discos de los 90's eso no lo niega nadie, ya se puede ver una veta un poco mas cancionera, aunque las experimentaciones sonoras todavía estaban en un primer plano. "Galope", el tercer disco de la banda, es una postal exacta de las preocupaciones del rock de la época: duro, corto, medio ruidoso, algo de experimental, alternativo. Es el disco que deja bien en claro por qué Suárez es la banda emblema del rock independiente de los 90's. Llegamos a "Excursiones" entonces, que, al escucharlo recientemente de forma casi obsesiva, llegue a la teroria de que, quizas, sea el disco que termino de solidificar la gran influencia de Suárez en buena parte del rock que hoy nos toca escuchar. Desde Jaime Sin Tierra hasta El Mató a un Policia Motorizado, todos y cada uno de ellos le deben algo a la banda de Bléfari y compañia. Pero eso sería historia para otra entrada. Ahora quiero hablar sobre el clima de frescura total que se escucha en el disco.
"Río Paraná", primer track del disco, es una canción que habla, obviamente, sobre un paisaje de atardeceres tristes en el lugar que le da nombre. Se citá al río en un estado de melancolía, recordando (casi casi como en el caso de los YLT) momentos que ya no están. "Adios, adios, me voy, me voy" son las primeras frases que tira Bléfari en un tema que a medida que avanza acentúa aún mas esa imagen de mujer destrozada por un amor a la cual hasta el río le hace recordar lo que fue: "Sigo remontando río arriba / en un barco que en la proa / lleva el nombre de tu nombre / río paraná". Es una canción que, a simple escucha, parece ser una foto típica de una tarde de verano/primavera. Pero para mi no, para mi esta pegando para el otro lado. Es sumamente otoñal. Me da la sensación de verla a Bléfari titirtando de frío en este barco, envuelta en abrigos pesados y con libros sobre el brazo.
Creo que "Excursiones" es un disco ideal para escuchar a los atardeceres otoñales. Parece haber sido concebido exactamente en ese instante; un momento de congelamiento total, como en la madrugada en la que cae la primer hoja de los árboles. Como un telón que se abre y deja ver que se viene un período de colores dorados. "El Camino", otra genialidad del álbum, es un tema que deja todavía mas en claro esos climas. Con una mistica deliciosa, en donde se destaca la pluma de Bléfari para escrbir esas letras que sin decir nada dicen todo, Suárez crea el equivalente músical a una película en super-8: imágenes no del todo claras, gastadas, fantasmales, que hablan de vacaciones de invierno en las afueras de la ciudad. Siempre tuve la idea de que este tema estaba como inspirado de alguna forma en ciudades de esas casi abandonadas que se ven por las rutas que conducen a, por ejemplo, Córdoba. "Tengo la llave / vamos corriendo" es una de las frases de la canción de la que siempre me acuerdo. Hay algo, y otra vez con lo mismo, de pasado que aparece de nuevo en una noche al lado de la estufa. Una mujer viendo fotos de su infancia, de sus vacaciones en la provincia, y un amor que quedo enterrado por ahi. Un secreto guardado bajo mil llaves. Es un tema impresionante, de un poder visual tremendo. Es casi imposible no relacionarlo con el clima otoñal: incluso la melodía, tranquila de paciencia pseudo asiática, nunca termina de arrancar; se queda ahi, esperando, dejando que la historia se desarrolle. Un cuentito triste contado en una noche fría.
Despues está, si, el tema que directamente va al grano. "La Niebla" es una reversión de un tema que ya se encontraba en "Hora de No Ver". En aquel disco, éste era un tema jodido, que, a veces, cuando lo escuchaba muy a la noche, me ponía los pelos de punta. Estaba comandado por una bateria electronica (o da esa idea, la verdad que descifrar los instrumentos que los Suárez usaban por aquella época es una tarea complicada) que de verdad te hacía dar la idea de que estabas caminando por un lugar completamente cubierto de niebla espesa asfixiante, de pelicula de John Carpenter. La última versión del mismo es un poquito menos clímatica, pero deja bien en claro algo que en la otra se perdía: la temática. "La Niebla" es una canción sobre la pérdida. Otra vez la tenemos a Bléfari, pero esta vez ya lejos de los barcos en los ríos, ahora perdida entre el espesor de la niebla matutina (dato para nada insulso) que no la deja ver nada, ni siquiera a los edificios que puede llegar a tener al frente. Sin embargo, hay una esperanza. En un momento de la canción dice "y es esa construcción / múlticolor / la que disipara la niebla / matinal" . A qué se estara refieriendo? Se sabe que sus letras, mas en el período de Súarez, tenían ese aire surrealista/limado que a veces llevaban a las interpretaciones mas voladas. "Excursiones" cierra con el tema mas surrealista ever. Estamos hablando de "Alguna Vez Viste?", una canción que habla de árboles negros de carbón con flores de rubí, o algo asi, como bien dice la cantante al final de la frase.
Un disco redondo, casi de pop español (diganme si Suárez no podría haber sido una banda de pop española?...ese pensamiento siempre anduvo por mi cabeza), de cualidades netamente friolentas y de melancolias otoñales. Para salir a andar en bicicleta por el barrio con guantes de piel marrón en las manos. O para ir a pasar la tarde al Río Paraná, claro.

un festival

2008-03-28T12:33:00.000-07:00

Entre el 8 y el 20 de abril se llevara a cabo el decimo festival internacional de cine independiente, actividad conocida por todos nosotros sencillamente como BAFICI. Se sabe que este no será un bafici mas. Muchas cosas pasaron alrededor de la organización del festival en los meses pasados, entre los que se encuentran una carta abierta del por entonces director del festival Fernando Martin Peña pregutándole al gobierno de la ciudad de buenos aires si, directamente, se habian olvidado de ellos, dado que no se le habian habilitado la cantidad necesaria de fondos monetarios que necesita el festival para llevarse a cabo. Y eso no fue todo: a los pocos meses Peña renunció a su cargo en el festival, mostrando un panorama bastante frustrante en cuanto a la posteridad del bafici, incluso se llego a hablar de que, lamentablemente, el festival, que este año cumple sus diez años, no se realizaria.

Por suerte nada de eso paso. Las cosas mas o menos se aclararon pocos meses antes de que la fecha mitica en la cual el bafici se viene realizando desde hace diez años llegara, y el viento trajo novedades y renovaciones. Por un lado, se presento al nuevo director artistico del festival, el critico Sergio Wolf, y, por el otro, se destaco la cantidad de peliculas que se ofrecen este año en el festival. O sea, esta bien, se entiende que se cumplen diez años y todo, pero de todas maneras la cifra de la programación no deja de sorprender: 427 peliculas! Es de conocimiento común que ver esa cantidad de peliculas es, directamente, una tarea imposible, y por ello es que se suelen hacer listas de imperdibles y recomendados que tienen como fin aclarar el panorama dentro de tan monumental lista de peliculas de todo el mundo. Asi que, si amigos, nosotros no nos quedamos atras y tenemos ganas de contarles cuáles son los filmes que mas nos llaman la atención y las que por ningún motivo se deberian perder. Cosa que pretendemos seguir haciendo a medida que el festival se vaya desarrollando, donde seguramente les vamos a estar contando cúales son esas perlas perdidas que nadie noto. Ah! y esten atentos que por el motivo de los diez años del ferstival se van a llevar a cabo distintos festejos que van desde los recitales que se vienen desarrollando alrededor del festival desde el año pasado (y que este año presenta nada mas ni nada menos que a Benjamin Biolay) y demas agasajos que puden leer con mejor detalle en la pagina del festival que les linkeo abajo.
Nos vemos en las escaleras del Abasto.

Mister Lonely / Harmony Korine
Mister Lonely no es ni mas ni menos que la pelicula por la cual estaba esperando que este bafici se realize. Sabia que, dado la respuesta que la pelicula estuvo teniendo por los festivales en los cuales se mostro, estaba destinada a caer en alguna sala del abasto. Por suerte. Mister Lonely es la tercer pelicula de Harmony Korine (ademas de una especie de regreso del director, quien se habia perdido en un infierno de drogas y sectas), el director detras de glorias como Gummo y Julien-Donkey Boy, ademas de guiones miticos como el de Kids, y es, sin duda, una de las peliculas mas extremista en un catálogo que justamente se destaca por ser bastante extremo. Ya habia hablado de ella hace un par de meses en esta entrada, en la cual ya dejaba entrever algo de el extravagante guión que tiene. La mano viene mas o menos asi: un doble de Michael Jackson, interpretado por Diego Luna, lleva una vida triste y llena de angustia en un mundo donde a los dobles no los aceptan del todo, hasta que un dia se encuentra con una doble de Marilyn Monroe, quien lo lleva a un mundo donde los únicos habitantes son dobles de alguien. Es asi que Korine consigue lo impensado: una pelicula existencial sobre dobles, en la cual consigue juntar a la madre Teresa de Calcuta con Charles Chaplin. Imperdible.

Control / Anton Corbjin
Otra de las mas esperadas aunque, si, llega con un poco de atraso: a esta altura del partido el que ya quiso ver la tan mencioanda pelicula-sobre-el-cantante-de-joy-division ya lo hizo, hace rato que se encontraba dando vueltas en la red. Pero bueno, de todas formas ver esta hipnotica pelicula (destinada a pasar a la posteridad como la obra defenitiva sobre la vida de Ian Curtis y Joy Division), en pantalla grande y con un sonido abrumador tiene que ser una actividad obligada para todos los espectadores afines a la figura del mitico cantante. Lo demas, tambien ya lo habia comentado en este post: lo que consigue Corbjin es un acercamiento encantadoramente extraño a la vida y obra de un de los protagonistas indiscutidos de la escena musical de los 80's. Filmando en blanco y negro y con un trabajo con la fotografia que hiela la piel, Control tiene todo lo que una biopic debe tener y todavia mas, porque uno de sus grandes hallazgos es mostrar a Curtis lejos de la figura mediatica, lejos de la foto que tengo pegada en la pared, humandizando a su personaje principal, mostrandolo con sus dudas, sus aciertos, sus perdidas y sus miedos, que, tal como anuncia ese titulo, hace que todo se le descontrole, se le salga de las manos. Cosas que no se pueden anunciar, cosas que se escapan..de todo eso parece hablar de esta pelicula que parece no soltarlo a uno ni siquiera dias de despues de haber visto el film, y que te deja duro, inmovil por un buen rato hasta que los titulos ya estan abandonando la pantalla.

Paranoid Park / Gus Van Sant
Gus Van Sant parece ser el único director que verdaremente le presto atención a los adolescentes en los últimos tiempos, porque de otra forma no se entiende muy bien como es que logra peliculas como Elephant o esta Paranoid Park, la cual se muestra como hermana directa de aquella segunda pelicula de la ya terminada triologia de la muerte. Peliculas, deciamos, que encierran perfectamente toda la angustia, las dudas y las acciones de todo joven de 16 años. Paranoid Park cuenta la historia de un chico que concurre a un famoso lugar donde se hace practica skate (el Paranoid Park del titulo), y en esas idas y vueltas se encuentra protagonizando un extraño episodio en el cual termina muriendo un hombre. Otra vez la muerte rodea una pelicula de Van Sant y otra vez lo muestra como el solo sabe hacerlo: una fotografia inmensa (atención al look trashero y super street que Van Sant le quiere dar a su pelicula utilizando extractos filmados en super-8 para las partes en la cuales los pibes andan en skate), esos enormes planos fijos en donde el uso del silencio como único sonido nos pone la piel de gallina y la ya clásica forma de narrar que el director supo hacer una de sus caractersiticas mas destacadas. Y de nuevo pone en duda cuestiones que ya se veian en Elephant: la ausencia de figuras paternales, los medios de comunicación y las instituciones. En definitiva, Paranoid Park es esa clase de historia que un canal como Hallmark transforma en una berrteada infernal y que Van Sant realiza con pasión y dedicación, conformando una obra de arte inludible. Otra de las imperdibles.

Otto; Or Up With Dead People / Bruce La Bruce
Recuerdo un par de Baficis anteriores en las cuales, muy temprano, me meti a ver una de las proyecciones de "The Rapsberry Reich", sabiendo muy bien con lo que, tratandose de una pelicula de Bruce La Bruce, me iba a encontrar. Lo cierto es que la pelicula me paso por encima como veinte elefantes. Nada de lo que me podia imaginar de una pelicula de La Bruce me preparaba para semejante acontecimiento, de la cual sali euforico, excitadisimo y tremendamente agradecido por haberme metido a verla. Aquella era un filme que dejaba bien en claro todas las posturas por las cuales La Bruce es bien conocido: politico, pornografico hasta mas alla de lo explicito, artista explosivo y outsider, quien encima tiene el don de poner todo eso en una pelicula, transformando el cine en algo movilizador, original e infinatamente explosivo. Otto; Or Up With Dead People es mas o menos lo mismo, salvo que ahora a su inefable catalogo de dinamitas varias le suma zombies adolescentes enamorados de otros zombies y, bue, ya se pueden imaginar mas o menos lo que se pueden encontrar. Si hay algo por lo que el bafici siempre se destaco es por darle un lugar a todos esos cinesastas que mas que underground son recontra-mutantes y las exhibiciones de peliculas como las de Bruce La Bruce solo pueden tener lugar en festivales como estos. Asi que, ya saben, a no dejarla pasar. Nunca viene mal una pelicula como esta.

Joe Strummer: The Future Is Unwritten / Julien Temple
Un documental monumental sobre la obra de Joe Strummer realizado por uno de los directores mas punk que el cine nos supo dar, Julien Temple. Nadie mejor que él, un gran conocedor de la historia del punk, para retratar la figura de uno de los músicos mas influyentes de los últimos tiempos. Temple logra captar perfectamente ese aire de "revolucionario mundial" que Strummer se supo conseguir, primero al frente de una de las bandas mas combativas que se pueden encontrar, The Clash, y luego en plan solista, donde llevo todavia mas lejos esa fanatismo por descubirir los sonidos que constantemente emergen de la mejor escuela: la calle. Sin duda, The Future Is Unwritten es la pelicula que la figura de Strummer se merecía. Cuenta saldada con uno de los artistas que mas se extrañan.
Ademas, el bafici ofrece una especie de mini restrsopectiva sobre la obra de Temple, ya que tambien se exhiben en el festival otros documentales del director ingles, tales como el que realizo sobre la mistica que rodea al festival Glastonbury y el ineludible segundo documental que realizaria sobre los Sex Pistols, "The Filth And The Fury".

Patti Smith: Dream Of Life / Steven Sebring
Otro documental sobre otra figura ineludible de la historia del rock. Siempre me pregunte por qué nadie se hacia cargo de mostrar mas o menos cómo vino la mano en la vida de Patti Smith, por siempre conocida como la "gran poeta del punk", desde que irrumpió en el mundo del rock con esa gloria hecha disco que se llama "Horses". Bueno, "Dream Of Life" parece saldar esa cuenta pendiente que el cine tenia con Patti. Material de archivo, imagenes en vivo y entrevistas con la propia Patti hacen de esta pelicula una buena excusa para ponernos al dia con su obra, ademas de servir como buena puerta de entrada al mundo de Patti para todos aquellos que todavia no tuvieron el placer. Se supone que la pelicula se de junto con el video que el gran Jem Cohen realizo con su particular estilo para el cover que Patti hace de "Smell Like Teen Spirit", de no ser asi, no se entiende por qué en la programación se incluye este video.

Luz Silenciosa / Carlos Reygadas
El cine del mexicano Carlos Reygadas no es para nada facil. Cada vez que una de sus peliculas se exhibe en algún lado, comienza el quilombo. Estan los que dicen que sus peliculas son obras que no se pueden pasar de largo, mientras que otros lo tildan de farsante y de simplemente hacer espamento. En fin...para mi su trabajo (entre los que se encuentran su gran opera prima, "Japon" y una segunda pelicula que todavia no entiendo por qué se habla tan poco, "Batalla en El Cielo") se ubica en algún punto medio de esas dos opiniones.. Lo cierto es que "Luz Silenciosa" (pelicula que todavia no tuve la oportunidad de ver), su tercer largometraje, de nuevo va a traer cola, porque lo de Reygadas, a pesar de que el silencio sea justamente una de las caracteristicas mas habituales de su cine, nunca deja a nadie con la boca cerrada. Buena oportunidad entonces para ver de que va esta "Luz Silenciosa", la cual trata de un triangúlo amoroso en una comunidad mexicana, y seguir polemizando sobre la obra de Reygadas, del cual muchos dicen que es un fiel hijo de Tarkovski, by the way. Habrá que ver nomás y despues nos agarramos a trompadas, si quieren.

Go Go Tales / Abel Ferrara
El último de los neoyorkinos malditos que nos quedaba termino de reincidir en Europa y se largo con esta pelicula, Go Go Tales, que tiene mas de ese aire contaminante caracteristico de la gran manzana que de aires europeos, si es que tal cosa existe. Con un cast lleno de "figuras malditas" que van desde Willam Dafoe hasta Asia Argento, Ferrara presenta otra de sus acostumbradas peliculas sobre esos outsiders callejeros, drogadictos y putas varias, enfocandose en las desventuras que se llevan a cabo en un cabaret, donde todos sus mutantes convergen. Noche, sexo, drogas, urbanidad, lap-dances y todo lo demas que Ferrara suele mostrar, impregnado de ese caracteristico pesimismo y dureza extrema que suelen destacar de entre tanto bicho húmedo de sus peliculas. Una oportunidad ideal para reencontrarse con la obra de un director al que siempre, en mi caso, regreso y encuentra cada vez mas alegrias que desgracia, mas aún sabiendo que vienen hablando por ahi de que "Go Go Tales" es firme candidata a resurgir el espiritu que autores como John Cassavetes supieron conseguir. Habrá que ver nomás.

Help Me Eros / Lee Kang-Sheng
El actor fetiche de Tsai Ming-Liang (su propio Antoine Doinel, como se suele decir) se lanza con su segunda pelicula como realizador, bajo la enseñanza, claro, de el hombre que siempre lo pone en pantalla. Decir esto es, en definitiva, darse una buena idea de lo que va la pelicula de Kang-Sheng, que no difiere demasiado de las de Ming-Liang, mostrando la conducta de varios seres/personajes en la acomplejada sociedad moderna. Y hay de todo: comida, sexo, música, luces de neon y esa extraña melancolia que tanto Ming-Liang como el propio Lee Kang-Sheng consiguen cuando trabajan juntos, esos personajes que se arrastran y deambulan por la noche como fantasmas en ácido. Y la sorpresa de Help Me Eros es justamente esa: darse cuenta de que no hace falta la sombra del director para que Kang-Sheng brille con luz propia. La pelicula, que contiene algunas de las escenas mas fuertes en cuanto a sexo que se puedan encontrar en el festival (aunque los que hayan visto "The Wayward Cloud" mas o menos saben lo que les espera), pero que a fin de cuentas no termina siendo otra cosa que una gran pelicula que, como otras, simplemente habla de el amor, ese gran tema universal. Una pelicula que puede ser una de las mas comentadas de los quince dias que dura el festival.

Persèpolis / Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
Otra que llega con atraso al festival, simplemente porque el que la quiso ver ya la vió. Pero nunca viene mal ver de nuevo una pelicula, no? y menos que menos si esa pelicula es como "Persépolis". La pelicula cuenta la hsitoria de la propia Marjane, quien antes de haber llevado su vida a la pantalla ya la habia realizado con mucho exito como cómic. Su vida como una niña en el inicio de la Revolución Islamica en Teheran, una infancia plagada de muerte, sangre, y distintas prohibiciones, pasando por su adolesencia en Francia, donde se vuelve una punk-rocker, hasta la reincidencia en su pais natal; todo esto contado con una sinceridad y una falta total de escrupulos por todo lo que la rodea que hacen que la historia se mueve por situaciones bastante jodidas, mas que nada cuando Marjane va creciendo dentro de ese clima opresivo, que logran brillar al ser narradas con un gramo de humor que hacen que el film sea bastante llevadero y agradable, mas alla de que el contexto que muestra sea por demas oscuro. Justamente algo de esa idea debe haber pesado al momento de realizar la animación del film (si, Persépolis es un film animado), la cual es tremendamente sobria, y realizada unicamente en blanco y negro con fondos hechos con carbonilla que son una delicia visual. La pelicula se va a estrenar en salas comerciales poco despues de la proyección en el bafici, pero de todas maneras (la vean en el cine fuera o dentro del festival) vale muchisimo la pena.

Bueno, estas son las diez recomendaciones que les hacemos desde sensei, esperando por supuesto que arranque el festival para ir contandoles si descubrimos algunas que se nos escaparon dentro de esa sábana larga que es la programación de este año. lo que si, podemos citar algunos nombres que, por alguna y otra razon, bien vale la pena que las tengan en cuenta a la hora de elegir qué ver. Peliculas como Encounters At The End Of The World, el último documental de Werner Herzog que viene dando mucho que hablar; Smiley Faces, lo último de Gregg Araki; I`m Not There, la biopic de Tood Haynes sobre la figura de Bob Dylan, de la cual hablaremos ampliamente pronto; I´m A Cyborg But That`s Ok, lo nuevo de Park Chan-Wook; Sukiyaki Western: Django, el primer western con el que se larga Takeshi Miike con un antólogico cameo de Tarantino; My Winnipieg, la última locura de Guy Maddin...y mas, asi que, stay tune

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pagina oficial del bafici

Burn To Shine, música (e imagenes) desde las ruinas

2008-03-19T16:03:00.000-07:00

La casa, que antes se erguia como algo vacio, triste y melancolico, ahora no es mas que basura, pedazos de madera y cemento desperdigados por todo el lugar donde antes solia haber algo, un hogar, un techo, un significado que los tractores y los camiones, revolviendo todo, se encargan de sepultar completamente. ahora, si sabemos que nos vamos a morir, a destruir inevitablemente, seria ideal que las horas previas a la demolicion (la nuestra y la de todas las cosas/casas) estuviesen decoradas por sonidos que actuen, de alguna manera, como la mejor despedida posible. algo que nos de vida justamente cuando sabemos que es lo que, dentro de muy poquito, ya no vamos a tener mas. que vengan bandas, entonces, y que nos hagan una fiesta de despedida terminal, feliz, emotiva, y que vengan despues los tractores y que nos transformen en cenizas. Una fiesta, una celebración que festeja lo inevitable, unos pocos rayos de vida que iluminen por última vez a ese lugar que alguna vez supo ser algo mas que una simple construcción. Justamente esa parece ser la idea de esta series de DVD`s llamados Burn To Shine, en las cuales varias bandas de una determinada escena tocan en una casa el mismo dia en el que, hora despues, serà demolida. Esta buena idea la tuvo nada mas ni nada menos que Brendan Canty, mejor conocido como el baterista de algunas de las mejores bandas salidas de DC desde Rites Of Spring hasta Fugazi, quien un dia parece haber dicho "y si filmamos bandas en lugares que pronto van a ser demolidos" y empezó a realizar estos lindos experimentos bajo el ala de su flamante productora, Trixie Films, un experimento, deciamos, que parece estar saliendo a la perfeccion, porque la serie ya va por su quinto DVD a punto de ser lanzado. Sin duda, la idea es bastante buena: se filma a las bandas en un lugar bastante fuera de la común, y lo que se logra es un ámbiente cálido, extraño, solmene, donde estas se van sucediendo realizando solo un tema, el cual se filma solamente dos veces; algunas realmente logran performances inolvidables, mientras que otros parecen no darse cuenta donde estan parados e incluso hasta se podrian decir que estan como "metidas" en un lugar en el que claramente parecen desubicadas. Sin embargo, esto no es culpa de nadie mas que de el curador de cada una de los capitulos. Si, todo empieza cuando se descubre un lugar a punto de ser demolido en un determinado punto de los EEUU y ahi se busca a una especie de curador, que es el que se encarga de seleccionar a las bandas que van a tocar ese dia. A partir de ahi, ya esta todo listo: las bandas tocan desde muy temprano hasta que finalmente llega el momento de la destrucción. Y todo se filma. Pero empecemos por el comienzo de todo. El primer "Burn To Shine" se llevo a cabo en Washington DC, en una casa de una anciana de 97 años que, al morir, no queda mas remedio que derrumbar la casa. El tema es que esta viejita era conocida de un amigo de Canty, quien se siente un poco "culpable" por el destino al cual se enfrenta la casa, por lo que deciden hacer algo. Y ese algo, es, justamente, el pirmer dvd de la serie y el origen de todo lo que vendrá despues. Brendan Canty junta a la creme de la creme de la Washington: Q and Not U, The Evens, Wierd War, Ted Leo, Bob Mould, Medications, French Toast...Todos amigos de la casa y buena parte de ellos parte de la familia Dischord, fueron los encargados de iluminar por ultima vez a esta casa. El segundo fue en Chicago, y el dream-team fue armado por Bob Weston, quien logro juntar tanto a bandas consagradas de la tan conocida avanzada de Chicago como Tortoise, Shellac y Wilco, como a jovenes promesas como The Ponys, Pit Er Pat y Tight Phantomz, entre otros. De este capitulo recomiendo ver la parte de Tortoise, sin duda la perla de todo el DVD. El tercero se llevo a cabo en Portland, lugar de culto tanto en cuanto a cine (Portland quiza sea la cuna de los slackers que supieron rondar por buena parte del cine independiente de los 90's, gracias Gus Van Sant), y el encargado de armar la fiestita fue Chris Funk, quien toca en The Decembrist. Sleater-Kinney, The Shins, Quasi, The Decemberists, The Gossip (no se pierdan esta performance), Mirah y algunos mas fueron los que le dieron el último vestigio de vida a la casa. El cuarto volumen es un caso raro. Si bien ya se filmó, todavia no se editó en DVD, sin embargo, en la pagina de la productora se puede ver quienes son las bandas que intergran este capitulo, entre las que se encuentran Magik Markers, Will Oldham, Lords y Shipping News. Se supone que deberia salir en algún momento de este año. Esperemos. El quinto y hasta el momento último volumen de la serie, ya se editó y quizas se destaque como el que mas bandas reune de todos los volúmenes. Ben Gibbard, que seguro lo conocen tanto de Death Cab For Cutie como de The Postal Service, realmente se tomo a pecho la tarea de conseguir bandas. Desde el mismismo Gibbard hasta Eddie Vedder, pasando por bandas relativamente conocidas como Minus The Bear, Tiny Vipers y The Cave Singers. El resto del equipo lo componen bandas como The Long Winters, David Bazan y Kinski. El lugar: una casa abandonada en Seattle.
"Burn To Shine" entonces se muestra como una idea original y digna de destacar, y de la cual es dificil no quedar hipnotizado por algunas de las fuerzas que las bandas que tocan tienen. Parece ser que de verdad entienden que no solo se trata de tocar y pasarla bien, sino que la idea en si se basa en tratar de despedir de la mejor forma posible a esa casa, de decirle adios a esos fantamas que la habitaban de una forma alegre, que puedan hacer pogo, si se me permite el delirio, antes de quedar relegados a absolutamente nada. El final de cada uno de los volumenes es esos camiones que comentaba al principio rompiendo las paredes, las ventanas, las puertas, volviendo al lugar polvo, cenizas. Imagenes verdaramente tristes que anuncian que todo tiene un final y que lo mejor que se puede hacer es alcanzar ese punto de la mejor forma posible. Quizas asi duela menos.

Mas info, fotos y videos en Trixie

Sobre esos discos que antes no me gustaban, pero ahora si

2008-03-08T05:50:00.000-08:00

Ultimamente estuve viendo que en muchos blogs hablan sobre aquellos discos que, por alguna u otra razon, se nos pasan de largo y no los escuchamos con el detenimiento que requieren, terminando olvidados, seplutados y enterrados en algún cd que compila mp3`s o bien en los rincones mas jodidos de nuestro disco rigido. Estos discos no son necesariamente buenos ni malos, limites a los cuales, justamente por esa falta de escuchas que tienen, no podemos alcanzar, ya que los juzgamos de formas extrañas y sin ningún tipo de razonamiento, tales como "no me gustó la tapa", "los edita este sello ingles pedorro", "el guitarrista tocaba en esa banda chota de post rock", "en pitchfork los bardearon" o "vi el video en youtube y es horrible", todos motivos por demas injustificables... pero si por algo se destacan es que, cuando nos volvemos a encontrar con ellos, nos damos cuenta de lo tonto que fuimos y lo arrepentidos que estamos de haber pasado tanto tiempo alejados de semejantes gemas. Discos, entonces, a los que nunca les prestamos esa atención que se merecian y que despues descubrimos de nuevo. En mi defensa: nunca es tarde.

Wilco / Yankee Hotel Foxtrot
(Nonesuch, 2002)
Sera Yankee Hotel Foxtrot el disco que todos odiamos sin saber por què? Y, a su vez, será el disco con el que mas nos encariñamos una vez que lo descubrimos en todo su espelndor? Si , si y si. Wilco es una banda que nunca me termina de cerrar, y creo que a esta altura nunca lo hará, y debe ser por esa bronca inexplicable que les tengo que tarde en entrarle a lo que es su obra maestra, a el disco que los va a pasar a la posteridad, este "Yankee Hotel Foxtrot", el disco que sacaron en el año 2002. Lo cierto es que tanto como yo tengo mis problemas con ellos, la banda tambien los tuvo con este disco, que justo cuando estaba camino a ser condenado como "obra maldita", logró ser editado por un sello que no les dió la espalda, como si lo hizo la multinacional con la cual pensaban sacar el disco. Y esa multinacional quizas se parezca un poco a mi. Estoy seguro que cuando lo escucharon al disco, los tipos estos habran dicho "que embole, que temas mas raros, que se acaben, no los soporto a estos tipos, diganles que se vayan a otro lado", cosa que, de alguna forma, yo tambien hice, salvo, claro, por el último comentario que en mi caso fue mas parecido a algo como "lo grabo porque lo mezclo O' Rourke". Es que es verdad: la participación de Jim O' Rourke en este disco fue tan importante como lo es un director de arte en una pelicula de Michel Gondry. El músico de Chicago fue el principal responsable de que este disco suene como suena y de que sea tan grande como lo es. Porque, si empezamos a revolver en el origen del disco, en su génesis, es a partir de la presencia de O'Rourke detras de las perillas cuando todo empieza a tener el color que tanto Jeff Tweedy como su banda estaban buscando. Estoy seguro de que sin Jim O'Rourke "Yankee Hotel Foxtrot" hubiese sonado igual de bueno, pero sin esa magia especial que tiene. O sea, las canciones (que son muy, pero muy grandes, y ya hablare de algunas de ellas mas abajo) evidentemente ya estaban, ya las tenian bastante trabajadas y estaban mas que listas, y lo Jim supongo que hizo fue, mas que nada, sacarles un poco el polvo para que se terminen de transformar en perlas.
Ese trabajo no fue nada facil. Hay muchas historias sobre este disco, pero las que mas se suelen comentar son las de las supuestas peleas que hubo en la grabación. Se sabe que Jeff Tweedy no es un tipo fácil, y que su temperamento no es una de sus grandes virtudes, por lo cual esos chismes acerca de las peleas con O'Rourke pueden ser mas que ciertas, cosa que se ve un poco opacada por el hecho de que, para el disco que le sigue a esta obra, "A Ghost Is Born", los Wilco hayan elegido trabajar de nuevo con Jim. Aunque eso no dice mucho. Herzog se peleo toda su vida con Klaus Kinski y asi y todo seguian haciendo peliculas juntos. Yo no soy muy partidiario de ese dicho que dice algo asi como que "los opuestos siempre se buscan", pero creo que en estos casos, lo voy a tener que aplicar. De otra forma no se explicaria esta relación. Pero bueno, las cosas ya estan hechas y lo que quedo es un disco de una innegable preciosidad, cosa que se va descubriendo cuando las escuchadas van sucediendose y que termina de mostar todo su esplendor cuando nos agarra por la calle tarareando o cantando inconsientemente a los gritos algunas de sus canciones. Y fue algo asi mas o menos lo que me paso cuando realmente me re-encontre con el "Yankee Hotel Foxtrot".
Recuerdo unos dias de verano sofocante, o tal vez esos primeros dias del verano donde el calor no es tanto, pero por la ausencia del mismo por tantos meses hace que cualquier temperatura nos haga transpirar hasta enloquecernos, cuando realmente me encontre de nuevo con este disco. Estaba sentado en la ultima hilera de asientos de un colectivo, con el motor castigandome la espalda, los auriculares puestos, claro, y el volumen que no alcanzaba para tapar todo el ruido molesto que me rodeaba. Y ahi aparece otro ruido, pero que salia desde los auriculares, y una voz entre la bruma espesa de ese sonido que decia: I Am an American Aquarium drinker / I assesin down the avenue / I`m hiding out in the big city blinking / What was i thinking when i let go of you? Si, esas son las primeras palabras que salen de la boca de Tweedy, las primeras oraciones que salen con voz àspera, borracha, e indudablemente dolida. Es inevitable pensar que "I Am Trying To Break Your Heart", ese primer tema, proyectaba un viaje en colectivo por demas jodido pero que era justamente lo que necesitba. Y la sorpresa que fue leer en el display del reproductor la palabra Wilco, que se iba moviendo como una lombriz por la pantallita del aparato, me duro hasta que se termino de esconder completamente, para despues volver a aparecer una y otra vez. No voy a negar que pense en pasar de disco, poner otra cosa, pero ese What Was I thinking when i let go of you? que se repetia una y otra vez, cada vez mas tapado por el ruido blanco que lo iba inunando todo, me termino ganando. El disco siguió sonando entonces, hasta que llegue a mi casa, donde lo volvi a poner para escucharlo en otro ámbiente, pensando que tal vez lo único que hizo que ese disco funcione en mi cabeza haya sido el contexto cuasi-apocaliptico en el cual lo venia escuchando. Pero no, me volvió a ganar. Escucharlo en la habitación funcionaba todavia mejor.
Pero ahora ya estaba instalada en mi mente la inevitable pregunta, la culpa que empezaba a funcionar como un juguetito molesto que hace ruido: donde estaba este disco?, por qué no le di bola antes? que paso? Las respuestas, como en la mayoria de estos casos, no se presentaron, lo cual, en definitva, no importa en lo mas minímo. El momento es ahora, y ahora es cuando, final y sopresivamente, este disco se está ganando un lugar inesperado. Recuerdo que si lo bajé es porque había leído mucho al respecto y ademas el "produced by Jim O' Rourke" no me sonaba para nada mal, pero algo paso y el disco me deufrado rotundamente. Notaba algunas cosas buenas, como los arranques de furia de algunas canciones (como "War On War"), el ruido que logró meterles O'Rourke (el final de "No Reservations" fue idea directa de él, eso no me lo discute nadie) y alguna que otra cosa, nada demasiado profundo. Pero estas "nuevas" escuchadas al disco de Wilco fueron reveladoras. Me di cuenta de que los tipos pudieron llegar a la comodidad interior de su música, amigando sus fantamas del pasado con los del futuro, poniendo "modernidad" (Wilco siempre me pareció una banda que sonaba como "vieja", no me pregunten por qué), haciendo de este "Yankee Hotel Foxtrot" un puente entre lo que pasó y lo que vendra. Tambien noté que para llegar a eso, tuvieron que ceder algunas cosas, el punto que mas riña habrá traido entre Tweedy y O'Rourke, tales como dejar "ensuciar" las canciones, ponerles unos puntitos de furia a esa melancolia, ruido que, asi y todo, logra sonar bastante prolijo y ameno. Se nota que no se dejaron cosas al azar y que todo estuvo metodicamente estudiado. O no. Por ahi todo fue caotico y destuctivo, un bardo artistico que termino trasformando a éste disco como la obra mas grande de toda la carrera de Wilco. Y uno de los discos que mas me gustan de ellos. Tal vez el único, porque ahora que lo pienso, entusiasmado como estaba de haber descubierto a esta gloria, me puse al dia con algunos de sus discos, como "Summerteeth" y "A Ghost Is Born", y ninguno de los dos sobrevivó al quinto tema. Al nuevo ni siquiera lo bajé. No me llevo bien con Wilco. Pero estoy seguro de que, si algún dia vuelvo a hacer esta sección, van a estar de nuevo.

Spoon / Gimme Fiction
(Merge, 2005)
Como los odiaba a estos pibes...Sin siquiera haberlos escuchado, el solo nombre "Spoon" me daba bronca, por lo que jamas me moleste en siquiera escuchar un pedacito de alguna canción. Si, sabia que tenian lo suyo. Si, sabia que los discos tenian toda la onda, eran hiterisimos...Pero yo ya les habia hecho la cruz.
Hasta que un dia, mi hermano se baja el Gimmie Fiction. No me pude contener y le pregunte que tal estaba, si le habia gustado. Me respondio como que el disco le habia dado igual. Esa sentencia final de mi hermano, termino por sepultar completamente al disco, y lo que se avecinaba como la única oportunidad que tenia la banda de Britt Daniels para venderme aunque sea una gota de su música quedo enterrada entre carpetas de mp3's.Ademas la tapa, por alguna otra inexplicable razon, me daba una bronca y un asco inevitable. Asi que, adios, Spoon.
Hasta que un dia, se hizo la magia. Fue hace poco, para cuando sacaron su ultimo disco, "Ga Ga Ga Ga Ga", y despues de leer maravillas en todos lados sobre el disco, dije, "le voy a dar otra oprtunidad a Spoon", asi que busque el Gimme Fiction y lo puse. Y se la di, nomas. "Puta, que pedazo de disco", fue la única frase que se vino a la mente despues de que los once temas que componen al álbum hayan dado todo lo que tenian, y el siguiente movimiento, uno bastante automático e inesperado, fue ponerlo otra vez. Y despues otra vez. Y asi por el resto de los dias que le quedaban a la semana. En una de esas mi hermano entra al cuarto y me pregunta que estaba escuchando. Le digo que Spoon, para enseguida responder con un "uh, que bueno que estaba"
Esa semana, el ranking del LastFm termino por dar forma a lo que di en llamar "mis dias con Spoon": 54 temas escuchados. Algo que, sin lugar a dudas, iba a ir creciendo mas y mas.

Sin embargo, es hasta el dia de hoy que todavia algo me sigue oliendo mal sobre Spoon. Es algo a lo que, evidentemente, todavia le falta cicatrizar. Si bien el hecho de escuchar tanto al Gimme Fiction como al Ga Ga Ga Ga Ga (disco que bajé inmediatamente despues de descubrir la banda que me estaba perdiendo), sirvieron para darme cuenta de que todas las cosas que habia leido sobre ellos era mas que cierta, todavia hay algo que no me deja escuchar otras obras, que, por lo que lei son igualmente buenas, como Girls Can Tell o Kill The Moonlight. Cosa que no me deja se impresionar, porque de verdad me pongo contento cuando escucho temas como "I Turn My Camera On" (con ese aire entre seductor y sucio que tiene) o "Sister Jack". Y ni hablar de "My Mathematical Mind", y ese comienzo con el piano; todos temas que dejan bien en claro la obsesion de los Spoon por los arreglos y la prolijidad excesiva de algunas de sus canciones, elementos que muestran la capacidad y el poder de la pluma de Daniels, una persona que tiene fe ciega en la magia de las melodias que crea. Tan grande son algunas canciones de Spoon que mas de una vez me dio la sensación de que sus canciones estaban destinadas a cosas mas grandes, como si en vez de estar atrapadas en la comodidad de un cd, necesitasen escapar de ese formato, donde se ahogan, para pasar a algo mas grande, a convertirse en himnos universales o algo de ese estilo. Sin lugar a dudas, son canciones de una ambicion tan enorme como un edificio de mil pisos, que casi casi toca las nubes.
Asi que asi estoy con Spoon. Todavia medio indeciso, medio que los miro con reojo, pero se que es algo que el tiempo va a terminar de curar y los voy a poder tomar con mas alegria. Por ahora, me quedo con el Gimmie Fiction como premio consuelo, porque este último disco que sacaron o bien no me convenció del todo o no lo escuche con la atención que se merece. Lo que si, ahora siempre los tengo cerca a loa discos, porque de vez en cuando me da para ponerlos, se que la voy a pasar bien. Digamos que ese "adios, Spoon" que decia mas arriba, ahora se transformo en orgulloso un "hola, Spoon".

Destroyer / Destroyer`s Rubies
(Merge, 2006)
Si alguien me hubiese dicho que yo, hoy, Domingo 9 de Marzo de 2008, estaria escribiendo una nota sobre cuanto me gusta esta disco, me estaria riendo en la cara de esa persona. Asi de corta. Nada me aleja mas de una canción, un disco, una foto, un dibujo, una letra, en definitvia, de cualquier cosa que me digan "mirá que fue hecha por un pibe que toca en New Pornographers, eh". Dios. Puedo llegar a quemarme vivo antes de tocar algo hecho por los canadienses. Y aca es donde debo aclarar que si, yo se que a todo el mundo le caen simpaticos y que en cualquier momento se transforman en la mejor banda del planeta, pero yo no los trago. Y todavia no llego el momento en el cual me doy cuenta de lo estupido que fui de no haberles dado bola antes y hacerles un lugar en esta sección. Todavia falta para eso. Ya di algunos pasos en busca de la reivindicación de los New Pornographers, y la muestra mas exacta de ello, es haber escuchado a Destroyer.
Por si no sabian, Dan Bejar, el hombre detras de este proyecto, es un músico de Vancouver que un par de veces colaboró con los New Pornographers, ademas de llevar a cabo dos millones de proyectos, entre los cuales se encuentran las bandas Swan Lake, y colaboraciones con otras bandas de Canada tales como Wolf Parade y Frog Eyes. Y cuando tiene un tiempito extra se dedica a sacar dis-ca-zos, que firma con el nombre de, si, Destroyer.
Pero bueno, basta de background. hablemos de lo que verdaderamente importa. Como ya se podran imaginar, a Destroyer mucho no lo queria, porque si, cada vez que me hablaban de él venia incorporada la frase "mirá que toca en New Pornographers, eh", por lo que enseguida se apagaba cualquier luz de esperanza con respecto a escuchar sus discos, sobre todo este "Destroyer`s Rubies", que era el principal elemento, el punto que disparaba la conversación, el comentario de mis amigos. "Que el disco está buensimo", me decian, y me lo recontra recomendaban, pero yo hacia caso omiso. No me importaba. El tipo toca con los Nuevos Pornografos, asi que, fuck off. No jodan.
Y si todas estas historias se parecen es porque todas ellas estan rodeadas por el halo de la resurreción, por decirlo de alguna manera, y esta no es la excepción. Porque si, finalmente cedi a escuchar a este "Destroyer`s Rubies". Recuerdo que el disco llego a mis oidos una noche bien chota de un domingo no menos choto, y, en una de esas, hurgando por blogs, me lo encuentro al disquito y como tenia ganas de ver si el domingo este se terminaba de derrumbar o si, vaya uno a saber, Destroyer me lo salvaba apenas un poquito dije, bueno, por qué no? Y le di click al download.
Una hora despues estaba tocando el techo con las manos. Lo que mas me sorprende de estos episodios es la manera en la que me trago las palabras. Porque uno no solo se enfrenta a la pena de ver su orgullo roto en el piso, sino que tambien juega mucho "el que diran". Ok, yo se que admitir que a uno le gusta Destroyer no tiene nada malo, no es para nada comparable al hecho de decir "si, me gusta Pink", pero debo decir que cuesta bastante comentarles a esas mismas personas que antes te lo habian recomendado (y que vos mandaste bien a la mierda). Ahi es donde uno verdadermente se da cuenta de lo mal que esta, y esto lo digo como si fuera una moraleja simplista de algún dibujo animado del Discovery Kids, lo mal que está juzgar antes de conocer.
Bueno, Dan Bejar, te pido disculpas. Te puedo asegurar que estas cosas ya no van a volver a suceder. Porque no solo me convenciste de que estaba siendo un tonto por perderme tus canciones, sino que, y esto en definitiva es lo que mas importa, de verdad me alegraste ese domingo que ya me estaba seplutando ocho pies bajo tierra. Tu "Destroyer`s Rubies" me transformó ese dia en una noche de Viernes, ni tan calurosa ni tan fria, ahi, exacto como me gusta. La temperatura ambiente ideal. Los temas, esas gemas, esos rubies justamente, que se sucedian uno tras el otro como pequeños ponis cabalgando en mi habitación. Es que tu música va por ese lado, cosa que me sorprendió mucho, dejame decirte, porque mas bien pensaba que eras "otro pibe indie tocando la guitarrita". Pero no, y aca ya les empiezo a hablar a todos, Destroyer no tiene mucho que ver con eso. Mas bien lo que ofrece Bejar es una visión extraña del folk, como si este fuese una seda arrartrandose por el piso, y al que se le van pegando, en ese traqueteo, algunos toques de glam, rock y la psicodelia mas volada.
Las canciones de "Destroyer`s Rubies" se presentan como un tanto dificiles de entrarles, sensación que se agranda aún mas al ver las duraciones de las mismas, pero es justamente ahi donde reside la magia de Destroyer. El tipo te mete en una canción de seis minutos todo lo que uno se pueda imaginar, pero logra hacer eso con una simpleza de la que todavia yo no puedo entender como sale ileso. Temas ambiciosos, épicos, de grandes arreglos orquestales, donde uno de verdad piensa que el tipo las busco con el mismo esfuerzo con el que se busca una gema. Y a lo que llego, claro, es aún mejor.
La guitarra y lo que dispara Bejar de ella, son balas llenas de purpurina roja que se clavan en el cuerpo, parecidas a las mismas que Bowie (quien quizas sea el mayor referente de Bejar y la primera persona que se le viene a uno a la mente apenas le esucha la voz) supo disparar alla en los lejanos, pero nunca pasados de moda, setentas. El Bowie de los dientes torcidos. Seguramente van a pensar lo mismo que yo al escuchar esos te-ma-zos como "Watercolours Into The Ocean" y ese "rar rar rar rarar" que tiene como coro o la magia que se derrama de "Painter In Your Pocket" y "3000 Flowers".
Y que se yo. Ahora mismo estoy escuchando "Your Blues" (2004) y recien termine de escuchar ese discazo que saco este año que se llama "Troubles In Dreams" y que ya tiene en su interior varios de los nuevos himnos de mi cuarto, como para aprovechar el tiempo perdido. A tus amigotes de banda todavia no los puedo tragar, pero estoy seguro de que si le metes a ellos la misma onda que metes en tus discos en cualquier momento me vas a ver escuchando algun disco. Quizas estoy esperando el domingo ideal. Quién sabe.

Un poco de The Wayward Cloud, un poco de Tsai-Ming Liang

2008-03-05T06:13:00.000-08:00

2008-03-05T05:29:00.000-08:00

Ok, ok, llegamos un poco atrasados a la noticia, pero bueno, ya saben como dicen por ahi: mejor tarde que nunca. Todo esto viene al caso para contarles que el jueves pasado se estrenó "The Wayward Cloud", el film del inmenso Tsai Ming-Liang, uno de los primeros titiluos que se estrenan del director taiwanes por estos lares, y que se exhibe con el nombre de "La Nube Errante".
Por si estuvieron encerrados en un cajón los últimos, no se, diez años, les digo que Tsai es un exponente importantisimo del cine contemporaneo y, como suele pasar con todas las cosas que realmente valen la pena, su obra se viene formando al margen de todas las industrias desde hace ya bastante. Peliculas extrañas, silenciosas, inclasificables son las que hace Tsai, pero todo eso son nada mas que los elementos básicos que hay que cononcer para adentrarse en un obra tan pero tan grande (ocho peliculas), cuya buena parte de la misma ya fue exhibida en Buenos Aires, gracias a el BAFICI, claro, donde Tsai suele ser un abonado fijo todos los años.
"La Nube Errante" es una obra ideal para abrir de una vez por todas la puerta al planeta del director, ya que es una pelicula en la que coinciden muchos de los temas que suelen ser tratados en la mayoria de sus peliculas, tales como la escasez de agua, enfermedades varias, el sexo, el futuro como algo apocaliptico y tremendo, la vida en las grandes ciudades, la urbanindad y la consiguiente alienación que esto trae. Personajes solitarios, de pocas palabras, que deambulan por las calles en busca de vaya uno a saber que cosa, pero que seguramente tiene mucho que ver con un poco de amor y compañia. Y esto no es todo, sino que ultimamente a Tsai se le da por mostrar estos paisajes mezclandolos con secciones musicales, donde ponen a sus personajes a hacer una especie de "playback" delirante, donde la imagenieria visual de Tsai se va, literalmente, hasta las nubes y todavia mas lejos.
Todo esto se puede apreciar en "La Nube Errante", donde la escazes de agua hace a la población sustituir este recurso por sandias, y donde el sexo es, al igual que esos musicales de los que hablaba, es mostrado de una forma inimaginable, y bastante explicito tambien, con largos planos fijos que si uno no se presta a dejarse llevar por la propuesta pueden ser, (ay, cuidado espectador!) bastante incómodas. Al igual que como deciamos de Shortbus un par de meses atras, la idea es entrar a la sala y dejar afuera cualquier tipo de prejuicio y entender a la pelicula como un obra que se permite ir un poquito mas alla de lo que habitualmente solemos ver. Ir hasta el otro lado, mezclar un poco las cosas, ver con que nos podemos encontrar y si todo sale bien y uno acpeta la propuesta, estoy seguro de que van a pasar una de las mejores hora y media de su vida y si no, bueno, que es el arte sino un buen medio para movilizarnos y polemizar sobre lo que uno está viendo?
Tsai Ming-Liang, entonces, en las salas locales, y toda su locura visual que, mas alla de todo lo que uno pueda escribir al respecto (lo cual era la idea, pero la entrada se iba a hacer mas larga que la de Cronenberg), se trata simplemente de la visión de un artista que verdaremente parece entender la vida moderna, al menos a su modo, y no tiene otra forma mejor que mostrarlo que haciendo estas peliculas hermosas que son, en definitiva, hermosas canciones de amor.

Mas Info en la pagina de la distribuidora 791cine, cuyo blog tambien esta lleno de links a notas (que recomiendo leer) y esas cosas sobre Tsai.

"La Nube Errante" de Tsai Ming-Liang, 2005

2008-02-23T05:21:00.000-08:00

Y volvemos, al fin, a las revisiones de discos. Esta es la primera del año, y ya podemos decir que tenemos algunos favoritos. Entre los covers de Cat Power y su flamante Jukebox, revisado de forma puntillosa por el amigo Agustín (cuyo blog, Degollando Cisnes, recomiendo que visiten) y el fervor adolescente bardero de los Times New Viking, estos son los primeros grandes discos del año.

1.Cat Power / Jukebox
(Matador, 2008)

Es conocido el mito de que la felicidad puede ser uno de los peores enemigos del artista. En incontables ocasiones, el bienestar del músico, escritor o cineasta lo priva de varios engranajes que permiten poner en pleno funcionamiento a la maquinaria compositiva. Si bien hay casos donde sucede lo contrario, ejemplos de este tipo sobran, pudiendo citar, cuando menos, el azucarado Hoy de Pez, que coincidía con la paternidad de Ariel Minimal, así también como los discos de epifanía religiosa de Dylan o, casi por asociación libre, con el último disco del Calamaro limpio –que a mi parecer está bastante por debajo del nivel de sus discos creados en aquellos años donde era el Coronel Kurtz de su propia Camboya-. Aún así, resultaría aberrante, e incluso peligroso exigir que el artista debiera mantenerse triste, como si fuese un mero títere dispuesto a divertirnos en el momento que precisamos (eso es algo que se le ocurriría a un tipo como Lars von Trier, pero no quiero irme de tema).
Justamente, a pesar de lo mucho que queremos a Chan Marshall (la mujer detrás de Cat Power), si bien no podemos estar más que contentos de verla radiante y contenta como nunca la habríamos imaginado, esta new found happiness deja un sedimento de subrepticia preocupación a los que nos gustaba ser pasivos espectadores de su via crucis. Efectivamente, la sinceridad de Chan Marshall en sus letras y música la posicionan dentro de lo que se podría catalogar como música de autor, cuyos discos, siguiendo la línea de títulos como The boatman’s call de Nick Cave, If I could only remember my name, de David Crosby, o, por citar a autoras femeninas, el Blue de Joni Mitchell, suelen funcionar como una radiografía dolorosamente nítida del momento y lugar que atraviesa el alma del creador. Son, como podría decirse, incómodamente personales, como podría serlo un secreto demasiado fuerte contado por una persona de la que uno todavía no tiene suficiente confianza. De cierto modo, la discografía de Cat Power funciona como una especie de álbum fotográfico en el que a través de las imágenes podemos reconocer distintos momentos que atraviesa la vida de alguien. El Dear Sir, si lo concibiéramos desde su dimensión fotográfica, sería de esas fotos adolescentes en que vemos nuestro miedo agazapado detrás de un porte desafiante, las costuras detrás de una campera de cuero negra. Así seguiríamos pasando las imágenes del Myra Lee y el What would the community think, desembocando en el Moon Pix, que es de esas fotografías dolorosas que sirven de medida de pesos para evaluar el acercamiento de nuestro ser actual con el que nos proyectamos y el que quisimos dejar atrás. Aquel disco es de los más tristes que se hayan podido hacer, y escucharlo es casi como ver, canción a canción, foto a foto, un proceso de deterioro progresivo que culminaría en la desaparición lisa y llana de la persona.
Contra todas las expectativas, luego del Moon Pix, y varios fondos de botellas vacías mediante, Chan Marshall pudo dar a luz su penúltimo trabajo, The Greatest, en donde una epifánica recuperación cambió de lleno el sonido al que nos tenía acostumbrados. Temas de un mayor optimismo, sobrios (en ambos sentidos de la palabra) y con un viraje del folk hacia los terrenos del jazz y el r&b, podrían sentirse como si la oruga que había estado incubada en un capullo de camisas tres talles más grandes hubiera desplegado sus alas para ofrecernos música de la más dulce y serena (aunque muchos seguimos amando a la oruga).
Su último disco, Jukebox, editado en febrero, sigue la línea de los discos de autor, pero entonces más de uno me recriminará ¿cómo es posible que mantenga esta línea personalísima si es un disco covers? Bueno, he aquí uno de los tremendos méritos de Chan Marshall. De la misma forma que el Polaco Goyeneche estudiaba las letras como lo hace un actor del método Stanislavski con su guión, Chan Marshall desentierra nuevas verdades, sus verdades en terrenos extranjeros y lejanos. Un emblema viviente como Satisfaction de los Rolling Stones en su primer disco de covers (The covers record) adquiere una dimensión serenamente inquisidora, completamente diferente al aguerrido y fiestero clamor de Mick Jagger en calzas. Chan hace lo mismo que hizo Marlon Brando en Ultimo tango en París: para hacer el personaje de Paul, no tenía que mimetizarse con Paul y sus razones, tenía que hacer que Paul lo interpretara a él. Este es casi el mismo proceso en los covers de Cat Power: logra apropiarse de los temas como si realmente fueran suyos. Es una squater lírica.
Pero ¿Qué se puede decir de este último disco? El álbum comienza con esas baterías super cargadas de ambiente que se podían escuchar en sus primeros discos y que tanto me gustan. El tema es New York, New York, y a pesar de estar acondicionado en un ambiente jazzy, como de ballroom, la canción no podría estar más lejos de las pomposas versiones llenas de glitter de Liza Minelli. Ya podemos atestiguar que Chan Marshall ha comenzado a encontrarle una nueva amplitud de espectro a su voz, y se maneja con soltura en subidas y bajadas, hasta en mismos susurros, sin perder las manos del volante. Luego le sigue una versión de Hank Williams (casi un continuum en la discografía de la señorita Marshall) y Metal Heart, es decir, un cover de sí misma. Es en este tema donde surgirá el primer pero, que está precisamente vinculado a las nuevas armas de su capacidad interpretativa. En el corazón metálico del Moon Pix hay una contradicción entre la aspereza de la letra y el tono sereno, casi dulce con que Chan Marshall canta los versos. En esa contradicción radica el hecho de que el tema sea único. Es por esta misma razón que fracasa la reinterpretación que Chan hizo de este tema en su nuevo disco Jukebox: con una nueva expresividad vocal mucho más versátil, le agrega dramatismo y nuevos registros, perdiéndose esa languidez que dota al tema de verdadero sentido y lo separa cualquier otro tema de amor no correspondido escrito por una vocalista fanática de PJ Harvey.
En Lost someone le da un aire country a la versión original más cercana al soul de James Brown, pudiéndose notar en la forma que canta los versos Under the big old sun I see/My one on the street/Looking like a bomb, que la impronta dylaniana sigue intacta. Por supuesto, el cover de Dylan no se hace esperar, cantando I believe in you. Sin ser de los temas que se destacan más, sirve como extracción de prueba sobre de la nueva senda emprendida desde el The Gratest. En la época del Covers Record, Cat Power había hecho de sus carencias virtudes y desde la mayor austeridad el agujero último a los rincones de su alma. Precisamente, en Kingsport town (otro cover de Dylan) cada vez que pronunciaba una palabra prácticamente podían escuchársele los labios despegarse cerca del mic, el pulgar pesado sobre la sexta cuerda, la respiración profunda entre verso y verso. En el I believe in you de su último disco aparece una guitarra en delay y un acompañamiento de batería junto a arreglos vocales que serían impensables para su primera época.
El mejor tema del disco llega en Don’t explain, que es una versión íntima y completamente deslumbrante de la capacidad interpretativa de Chan. Parecería que su voz brotara con un reverb proveniente de sus mismas entrañas, sin trabajo de producción detrás. Hay un momento en que baja la voz y susurra contra el micrófono que arenga a nuestros poros como un cubo de hielo haciendo slalom sobre nuestra columna vertebral. Hay otros aciertos y resultados discutibles, como Woman left lonely, pero los que vivimos por estas latitudes deberemos cruzar nuestros dedos y pedirle a Dios, Iemanjá o David Blaine para que llegue la Deluxe Edition, que tiene una serie de temas inconcebiblemente dejados de lado. Entre ellos está Naked if I want to, de los eternamente ninguneados de Moby Grape, el I feel de los Hot Boys y Angelitos Negros, una estremecedora canción que sigue a Robert Wyatt en esa nueva línea de temas en español interpretados sin dar lástima por angloparlantes.
Concluyendo, en un pasado que ya parece algo lejano, el minimalismo felino hacía de sus mismas limitaciones un arte. Uno extendía la palma de la mano sobre la superficie de la canción y agradaba el sentir al tacto las costuras visibles, los agujeros sin surcir, los bordes desgarrados de la malla que cubría el tema. En este nuevo disco, uno acaricia la superficie y la siente como una palma de seda que se desliza por la nuestra. Este disco permite descubrir que, más allá de que el folk distorsionado haya dejado espacio al jazz y el soul, más allá de que ya se hayan terminado esos tiempos en que la sureña se derrumbaba sobre el escenario, más allá de haber colgado la camisa leñadora en el armario para ponerse su nuevo vestido de gala, Cat Power sigue siendo Chan Marshall.
-Agustin Acevedo Kanopa

2. Times New Viking / Rip It Off
(Matador, 2008)
No entiendo por qué los Times New Viking siguen sacando sus discos en formatos digitales. Su música, caótica, extremadamente ruidosa, sucia y mas low-fi que el low-fi mismo, esta destinada a ser descubierta en cassetes TDK, arruindos, con la cinta toda malgastada por el paso del tiempo y por, claro, todas esas escuchadas que les dimos hasta gastarlos. Estoy seguro de que si esta banda hubiese surgido a comienzos de los 90's, cuando el movimiento low-fi estaba en su pico mas grande, hoy estariamos hablando de una banda imprescindible. Pero no, los Times New Viking no surgieron en los 90's y como mucho habrán visto a la banda de Bob Pollard unas cuantas veces y lo único que tienen en común con Pavement es el sello que los edita, pero si hay algo que no se les puede discutir es que, evidentemente, escucharon los discos que hay que escuchar y que hicieron la tarea mas que bien. Quizas llegaron tarde, pero llegaron, aca estan, aca los tenemos y el ruido que hacen esta bastante bastante bien para que lo pasemos despercibido.

"Low-Fi" entonces es de la mejor forma en la cual podemos referirnos a la música que hacen Adam Elliott, Beth Murphy y Jarred Phillips, tres muchachitos de Ohio (si, Ohio, como, ay, los GBV), que parecen haberse juntado un dia en el garage de alguno de ellos y comenzar a tocar un "lo que salga", cosa que no les salio tan mal, porque este, Rip It Off!" es su tercer disco ya, despues de otros dos que tambien tienen sus méritos (Dig Yourself del 2005 y Present The Paisley Reich del 2007). Sin embargo, parece ser que recien con este disco recien sacado del horno es con el cual pusieron todas las fichas para ser la banda del 2008, y ya les voy diciendo que van en el camino exacto. "Rip It Off" no es para nada un disco fácil si nos habitue a los sonidos sucios y pobres tipicos de las grabaciones en baja fidelidad, pero una vez que se sucumbe a su encanto, ya no hay salida. Debo admitirlo: con sus dos primero discos, especialmente con el Present The Paisley Reich, yo mismo llegue a decir "esto es insoportable, no se entiende nada", pero cuando vi que ya estaba su disco nuevo, les di otra oportunidad y ahora si, ahi cai bajo su encanto. Hay algo debajo de todo ese ruido, detras de todas esas capas de distorsión sucia y descontrolada, que realmente hace que las canciones de los Times New Viking se destaquen por contar con un gusto especial, algo mágico, oculto, que nos soprende en el momento menos esperado, tarareando una de sus canciones cuando vamos caminando por la calle o bajo la ducha. Canciones adictivas, que hacen su efecto tiempo despues y que nos hacen escuchar el disco tantas veces, incitando a hacer pogo contra las paredes de nuestra habitación. Es que algo de eso hay en la música de los Times New Viking: ese desaforado espiritu, indudablemente adolescente, fresco, que parece no tomarse tan en serio nada de lo hacen, manejando sus instrumentos como juguetes, y haciendo justamente de ese juego algo tan encantadoramente ruidoso como son las las 16 canciones de este "Rip It Off". Escuchen si no "Teen Drama", "Rip Allegory" y ese temazo llamado "End Of All The Things"

Para que tengan en cuenta mas o menos una imagen que se parezca algo al caos que los Times New Viking hacen en sus discos, habria que acordarse de los momentos mas desaforados y electricos de Yo La Tengo (piensen, por ejemplo, en el tema "Attack On Love" del disco "Electr-O-Pura"), con quienes los TNV salieron de gira durante el año pasado, cosa que se agradece en este disco con el tema "Times New Viking Vs Yo La Tengo", pero eso si, como si lo estuvieran escuchando en uan radio mal sintonizada, ahogada por culpa de ese ruido histérico de las señales que se confunden. Tambien habria que pensar como sonarian los Beach Boys si en las guitarras hubiese estado Thurston Moore o como serían los discos de los Ramones si los hubiesen grabado en cassete un dia que tocaban en el CBGBs, todos colocados con ácido. Todas esas reminesencias hay en la música de este trío, que agarra todo lo que puede del punk garagero mas sucio y lo convierte en algo un poco mas potable en su nuevo disco, que, si, puede ser considerado algo mas "accesible", pero no tanto, porque tampoco son muchas las diferencias que separan a esta obra de sus dos trabajos anteriores. Es mas, me parece que suena incluso peor que su primer disco (que tenia algún que otro tema que se escuchaba bastante prolijito), pero realmente eso no importa para nada: aca no hay nada complejo, no hay nada demasiado "experimental", sino todo lo contrario. Porque recordemos, si hay algo que nos gusta del low-fi es esa inmediatez sorprendente, infantil si se quiere, ese acercamiento rápido, extremo y sorpresivo, puro a la canción pop perfecta. Y si hay algo que los Times New Viking parecen haberse aprendido bien de las enseñanazas de sus papás musicales es justamente eso.
Música que deberia atesorarse por siempre en cassetes virgenes, ocultos en la húmedad de nuestros viejos equipos de música.

2008-02-09T06:41:00.000-08:00

Mucha de toda esta revision del cine de David Cronenberg que estuve haciendo ultimamente tiene que ver con el hecho de que en unas pocas semanas se estrena su última pelicula, "Eastern Promises", pelicula que aca se va a conocer con el titulo de "Promesas del Este", y que ya se avecina como una nueva gran obra de un director que parece estar siempre en su mejor momento. Despues de haber entregado esa pelicula enorme que fue "A History of Violence", en su nuevo film Cronenberg vuelve a repertir un par de elementos que ya se podian ver en aquella, entre los que sobresale nuevamente el uso de Viggo Mortensen como protagonista, actor que ya se esta conviertiendo en un fetiche absoluto del director, tal como lo supo ser Jeremy Irons a principios de los noventas, actores con los cuales Cronenberg se siente a gusto, y, obviamente, actores a los cuales termina transformando completamente en otra cosa, perpetuandolos en papeles legendarios e invariablemente malditos.

Luego de haber recorrido en la primera para de esta informe lo mejor de la primera etapa de su filmografía, en esta segunda parte nos metemos de lleno en lo que seria lo mas grande de toda su obra, el periodo de abarca desde principios de los noventas hasta el dia de hoy; periodo que se caracteriza por ser el mas oscuro de su filmografia, asi como tambien el mas complejo. Asi que ahi vamos, adentremonos una vez mas en las obsesiones de David Cronenberg.

5. The Fly / 1986
Antes de pasar por completo a los 90's, es necesario hacer un parate en 1986 para hablar de una de las obras mas exitosas de Cronenberg, y una de las mas asquerosas en cuanto a imagenes, tambien. The Fly es una version mas moderna de una remake de mismo nombre que se hizo en 1958, pero como ya conocemos a Cronenberg mas que una remake esto vendria a ser una "reconceptualización", cosa que leo en el articulo de Wikipedia y que me parece que es lo mas certero, ya que "The Fly" de Cronenberg tiene unos grandes cambios de argumento, conviertiendola mas en una especie de "film basado en..." mas que "film remake de..." Para mi "The Fly" tambien tiene mucho de "La Metamorfosis" de Kafka, cosa que nunca se termino de admitir, pero, vamos, el concepto de metamorfosis en la cultura, o cualquier historia que se trata de personas que se transforman en insectos, si o si lo lleva a uno a pensar en la obra de Kafka. Sin embargo, este pensamiento le viene a uno a la cabeza sencillamente por la transformacion que sufre el protagonista, pero mas alla se eso, pocos son los links que se puedan hacer a esta obra con la de Kafka.
Dejando las influencias de lado, se podria decir que "The Fly" es esa pelicula que todos vieron de Cronenberg pero que sabian que era de Cronenberg. Muchas veces me paso encontrarme con amigos que no estaban familiarizados con el universo del director canadiense, sin embargo, al preguntarle si habian visto "La Mosca" dicen que si, despues de, claro, el inevitable "esa es de Cronenberg?" Asi y todo, "La Mosca" es una de las representaciones mas fieles de el "universo cronenberg" que, valga la redundancia, Cronenberg haya hecho alguna vez. Desde la puesta en escena oscura, mórbida, con humo que sale de las alcantarillas y toda esa putrefaccion que rodea a todas las locaciones donde Cronenberg puso la cámara, es mas deudora de un film noir que de los de terror. Asi y todo, sigue siendo una de esas peliculas que te encontras casi siempre en vhs, en la seccion de terror de un videclub turbio. Al menos, asi me paso a mi, que tras años de verla escondida en el mismo estante que titulos como "Leprachaun" y la sexta parte de "Haloween", finalmente me le anime y me la alquile. No tenia ni idea de que se trataba, pero estaba bien, porque en ese periodo alquilaba cualquier gilada que se metiera en el camino. La cuestion esta en que, por alguna razon, nunca vi "La Mosca"; no recuerdo si la video se me habia roto, o si la cinta, despues de tanto años de estar confinada en los lugares mas recónditos del videclub, habia dicho "adios mundo cruel". Pero bueno, el tema esta en que me encontre de nuevo con ella, muchos años despues, cuando yo ya sabia muy bien quien era Cronenberg. Pero claro, nada (ni siquiera haber visto buena parte de su filmografia, miren lo que les digo), me preparaba para meterme en esta pelicula. Los mas adeptos a la bizarreada y las panzadas de peliculas clase-b o gore, diran, "vamos, no es para tanto", pero, realmente, "la mosca" no es para los mas sensibles.
Y ahora llego el momento de contarles mas o menos de que va el plot, antes de que me explaye compeltamente sobre esas escenas del film que tanta controversia supieron conseguir. "The Fly" se centra en el personaje caracterizado por Jeff Goldblum, el cientifico Seth Brundle, una persona demasiado adicta a su trabajo, de manera tal que lo llevo a convertirse en un ser completamente aislado y solitario, al cual solamente le interesa desarrollar de una vez por todas y en forma definitiva su nuevo descubirmiento, un invento que sin duda podria cambiar el rumbo de la ciencia. Ese invento es la maquina de teletransportación, elemento en el cual estuvo trabajando desde hace mucho tiempo. Sin embargo, hay algo que no termina de descubirir en su invento, algo que relamente lo tiene como loco, que es que la teletransportación solo se da con elementos sin vida (cucharas, ropa, etc), y siempre sale mal cuando lo que se intenta teletransporta son seres vivos. Eso empieza a cambiar cuando Brundle conoce a Veronica Quaife, una periodista, que vendria a representar una especie de musa en Brundle, ya que es gracias a su llegada que el cientifico finalmente da en el palo y puede darse cuanta que es lo que falla en la teletransportación de seres vivos. Y como se quedo sin monos para hacer la prueba, bueno, se pone el mismo conejito de india y ahi es donde todo se va a la mierda, porque, si, adivinaron, en el transcurso del proceso una mosca se pone en el medio y lo que sale de esa teletransportación dificilmente sea el Brundle que conocíamos.
A partir de aca, empieza a notarse verderamente el Cronenberg que a todos nos gusta, tal vez, un poco mas excesivo en este caso. Si bien antes ya se notaban de sobremanera los elementos básicos de su cine, desde mostrar a el campo de la ciencia como el contexto en el cual se desarrolla la trama hasta ver como maneja las puestas en escena (sobre todo el galpon ese donde vive Brundle, desordenado, sucio, autenticamente caotico..de alguna forma siempre me parecio que ese lugar se debia parecer bastante a la casa de Cronenberg), a partir de este quiebre es en donde la cosa se dispara. Claro, aca empieza el proceso de metamorfosis de Brundle, que, sorprendido, empieza a notar que su piel se esta volviendo mas húmeda que antes, que tiene el tacto mas sensible y que, evidentemente, algo anda mal, teoría que finalmente se comprueba cuando Veronica, igual de sorprendida que su pareja, le toca la esplada y le siente las alas. Jodido. Pero eso no es nada con todo lo que viene despues, que es el proceso paso a paso de toda la transformación de humano a mosca por la que pasa Brundle. Parece ser que Cronenberg se queria poner meticuloso en este asunto, por lo que no escatimo en nada. Es evidente que si algo le gustaba de el guión de esta pelicula (que de por si ya es bastante crononbergiano) era ese proceso en el cual el humano deja de ser justamente humano para pasar a ser un monstruo, o en todo caso, un híbrido. Este es un tema que, sabemos, le gusta mas que nada en el mundo a nuestro querido director, ese en el cual el cuerpo deja de ser normal y comienza a deformarse lentamente, para convertirse en otra. En "La Mosca", como decia mas arriba, eso se aumenta todavia mas, hasta los limites insoprotables, transfomrando esta pelicula en la obra que mas en claro deja ese concepto tan cercano al director, eso que en la entrega anterior di en llamar la deformación de los cuerpos.
Es interesante ver como Brundle, ya convertido en una mosca absoluta, encuentra en su transformación algo digno de ser mostrado, como si ahora, que los roles estan completamente invertidos, el descubirmiento cientifico para a ser él y no ya su maquina de teletransportación. Brunlde piensa que su estado fisico es algo que la ciencia podria utilizar a su favor, como si al fin y al cabo, sirviera para demostrar que, mas alla de los resultados obtenidos, la teletransportación es posible. Sin embargo, el asombro de Brunlde por la metamorfosis que esta pasando lo hace dejar de lado por completo su objetivo primordial, y dandole el principal lugar de atención a lo que ocurre en su cuerpo. Ahora el es su objeto de estudio. Ahora el es su propio invento. Esta conducta que Cronenberg impone a su personaje es bastante cusiosa, ya que lo asemeja absolutamente a su propia figura. Despues de ver el film un par de veces es hasta obvio darse cuenta cuanto de Cronenberg hay en Brundle, si ya desde la composicion misma de Goldblum se dejan ver ciertos aspectos propios del director (los anteojos, el modo de moverse, de comportarse, son bastante parecidos al los de Cronenberg), y hasta es común pensar que ese comportamiento de continua sorpresa y observación que Brundle tiene sobre lo que le esta pasando seria bastante parecido al que Cronenberg tendria si fuera él el que se está comviertiendo en insecto.
La transformación, ese proceso asqueroso pero no por eso menos notable en cuanto a los efectos y el maquillaje puede ser visto aca enetrito y con detalles sobre cómo fue hecho y todas esas cosas. Las imagenes que acompañan, son razones de sobra por las cuales esta pelicula deberia ser vista. Y les tengo que decir que nunca antes estuve mas cerca del vomito por asco viendo una pelicula. Y no estoy jodiendo. Solo Cronenberg puede ser capaz de eso. Como lo quiero.

6. Dead Ringers (tambien conocida en español como "Pacto de Amor") / 1988
Bueno, bueno. Aca si que se me complica porque no solo estamos frente a una de las obras mas complejas de Cronenberg, sino porque tambien estamos frente a mi obra preferida de Cronenberg, una combinación de motivos que van a hacer que el comentario de "Dead Ringers" no sea mas que una buena lamida de medias.
"Pacto de Amor" cuenta la historia de los hermanos gemelos Mantle, pequeños prodigios para la medicina, mas especificamente para el campo de la ginecologia, para el cual demuestran tener un talento envidable. Tal es asi que su pasión por esta rama de la medicina, los lleva a construir sus propios instrumentos, cosa que obviamente los hace muy famosos y les da un reconcimiento absoluto en esta ciencia. Si hay algo curioso en los hermanos Mantle (mas allá de que se dediquen a la ginecología, claro) esta en que tienen el extraño hábito de hacerse pasar por el otro. Para explicar mejor esta embrollo, cuando a uno le combiene ser el otro, lo hace, total, son gemelos y las siete diferencias son inexistentes. Asi que asi andan por el mundo de la medicina, intercambiando los roles, las pacientes y demas cosas. Y ese "demas cosas" entrarían las mujeres que se mueven, claro, porque los hermanos Mantle estan tan unidos "espiritualmente" uno al otro que hasta eso deben compartir. Sin embargo, hay algo que solo los hermanos Mantle parecen conocer a la perfección y eso es, justamente, a ellos mismos. Berverly es un ser tremendamente timido, con una conducta que se podria tildar de hasta solitaria, mientras que su hermano, Elliot, es todo lo contrario: charlatan, completamente extrovertido y un tipo casi sin escrúpulos. De la misma forma, se los diferencia en el trabajo: mientras que Berverly es el cerebro detras de todos los nuevos mecanismos y descubrimientos que realizan en la ginecología, Elliot es el encargado de presentarlos en sociedad y de, claro, defenderlos de aquellos entusiastas de "la vieja escuela", que ven a los inventos de los Mantles como enfermizos e inutiles.
Como ya se puede ver, Cronenberg ya presentó uno de los tópicos mas básicos de su obra: la medicina y el ámbito de la ciencia. Pero tambien ya se deja ver una nueva obsesión que lo viene moviendo los sesos desde "The Brood" mas o menos, que es la unión al punto extremo de los lazos familiares o, mejor dicho, mas crononbergiano, el peso de la unión de la sangre. Este es un tópico que por primera vez se ve con mas fuerza en "Dead Ringers", donde los hermanos Mantle no solo estan unidos por el hecho de que comparten la misma sangre, sino que Cronenberg, con esa obsesión bendita que tiene en desvirtuar todo, transforma en esa unión en algo mas desquiciado, presentandola como un lazo casi espritual, imperturbable y que tiene reminisencias casi homosexuales. La entrada en la vida de hermanos Mantle de la actriz Claire Niveau, es escencial para entender las magnitudes de ese lazo que ahora, con la llegada de Niveau se ve claramente amenazado. La actriz llega a la clinica como una paciente mas, pero un descubrimiento en su útero la va transformando, de a poco, en algo mas que eso. La obsesión de los Mantle con esta mujer tiene su motivo en el hecho de que esta presenta un caso ginecologico revolucionario: dos entradas uterinas completamente distintas y separadas una de la otra. Este descubrimiento, entonces, hace que los Mantle se sientan por demas atraidos a su paciente, y es asi que ésta comienza a verse enredada en una especie de trío, de la cual no parece estar muy al tanto, ya que, para ella, solo existe un Mantle, Berverly. Claro que ambos hermanos ya se la re movieron a esta altura, utilizando el "jueguito" ese de hacerse pasar el uno por el otro.
Uno de los puntos altos del film, viene cuando Niveau descrubre que en realidad los Mantle son dos. Es a partir de este punto en cual "Dead Ringers" despega definitivamente para no aterrizar jamas.
Asi, la pelicula se va oscureciendo cada vez mas y mas, desendiendo completamente al infierno cuando Nievau corta la relación con Berverly, quien, obviamente, se sentía extrañamente atraído hacia ella, al punto tal de comenzar a manifestar una obsesión enfermiza y terriblemente autodestructiva, cosa que se termina se manifesar cuando Niveau vuelve a entrar en escena, llevandose a vivir a Berverly con ella, empeñada en destruir completamente el lazo que lo une con su hermano, al cual ve como una figura que prentede controlar a Berverly y, asi, destriruirlo por completo. Es claro que a partir de este momento, las personalidades de los Mantle se desfiguran cada vez mas y mas, autodestruyendose por culpa de la paranoia, el caos mental y fisico que surge de esa separación. Como si cortaramos por la mitad a una lombriz y nos quedamos viendo como ambas partes se sacuden y se retuercen. Bueno, algo asi es lo que Cronenberg esta haciendo con sus personajes en este momento de "Dead Ringers", momento que se desenlaza de formas no menos desquiciadas, en la cual Cronenberg decide darle un broche de oro a su pelicula, mostrando que de nada, una vez mas, se puede salir ileso; siempre hay algo que tiene que ceder. Esta visión de las cosas puramente cronenbergiana tiene en "Dead Ringers" su epicentro, su punto mas alto. La frialdad con la que esta filmada, esa oscuridad que reina en la mayor parte de los planos, mas ese caos infernal que se presiente en la última mitad de la pelicula, con Jeremy Irons en su climax exacto, hacen de esta pelicula una una gloria en la que se hace inevitable no darle a las palmas hasta que nos ardan.

Y a mi me pego tan fuerte por el hecho de que yo tambien tengo un hermano que, bueno, a diferencia de los Mantle, mellizo, pero la idea de la dependecia, el hehco de mostrar a ambos seres como un solo cuerpo, un solo espiritu, no hizo mas que moverme un par de cosas adentro y llevarme a pensar en situaciones terriblemente ridiculas, si, pero ideas que solo Cronenberg puede hacerme pensar. Por eso es que "Dead Ringers" es mi pelicula preferida, porque es a la que realmente me siento extrañamente cercana. La actuación de Jeremy Irons es, a esta altura, una de las mejores que Cronenberg haya logrado en un actor alguna vez, a tal punto que parece haber nacido para este papel y, tal como los Mantle, la unión del director y Irons es absolutamente imperturbable, y daba la sensación de que ambos se sentian muy bien trabajando juntos; Irons realmente se mostraba en un perfil de actor maldito que le quedaba como anillo al dedo y deber ser por esos motivos que se volverian a unir para filmar "M. Butterfly", pelcula que personalmente no me convence demasiado, aunque debo admitir que tampoco le di la bola que quizas se merezca. Es que superar lo conseguido en "Dead Ringers" debe de ser una tarea demasido ardua de conseguir, aunque, con el correr de los años, Cronenberg parece estar mas cerca de conseguirlo.

7. Naked Lunch / 1991
Si ya se hace una tarea ardua y hasta practicamente imposible hablar de el gran libro de William S. Burroughs, tambien se ve complicado el panorama cuando se trata de hablar de la adaptación que David Cronenberg hizo en 1991 sobre el libro, con guión escrito por el gurú. Pero ya que estamos en el tema, podriamos señalar que esto de adaptar novelas o cuentos de autores es algo que le gusta mucho a Cronenberg. Por lo general, no suele escribir sus guiones (son contadas con los dedos de una sola mano las peliculas que realmente salieron de una idea orginal y un guión de Cronenberg, mas que nada las de su primera etapa), sino que mas bien lo que hace es adaptar otras historias, tal como hizo aca con el libro de Burroughs y como hará despues con Ballard en "Crash". Es casi imposible no notar que los libros que elige para llevar a la pantalla son de aquellos escritores con los que comparte mas de una idea enfermita; son aquellos escritores, que, al igual que él, llevan a sus personajes a deambular por historias sodidas, de mundos llenos de situaciones extrañas y que empujan al lector a esos mismos mundos, evitando caer en los lugares comunes y tratando de abrir las cabezas, explorando terriorios no del todo comodos. Tanto Ballard como Burroughs saben muy bien de esas cosas, y Cronenberg de mas esta decir que tambien, por lo que la unión de ambos artistas es siempre bievenida y por sobre todas las cosas, para nada decepcionante.
Sin embargo, estoy seguro de que llevar a algo un poco mas "accesible" la obra de Burroughs no habrá sido para nada una tarea sencilla, por lo cual imagino que la colaboración de éste en el guión fue esencial. Nadie mas que él es capaz de meterse de nuevo en ese inferno anarquico llamado "El Almuerzo Desnudo" y encima sacar de ahi algo ilegible y que cumpla con todos los requisitos necesarios para convertirlo en un guión. Recuerdo leer el libro, sabiendo que ya existia una adaptación cinematográfica del mismo, y pensar "cómo mierda hiceron para llevar este caos al cine". Las imagenes, para el cual leyó el libro, se sabe que son infinitas y las cosas que a uno se le cruza por la mente al leerlo son todavia mas infinitas, y todavia mas y mas jodidas, complicadas, extrañas. Demasiado extrañas. Sin embargo, lo hizo: descendió una vez mas al infierno y sobrevivió una vez mas para contarlo, pero ahora, eso si, en una pantalla grande.
Lo demás si, fue tarea de Cronenberg. Construir maquinas de escribir que se transforman en extraños insectos que hablan con uno, pensar la "interzona" como un lugar inhabitable, parecido al Egipto, donde el calor y la transpiraciñon y las dorgas duras, claro, van marcando un destino cada vez mas turbio, un destino que solo William Lee, interpretado por un raro Peter Weller (no se que paso ahi David, pero en el cast deberia haber estado el nombre de Jeremy Irons al lado del de William Lee, lo se yo y lo sabe todo el mundo), y todo ese alrededor que parece existir solo en una larga pesadilla de una noche de verano. La sofisticación con la Cronenberg filma la mayoria de los planos es algo, que, hata hoy me suena medio raro. Para mi tendría que haber habido mas mugre ahi, mas agujas-tiradas-por-todo-el-piso y demas. Pero igual esta bien. Cronenberg ya hizo lo impensado: narrar lo inenarrable. Yo no hablo mas, porque se que todo lo que escriba va a parecer estúpido. Es una pelicula que requiere ser vista y despues, claro, comentada. Asi que mejor me callo. El resto de esta nota depende de ustedes.

8. Crash / 1996
Escribir algo sobre Crash seria decir cosas no muy distintas sobre lo que dije acerca de "Naked Lunch". Estamos casi en lo mismo: Cronenberg encuentra un libro que habla de cosas bastante parecidas a las que el cuenta en su cine, adapta el libro y lo filma. Esta vez si, le toca a el gran JG Ballard, uno que le gusta mucho pero mucho Cronenberg, y del cual ha sacado muchas ideas para sus peliculas (pensar en Shivers y relacionarlo con Rascacielos.) Y ahora, que llego el momento en cual unen sus cabezas para una cosa en común, los resultados no son para nada decepcionantes. La adpatación que consigue Cronenberg de Crash es tan exacta, tan simil a las sensaciones que causa el libro que parece que anduvo con esta idea de la adaptación desde hace bastante. La polemica que se dispara despues de que la pelicula se estrena no tiene nada, tampoco, que envidarle a las que consiguio el propio Ballard, años antes, con la salida del libro: los conservadores se sintieron tremendamente ofendidos por el caracter "enfermizo" de la historia y de, claro, el modo en el que el sexo es mostrado, consiguiendo que la pelicula se censurara en algunos países. Y si, digamos que lo muestra Crash no es para nada algo de lo mas comuncito, ni tampoco es algo que le gusta a la gente ir a ver al cine, salvo nostros, obviamente. La historia se centra en un trío de personajes que, tras sufrir distintos accidentes automóvilisticos, se dan cuenta de que estas cosas, ademas de lastimarlos bastante, les da una forma de placer inaudita, extraña. Si, ellos se calientan cuando ven cadaveres cruzados por fierros de autos, se calientan cuando ven un choque multiple en la autopista y su placer crece aún mas cuando son ellos los que incian estos accidentes, siendo parte de las victimas de los mismos. El frio rompehuesos de los paragolpes, el brillo de los capots, las fierros en las piernas, las amputaciones, las cortaduras, la sangre recorriendo el camino de los asientos, salpicando las ventanas...toda una subcultura de personas aburridas de las tipicas tecnicas de placer sexual, cuya meta, parece ser, justamente esa misma, llevar a un nuevo nivel al sexo.
Por alla cuando salió por primera vez editado el libro, Ballard, un escritor al que muchas veces se lo ve acertadamente como un predicador, pensaba que su libro mostraba el modo en el cual el sexo sería aplicado en un futuro cercano, poniendo a protagonistas de si libro, como siempre, a personas cansadas de la comodidad de su vida burguesa, en este caso, personalidades del mundo del espectáculo, del cine y productores de tv. No es para nada casual que el personaje que inicia a Ballard y a su mujer Catherine (si, en la mayoria de sus libros el protagonista principal es siempre el mismo o, una especie de alter-ego de él) sea el mitico Vaughan, un médico que ya paso todas las barreras de la experimentación sexual y que tiene un largo curriculm en esto de jugar carreras con la muerte, un personaje que ya dejó por completo su vida burguesa, entregandose definitavmente a la no-comodidad de vivir cosntantemente en peligro. Todas estas cosas, todos estos elementos son claramente reflejados a la perfección en la pelicula de Cronenberg, cuyo mayor mérito es haber conservado todo ese clima de constante oscuridad urbana, esa alienación que se vive cuando uno es parte de una gran ciudad. Y no solo eso, sino que esa sutileza poronográfica a la que se acercaba la obra de Cronenberg en peliculas anteriores, tiene en Crash su mejor ejemplo. Las escenas en las cuales se ve a los protagonistas teniendo sexo, dejando el control del volante en manos de nadie, estan filmadas de una manera que hiela completamente la sangre.
Se sabe que lejos esta Cronenberg de juzgar las conductas de sus personajes, mas bien diria que los apaña en algunos casos, sin embargo en Crash eso tambien parece explotar: de la sensación de que Cronenberg va ahi, con sus persoanjes al punto de chocar. Y de nuevo claro, la consiguiente deformación de los mismos, aunque sea de la parejita Ballard, porque lo que Vaughan, bueno, ese ya estaba perdido desde antes de los titulos de la pelicula. El extremo al cual son arrimados los personajes y el camino de destucción por el cual caminan, tambien sabemos que son algunas de las cosas que mas el gusta filmar, pero en Crash, nuevamente, eso es superado. La complejidad, bah, en realidad deberia decir la profundidad psiquica de los personajes es algo que pocas veces vimos tan bien en su cine. Da la sensación de que en Crash Cronenberg tomó todas sus obsesiones (esas que venimos contando desde la primera parte de esta informe) y todo lo mejor de sus peliculas y lo pusó aca, tranformando a esta en una pelicula absolutamente ineludible. Si, es Cronenberg en todo su esplendor, pero tambien un poquito mas.

2008-02-06T16:17:00.000-08:00

si Les Favy Fav se ganó un lugar privilegiado entre las listas de fin de año, no fue solo por el merito de haber sacado un disco buenisimo como es Let`s Stay Friends, sino que tambien jugaron un papel importante las presentaciones en vivo que la banda hizo durante todo el año que se fue. presentaciones de una furia que bien se trasmite en estos registros encontrados en la web, pequeños happenings que levantan tanto o quizas mas polvo que cualquier banda de hoy en dia. cosas como estas, no se dejan pasar asi nomas.
ahi tienen.

2008-01-28T05:27:00.000-08:00

Adentrarse en el cine de David Cronenberg puede llegar a ser una aventura de la que es dificil volver. O bien, en el caso de que haya un regreso, éste esta plagado de secuelas. Consecuencias fijas, indelebles de una visión del mundo tan propia que exige, al menos, dejar todas nuestras ideas, razonamientos y visiones sobre la vida a un lado por, no sé, dos horas, para que despues, una vez vistas las cosas con los anteojos cronenbergnianos, decidamos si las queremos meter de nuevo en la cabeza. Cronenberg es esa clase de director que, al igual que David Lynch, Takeshi Miike o Werner Herzog, tienen una mirada sobre las cosas que nos rodean tan pero tan caracteristica, que resulta bastante fácil reconcer las marcas de su cine, ya que este es absolutamente personal, lo que le permite ser uno de esos directores que parecen que hacen cine dentro de su propio mundo; un mundo que parece ser un hermano bastardo del nuestro, en el cual los males salen a la superficie y lo extraño se apodera de la mayoria de las cosas. Sin embargo, no le fue facil a Cronenberg llegar a este punto, en el cual su cine se podria catalogar como "de autor", sino que mas bien tuvo que recorrer un largo camino, en donde se cruzo tanto con peliculas de bajo presupuesto (un primer periodo de peliculas bastante clase b, pero de un valor indudable), el exito mediano que se le escapo de las manos ( o "Fast Company", la gran mancha en una filmografia impecable) y, finalmente, un periodo de grandes obras, en el cual ya parece haber encontrado el punto en el que mejor se sienta, entregando obras inteligentes, precisas, sutiles, las cuales serían el emblema y meca absoluta de su cine (digamos que desde "The Brood" en adelante, hasta "A History Of Violence", quizas).

Y ver todo esto en una restrospectiva, ayuda mucho a entender todo lo que le costó a Cronenberg llegar hasta este punto, pero mas que nada, sirve para darse cuenta de que si bien siempre pasó por disntintas etapas, su marca es tan grande que es imposible decir que, tanto en su primer etapa como en las últimas, Cronenberg no estaba ahi. Su visión de las cosas siempre se hizo por demas notable y uno siempre puede encontrar los rasgos de su cine en cualquier cosa que haya filmado, exitosa o no. Cronenberg nunca vendió su imaginario ni mucho menos cedió algunas cosas para hacer su cine un tanto mas comercial. Es mas, hasta esto último puede ser algo bastante discutible, porque, si bien ahora su cine tiene un alcanze mucho mas masivo que en su periodo mas oscuro (y muestra de eso es que sus últimas peliculas se estrenen en las salas locales), tampoco es un director "blockbuster", por decirlo de alguna forma. Yo creo que el peso de sus peliculas mas notables, a esas a la cuales me estoy refieriendo como "oscuras", es tal que todavía le cuesta a las personas acercarse a su cine. Se sabe que Cronenberg no hace las cosas faciles para los espectadores; su cine tiene mas que ver con el hecho de producir sensaciones que poco tienen que ver con la comodidad, con lo fácil, sino que todo lo contrarrio, se trata de mostrar la subversion de las cosas, el otro lado de la vida tranquila y las deformaciones varias a las que puede llegar la humanidad y, seguramente lo que mas molesta, el sexo como algo mostruoso, corrupto, pero justamente por esas causas genial y placentero hasta el asco.

Mi llegada a su mundo, no pudo haber sido mas extraña, tal como tiene que ser. Un profesor de filosofia de mi hermano, constantemente les recomendaba ver peliculas, y muchas de ellas eran de David Cronenberg. Lo cual no es para nada curioso, porque fue ese mismo profesor el cual les recomendaba leer constatemente ensayos y libros de otro outsider absoluto, JG Ballard, figura ineliduble dentro del universo Cronenberg, unión que finalmente llego a cerrarse por completo cuando este último llevo a las pantallas una versión inmensa de ese libro no menos inmenso que es "Crash". Asi que, gracias a este tipo, y gracias a mi hermano tambien que veia estas peliculas, yo llegue a descubirr tanto a uno de mis directores predilectos y, tambien, a uno de mis escritores preferidos. Y de esto ya fue hace bastante. Por eso estos últimos dias se me dió por revivir la obra de nuestro personaje de turno del dia, ademas de ponerme a completar su filmografia que, anda a saber por qué, tenia bastante olvidada. Y asi, en esa re-vision de las mayoria de sus obras, llegue a la conclusión de que, hay, facil, seis peliculas que hay que ver para entender y adentrarse sin ningún tipo de problemas al mundo de Cronenberg. Seis peliculas (cuatro en esta primera entrega, dos mas la semana que viene) absolutamente obligadas para aquellos que quieran adentrarse a los lados oscuros de las cosas y, de paso, ver cuerpos que se abren y que sacan armas de su estómago, televisiones que trascienden el plano bidimensional, parejas que se excitan con los accidentes automovilisticos, doctores especializados en raros casos de dermatólogia, cabezas que explotan, mutuaciones varias, sexo anal, alucinaciones, sangre, tripas, higados frios e instrumentación quirurjica igual de fria y excitante. Esto es Cronenberg. Y despues no se asusten si ven debajo del televisor un gran charco de sangre. Que hace burbujitas.

1. Shivers / They Come From Within (titiulo con el cual se la conocio en USA) / 1975
Shivers es una de las primeras peliculas de Cronenberg y deja bien en claro esto que decia mas arriba, eso de la primera etapa "low budget", que si bien es un truchismo extremo, es una de sus mejores peliculas de esta etapa, basicamente porque ese "truchismo" es buenisimo, no se si se entiende...Si uno no supiera que Shivers es dirigida por Cronenberg, se deja ver fácilmente como una pelicula de esas que se alquilan un sabado a la noche para cagarse de risa. Sin embargo, si se la observa muy de cerca, sin lugar a dudas se van a encontrar con algunas de las obsesiones mas amadas del director y tambien, obviamente, se van a encontrar con el mensaje politico de turno, cosa inevitable en toda su filmografia. Pero vayamos por partes: Shivers sucede en una especie de complejo de edificios muy modernos, que proveen a sus habitantes (burgueses, ellos, claro, bien acomodados) de una serie de comodidades impresionantes, ademas de servicios varios que, en definitiva, hacen que la vida de estas personas suceda basicamente dentro de este complejo, sin necesidad alguna de salir al "afuera", salvo, claro, para ir a trabajar. Si se busva bien, uno puede encontrarse con que esta idea de Cronenberg tiene su link absoluto en esa obra maestra de la ciencia ficcion moderna, llamada "Highrise", tambien conocida como "Rascacielos", de JG Ballard, autor, que como ya dije, es uno de las influencias esenciales a la hora de hablar de la obra de Cronenberg. Es evidente que el director leyó este libro un par de veces, porque en el film hay algunos guiños que hacen refernecia directa al libro de Ballard, que tambien contaba una historia similar.

Volviendo a la pelicula, la trama se dispara a lo demencial cuando se descubre que dentro del edificio un medico obsesionado con la experimentación con humanos ha trabajado varias veces en su departamento, tratando de realizar una especie de anti-cuerpo que tiene como fin curar las enfermedades antes de que estas sean descubiertas El tema esta en que el médico este estaba de la nuca, y experimentaba su descubrimiento con su novia, a la cual hallan muerta en el edificio, con el estómago abierto y junto al cuerpo de su novio, quien se acaba se meter un balazo en la cabeza. A medida que avanza la pelicula, el director nos va a ir mostrando que este anti-cuerpo en realidad nunca logro funcionar del todo, sino que mas bien terminba apoderandose de los cuerpos de sus pacientes, transformandolos en seres que tienen una extraña sed de sexo y sangre. Y ahi es donde Cronenberg termina de redondear su obra, porque no solo dervirtua por completo a esta sociedad que queria cosntruir su propio mundo, al costado del que ya existe, sino que, en vez de ponerle un "monstruo de afuera" pone como el mal absoluto a la misma comunidad, siendo ellos mismos quienes se llevan a la ruina, conviertiendose en zombies en busca de sexo. A esto habria que agregale al bichito ese, el "anti cuerpo" en cuestion, que se va arrastrando por todo el edificio, buscando cuerpos en los cuales adentrarse. El mal, que como su titulo en ingles lo dice, viene de adentro.
En "Shivers" ya se pueden encontrar algunos de los tópicos fijos en la obra de Cronenberg: el sexo como algo violento, extemo y la medicina, la ciencia como algo maligno y por lo general culpable de muchos de los males que se ven en sus filmes, desde la corrupción de los cuerpos, hasta los cambios de personalidades drásticos que sufren los protagonistas; tópicos que con el correr de los años lo van a obsesionar aún mas, y que lo van a llevar a realizar peliculas que se centran exclusivamente en esos temas. Pero si hay algo que sobresale en "Shivers" es esa idea que tiene de una parte de la sociedad, es decir, la burguesia o la clase media acomodada, a la cual, al menos en esta primera etapa, son un blanco fijo en cada uno de sus films, y a los cuales los somete a todos aquellos males a los que temen o los que consideran tábues, siendo el mayor de ellos el sexo, claro esta. En definitiva, "Shivers" es una obra ineludible para aquellos que se quieran adentrar en la filmografía del director canadiense, ya que, al ser una obra bastante temprana, ya deja bien en claro de que se trata su visión de las cosas, visión que muchas veces lleva al extremo total y demencial, cosa que tambien nos cae bien. La mayoria de las veces.

2. Rabid / Rage (asi es conocida en buenas partes del mundo, asi esta editada en DVD) / 1977
Rabid es conocida como la pelicula de culto absoluta dentro de la filmografia ya de culto de Cronenberg. Sin embargo, esta tiene un par de puntos mas para destacarse, como por ejemplo, de que este protagonizada por Marilyin Chambers, acrtiz porno, que aqui hace su primer protagonico en los margenes de la pornografia, aunque tratandose de Cronenberg sabemos que no estamos tan lejos de la pornografia. Asi y todo, la Chambers se las arregla bastante bien para ser una bomba sexual maldita en todo el metraje de la pelicula sin siquiera mostrar una teta. No es para menos, considerando la historia en la cual la mete Cronenberg: tras sufrir un accidente de moto que la deja buena parte de su vida en coma, y despues de haber sido el coenejito de india de un par de medicos que experimentaban en ella distintas formas de cirugia plastica experimental, finalmente, Rose despierta, pero algo ha cambiado: tiene una sed de sangre incontrolable, lo que la lleva a cometer crimenes sangrientos bastante explicitos (si hay un Cronenberg gore, tiene que ser este). La cuestion esta en que Rose convierte a sus victimas en lo mismo que ella, logrando asi que este virus extraño que germino en ella se expanda hasta limites inauditos, conviertiendo a buena parte de la población en zombies en busca de sangre fresca.

Si, ya se, el plot es bastante parecido a el de "Shivers" y en realidad no hay mucha diferencia entre ambos. Como pueden ver de nuevo, aca sale de nuevo la obsesion de Cronenberg por la medicina y la ciencia experimental, a la que otra vez enfoca como la principal culpable de la subversion de sus personajes, la que lleva a la humanidad entera a la ruina, en vez de salvarla, tal como deberia ser. Por eso no es para nada curioso que en muchas de sus peliculas, el lenguaje que se habla, en los dialogos de sus personajes, hya mucho de terminos que se corresponden especificamente al campo de la medicina, por lo que muchas veces quedamos un poco colgados, ya que es bastante dificil entender de qué corno se está hablando. Pero siempre Cronenberg hace las cosas un poco mas fáciles recuerriendo bastante seguido a ejemplos ejercidos por sus personajes que hacen que las teorias que se presentan sean un poco mas faciles de entender. Sin emabargo, esto se puede obviar bastante si a uno no le interesa saber el origen del comportamiento de la protagonista, porque, en definitiva, es solo un buen film de zombies y se puede disfrutar perfectamente como tal.
A "Rabid" la pongo como una de las escenciales por un solo motivo, y es que es, facil, una de las obras de esta primera etapa mas recordadas, ademas de ser una de las mas exitosas. Es este film el que lleva a Cronenberg a ser "aceptado" (y por favor, tengan en cuenta esas comillas) por la industria mayor, quienes le ofrecen hacer "Fast Company", una obra de una financiación muchisimo mas grande que con la que venia filmando y que ademas de eso cambia bastante el tono salvaje y demente de sus primeros filmes, con el motivo de convertirlo en un director accesible y exitoso. Sin embargo, "Fast Company" fue un fracaso por donde se la mire, y es, como dije en la introduccion, una gran mancha negra en su filmografia. Por suerte, ese golpe en la pared es el que lo lleva nuevamente a el lugar en el que se siente mas comodo, que es filmando estas locuras que bien le sientan. Pero si de algo sirvió esa rapida visita al "mainstream" fue para que al menos deje un zapato en la puerta antes de que se le cierre del todo, porque a partir de "Fast Company" sus peliculas comienzan a ser financiadas por estudios como Universal o Paramount, en los cuales parece sentrise bien comodo, teniendo un control absoluto de lo que filma. Por todos estos motivos, es que "Rabid" se transfomna en una pelicula obligda, ya que representa el adios definitivo de Cronenberg para con los films "low-budget" y la ultima pelicula de su primera etapa como cineasta. Lo que logro en esta ya le alcanza, por algo es bien conocido como el "Venerado Rey del Horror". Y eso ya es mucho.

3. Scanners / 1981
Si, ya se, me comí esa obra maestra oculta de la carrera de Cronenberg, esa cumbre a la cual llega su cine, esa bomba conocida como "The Brood" o "Cromosma 3", como se la conoció por estos pagos, pero eso es simplemente para hablar de una otra gran pelicula del canadiense (de todas formas, por favor no obvien The Brood si se van a poner a ver sus peliculas), una de las mas redondas que le salieron en mucho tiempo y una de sus films mas recordados. "Scanners" es una pelicula bastante rara dentro de este panorama, ya que tiene mucho de superheroe y un universo que es bastante simil al del comic. La historia cuenta sobre el extraño poder que tienen un determinado grupo de personas, un poder que los termina dejando a un costado del resto de la población, ya que, si no se controla, puede llegar a ser extremadamente peligroso. El poder en cuestion es un uso extremo de la telepatía, tan elevado que hasta llega a hacer explotar la cabeza del que esta siendo poseido por el telépata. De hecho, muchos de estas personas se encuentran alejados de la sociedad, como monstruos sin remedio, ya que al no tener la habilidad de controlar su poder, han generado bastante accidentes y un par de cabezas explotadas. Relegados, entonces, ocultos, son considerados seres absolutamente peligrosos y muchas organizaciones los buscan con el fin de estudiarlos y sacar varias observaciones sobre el posible beneficio que este poder puede traer en la sociedad. Porque, vamos, la telepatia es un poder grandisimo, y muchos gobiernos matarian por tener algunas personas que nos puedan controlar y asi decir "si" a cualquier boludez. No es un poder menor, es algo bastante grande. Y obviamente que por estas cuestiones es que los mismos telépatas, a los que se los llama "Scanners", crean una organización que tiene como fin todo lo contrario: controlar a aquellos que quieren exprimir su poder para fines mas oscuros, y despues, conquistar el mundo. De esta forma, Cronenberg crea dos bandos a los que pone en guerra, y lo mas curioso de todo esto es que ninguno de los dos bandos esta visto por el director como algo bueno, sino que emite en ambos jucios negativos, viendo a los dos grupos como algo malo, poniendo a el protagonista del film, Cameron Vale, como entre la espada y la pared, confundiendolo constamente, ya que éste no puede decidir para que banda tirar. Sin embargo, Vale cuenta con la ayuda de un doctor que lo ayuda a controlar su poder y a manejarlo de un forma correcta, con el fin de que pueda detener a la otra organización, quien esta comandada por ese personaje genial (y uno de los mejores que se puedan encontrar en todo el universo Cronenberg) que es Darryl Revok.
Entonces constantemente se crea esta especie de fricción entre ambos grupos, que, combinados con esa indecision y confusion permanente que tiene Vale, hacen que el film tenga un nervio y ritmo imparables y por primera vez Cronenberg deja bien en claro que se esta tomando su trabajo muy en serio y que no solo sabia hacer peliculitas de zombies, sino que la cosa daba para mas.
"Scanners" esta plagado de escenas de explosiones y cosas que se prenden fuego, y el trabajo de los efectos es por demas notorio, tanto como la música de Howard Shore, compañero del director hasta el dia de hoy, que pega justo en el clavo y crea una atmosfera ideal para lo que se esta contando; todos estos elementos concluyen dando origen a esa escena final, la de la gran confrontación, una de las mejores que Cronenberg haya hecho jamas. "Scanners" entonces, es una bomba de esas que dan placer que estallen. Bien frente a nuestros ojos.

4. Videodrome / 1983
Epa. Ya estamos entrando a un terreno complicado. Pero bueno, complicado es tambien el estado en el que cada vez se va sometiendo el cerebro de Cronenberg y complicado tambien va siendo el estado en el que nos pone a nosotros, los espectadores. "Videdrome" es uno de los fiilms mas violentamente extraños que Cronenberg filmó, y tambien es uno en el cual se empeiza a ver una especie de sofisticacion que cada vez se hace mas estilizada en su obra. Cuando me refiero a sofisticacion, estoy hablando de que a partir de esta pelicula, su obra comienza a adquirir otras tonalidades, que hacen que esa violencia que antes era desaforada, salvaje y que coqueteaba con el gore, ahora es mas bien igual de salvaje, pero mas sútil, mas erotica, si, eso, terriblemente erotica mas que sexual. Se puede entrever un clima muchisimo mas tranquilo, el avance de los tiempos es bastante mas lento, bastante parecido al tiburón que da vueltas alrededor de su victima antes de dar el mordiscon mortal. Si, asi es el nuevo Cronenberg, el que con "Videodrome" entrega una obra que muestra que el muchacho ordeno sus ideas y ahora puede mostrar sus historias de perversiones y mutanteadas varias con muchismo mas poder, a las cuales ahora les agrega temas personales. Y si de perversiones hablamos, "Videodrome" le gana por knock-out a la mayoria de sus peliculas.
Mira, si ya te digo como viene el cast, te das cuenta de la bomba que es esta pelicula: James Wood en el papel principal y Debbie Harry como su compañera en la pantalla. O sea, dos malditos totales. La trama de la pelicula es bastante compleja, o, mejor, empieza bastante sencilla pero despues se termina desvirtuando completamente, pero no como algo sin sentido, sino que mas bien resgaurda un hilo narrativo solido, lo que pasa es que la historia se complejiza y "Videdrome" se transforma en una pelicula de ribetes surrealistas extremadamente volados. El personaje de James Wood, Max Renn, es el director de un canal de television que se dedica a pasar constantemente programas de tv que escapan de las normas comunes, ofreciendo a sus televidentes shows que contienen violencia extrema, pornografia y bizarreadas varias. Justamente por este motivo, Max es considerado un personaje polémico, siempre victima de distintos ataques que denuncian su postura extremista en cuanto a lo que programa en su canal.
Mas arriba, decia que "Videodrome" era una de las peliculas mas personales de Cronenberg y se llega a esa conclusión por el hecho de que muchos suelen comparar a Max Renn con el mismisimo director. Es una relación bastante obvia, ya que por esta época Cronenberg estaba siendo constamente atacado por distintas personas que consideraban que sus peliculas eran demasiado violentas. Y justamente eso es lo que se planteea en Videodrome: hasta que punto la televisión o el cine, o basicamente, los medios de comunicación influyen en nuestra vida?; la televisión, puede controlarnos? nos lava la cabeza? estamos siendo las victimas de algún tipo de extraño experimento?...Siguiendo con el plot, la trama se dispara cuando Max, en busca de un nuevo show que termine de tirar todas las normas, algo tremendamente extremo, se encuentra con unos tapes que tienen en su cinta pedazos de imagenes increiblemente violentas, algo asi como una snuff movie que se transmite en vivo en algún lugar de los EEUU. Obviamente que esos tapes es justamente lo que Max busca para su canal, por lo cual se pone en la busqueda de mas tapes o de alguien que s ehaga cargo de el programa. Aca es donde todo se va a la reverenda mierda.
Al ver esos videos, Max empieza a sentirse mal, como poseido por unas intensas fuerzas que lo manejan. Su cuepo, al igual que su mente, ya no parece responderle y en su vientre comienzan a salirle unas extrañas pretuberancias que se le mueven de una lado para otro. Las cosas se le estan llendo de las manos, y como buen protagonista de una pelicula de Cronenberg que es, obviamente que al poco tiempo comienza a perder el control de si mismo, y su personalidad se deforma, conviertiendolo, invariablemente, en todo aquello que no era. En un objeto manipulado, manejado como una marioneta. La deformación de los cuerpos, la obsesión constante del director. De esta forma, Cronenberg pone en la mira a los medios de comunicación. Esta es su forma de denuncia o algo parecido. El control que ejercen en nosotros, según el canadiense, puede llegar a limites inesperados. Hay "Videdrome" algunas escenas antólogicas, como esa del centro de ayuda a los indigentes, que en vez de darle comida, les dan horas de televisión. O, la mas clásica de todas, la de James Wood excitandose con el televisor, al punto tal de que este toma vida y bueno, ya se pueden imaginar mas o menos lo que pasa. Y justamente esa noción de sexo, claramente desvirtuada como se puede ver, es moneda corriente en Videdorme y toma las formas mas inesperadas. Desde la escena de sexo entre Renn y el personaje de Debbie Harry (en la que ella le pide que ponga el video snuff, que asi se excita mas), la cual incluye violencia y sangre, hasta el sadomasoquismo que Renn ejerce en el aparato televismo, al cual le pega con un látigo mientras en la pantalla se ve la cara de Harry; sin olvidar claro, el videotape que se excita cuando Max Renn lo toca. Estas cosas, esta visión demente del sexo, como se puede ver, cada vez va en aumento en las peliculas de Cronenberg y creo que si aca no encontro su meca final, es porque tiempo despues filmá "Crash", que, bueno, ahi si que la cosa se pone linda. Pero Videdrome, como dije mas arriba, juega todo el tiempo con estas barreras, entre lo que seria la pornografia mas extremas y el sexo mas sútil, y, mas que jugar, las mezcla totalmente, convirtiendo todo en cosas absolutamente deformes e incontrolables.

Videdrome es una de las obras mas complejas de toda la filmografía de DC, y muchos criticos la han comparado con la obra de Philip K. Dick, por ejemplo, ya que esta vista como una pelicula que antecede ciertas cosas que, tiempo despues, aparecieron en nuestra vida diaria, cosas tales como la "realidad virtual" o el "ciberespacio". Ademas, al poner en jaque la posición que la televisión tiene en nuestra vida, hace que Videodrome se vea muchas veces como un film "constestatario", ya que basicamente pone en duda la faceta netamente de "ocio" o de "diversion" que se supone que es mirar television, transformandolo en una actividad peligrosa, como un arma mas de lavaje de cerebro, si se quiere. Una posicion de parte de Cronenberg que cada vez se va poniendo mas y mas ácida, y, claro, mas y mas imparable.

2008-01-10T13:47:00.000-08:00

algo tuvo que haber pasado en las entrañas mismas de la tierra de los sueños para que yo hoy, jueves 10 de enero del 2007, apenas los ojos se me abrieron haya puesto la música mas anti-verano que se pueda concebir. yo creo que debe ser la bronca que me brota de tener que soportar las temperaturas, o de transpirar tanto...que se yo. el tema que es agarre y prendi la computadora y enseguida empezó a sonar Liliput, y, a partir de ahi, le siguieron una seguidilla de discos post punkis compatriotas, gemas oscuras de los ochentas, repletos de ácidas melodias tales como The Pop Group, This Heat, Pere Ubu, ESG y demas outsiders de los sótanos de la època. y todavia ando por esos lares. claro que escuchar esta clase de música con estas temperaturas que suelen predominar por estos dias, lo mas parecido al infierno que un humano vivo pudo experimentar, aumenta todavia mas el grado de descomposición cerebral al cual todos y cada uno de nosotros, oyentes de música a altos volumenes, estamos destinados. y bueno:explotemos nomás.

Kleenex/Liliput / Self-titled
(Kill Rock Stars, 2001)

Originalmente llamadas Kleenex y pasadas a llamarse (por asuntos legales, esas cosas) despues Liliput (que en realidad se escribe LiLiPUT, pero no tengo demasiada ganas de escribirlo asi, sepan entender), estas cuatro chicas suizas deben de ser el único grupo de su país que haya hecho llamar a su música "post-punk". Sin embargo, al escuchar su música, es indudable que el mote les queda como anillo al dedo. Liliput es una de esas bandas ocultas de un género que, por suerte, esta lleno de pequeñas perlas escondidas a las cuales uno llega de pura casulidad revisando los archivos de algun que otro blog aleman especializado en kraut, post punk y demas mutanteadas. Sin embargo, el caso de Liliput no es tan asi. Llegue a la banda gracias a la radio de Last.Fm, que justo ese dia la habia puesto bajo el tag "post-punk" y me salió con un tema de ellas que me pegó justo en el pecho. El tema en cuestión, "Die Matrosen" resultó ser el único gran hit que tuvieron las chicas, cosa que les genero bastantes alegrías como por ejemplo que Rough Trade, que en ese tiempo se dedicaba a editar cualquier cosa que sonara oscuro, les edite su primer disco. El tema es que la banda se separa al poco tiempo, y lo único que dejan es el "LiLiPUT LP" del año 1983, disco que obviamente fue rescatado en estos últimos años donde el post-punk sufrió una especie de merecida resurección y la mayoria de las bandas de ese periodo saltaron nuevamente a la luz, esa vez como absolutas figuras de culto veneradas por los mas melómanos que se peleaban por ver quien conseguía encontrar la banda mas turbia del movimiento. Tal fue asi, que el sello Kill Rock Stars, que a principios del 2000 se dedicó en sacar buenas y completas restrospectivas de bandas post-punks con miembros femeninos (tal como lo hizo con Delta 5, por ejemplo), editó un compilado de dos discos, llamado "Kleenex/Liliput" que, tal como indica su titulo, abarca absolutamente todo sobre la banda, desde su primer periodo hasta su último momento que, para hablar mas precisamente, seria desde 1978 a 1983.
Y aca es donde me encuentro yo, que, a las diez de la mañana estoy escuchando el disco number one de esa restrospectiva y sin haber desayunado ya tengo ganas de bailar. Porque el disco de las Liluput tiene todo lo que un disco de ese momento tiene que tener: temas con grooves malditos, entre el funk mas bastardo y la música disco, con esos bajos bien al frente y esas guitarras bien finas, como mini cuchillos filosos. Es el ruido frio y caluroso al que el post-punk nos tiene acostumbrado, salvo que esta vez no viene de Inglaterra ni de New York (ah cierto que ahi se llamo No-Wave), sino de Suiza, y eso, en algunos temas se siente. Ademas, Liliput tiene como el don de transmitirme la sensación de que su disco fue concebido en medio de la selva misionera, porque todo el tiempo se escucha en los temas como reminisencias a un calor tropical de un inframundo abominable, que hace que los temas respiren una atmosfera absolutamente extraña, cosa que aumenta aún mas a medida que la etapa Kleenex (un poco mas punk, quizas) se va dejando de lado y la LiLiPUT empieza a hacerse notar. Tal como la de sus contmporáneas (desde Au Pairs hasta Delta 5, pasando por The Slits y The Raincoats), la música de Liliput es indudablemente fundamental para conocer y darse cuenta de que el post-punk quizas sea el género en el que la aparición de la mujer sea mas concreto (abocandonos en el plano del punk rock, claro), y a partir del cual la figura femenina sería moneda corriente. Por ahi me estoy llendo de tema, pero la mayoria de las bandas que me gustan del movimiento o bien estan formadas por mujeres o tienen entre sus miembros a alguna (caso The Fall, caso DNA), y me parece que eso no es algo de menor importancia. Pero bueno, eso es un lindo topico para otra entrada y ahora, escribiendo sobre Liliput no me pude contener y cai a la tentación de escuchar nuevamente ese hitazo que resultó "Die Matrosen" y su silbido maldito que me va andar por la cabeza unas cuantas semanas mas.

ESG / A South Bronx Story
(Soul Jazz Records, 2000)
El caso de ESG es bastante parecido al de Liliput, con la execepción de que ya no estamos en Suiza, sino en el pleno Bronx, NYC. Despues, mas o menos lo mismo: banda formada por tres hermanas (Maria, Renee y Valerie Scroggins) mas la colaboración de un amigo de las chicas, Leroy Glover, quien pronto se iria de la banda, pero para eso falta. Lo que estoy escuchando es, de nuevo, una compilación que salió en el año 2000, victima tambien del furor por el post-punk del momento, llamada "A South Bronx Story" y que llego justo justo en el momento mas ideal para la banda, ya que la recopilación vino con reunión y todo, ademas de servir para dejar bien en claro de donde salió el sonido de bandas como Out Hud, !!!, The Rapture e incluso hasta los mismisimos Beastie Boys le deben algo a ESG, ya que los mismo usaron samples de algunos de sus temas. Pero ahora la cosa ahora pasa por el hecho de que el mediodia ya se estaba acercando cuando puse "A South Bronx Story", buscando alguna banda o disco que siguiera alguna especie de camino conector que se enchufara perfectamente con el clima que las suizas habian dejado en mi habitación. Y no me equivoque ni un poquito: las canciones de ESG son un link perfecto para entrar en contacto con esa parte del post-punk, que mas que llamarse post-punk es muchas veces llamado "after-punk" que es como lo mismo, pero mas tirando al disco si se quiere. La verdad es que no soy un experto en el tema, y lo único que puedo decir es que si, la musica de ESG es un poco mas disco que la de sus contempóraneos, pero tambien mas oscura y climatica. Y si de algo de trata el post-punk es de demostrar que el nihilismo que profesaban los Sex Pistols hace un par de años atras (eso de "no sabemos tocar nuestros instrumentos, no nos importa nada") sirvió para que otros músicos sacaran afuera su potencial de experimentación y lucidez si se quiere, que llevo a que el movimiento se aboco mas cara a investigar en zonas un poco mas complejas (kraut rock, free jazz, dub, funk) y llegara a lograr cosas como la que muestran las ESG: la unión absoluta de la furia sucia subterranea del punk con la luces de neon de la música disco. A eso le agregaron incontables gotas de dub y funk y lograron su cometido. Tal fue el grado de vanguardia que las ESG lograron en su sonido que llamaron la atención, allá bien entrados los ochentas, del mismisimo Tony Wilson, quien les edito bajo su sello Factory un EP, que a esta altura ya debió entrar en la categoría de mitico, el cual fue producido por Martin Hannet. O sea, que puede salir mal?
Entonces, en este "A South Bronx Story" podemos oir no solo esos temas, sino todavia mas. Y aunque la complilación parezca a simple vista chica (16 temas), abarca todo lo necesario para entrar en el mundo ESG. Desde ese hit universal que es "Moody" hasta temas que van un poco mas lejos, ampliando un poco el grado de complijidad en cuanto al sonido de la banda. Lo que siempre me gustó de la música de ESG son las baterías y las percusiones. Este instrumento quizas sea el que mas sobresale en la mayoría de los temas, el cual es manipulado de tal forma que se logran sonido que no parecen venir de un instrumento analógico, sino mas bien suenan como una especie de beat denso y tortuoso, que, junto con ese bajo que le sigue en densidad, definitavmente logran dar el tono y ambiente justo a las canciones. Y aca es donde me quiero explayar, porque si de algo se trata la música de ESG es de crear climas: climas densos y oscuros, que transmiten la sensación de que los temas fueron grabados bajo un clima de excesivo calor, dentro de un pequeño cuarto lleno de humo y gotas cayendo de los techos. Son canciones de una urbanidad tremenda (algo bastante obvio sabiendo que son de NYC) y que expresan una "nocturnidad" excesiva, asfixiante, extrema.
Ideal para bailar descalzo en la habitación, con todas las persianas bajas y sintiendo como la remera se nos moja de transpiración. Oh si.

A Certain Ratio / Sextet
(Factory, 1981)
No es curioso que despues de esuchar a ESG haya puesto este disco, que vendria a ser una especie de hermano directo de aquel. A Certain Ratio es una de las bandas malditas dentro de un sello que abunda en ellas. Es asi, si algo le gustaba a Tony Wilson era editar bandas que pasaran a la posteridad por cualquier otra cosas, menos por su música. Sin embargo, con A Certain Ratio, medio que le salió el tiro por la culata, porque, si bien en su momento fueron bastante vapuleados por ser los primeros en mezclar punk con "ritmos tropicales", hoy en dia, revival del género de por medio, son vistos como absolutos vanguardistas de una escena que estaba a punto caremelo, justo justo en su mejor momento. Y digo que son hermanos directos de las ESG porque sú música, en definitiva, no variaba tanto. Ambas determinaban los climas de las canciones a partir de una uso extremo de la batería, y dejando el resto de los instrumentos a un segundo plano, consiguiendo, de esta forma, generar ambientes sórdidos en su música, que era tremendamente minimalista. Y mucho de eso se puedo oir en este "Sextet", que sería su segundo LP, siendo el primero el mitico casstete que les edito Factory.
"Sextet" es oscuro, pesado, como una gota cayendo de la ducha a la madrugada. Es innegable que los ACR sabían muy bien lo que estaban haciendo, o sea, esta bien, medio Manchester les daba la espalda cuando salian a tocar vestidos como boyscuts, con bermudita-gorrito-jardinerito, pero, como las cosas buenas, es cuestion de que el tiempo haga madurar la situación. Hoy esa escena de ellos tocando sobre un escenario, ya no da risa, sino que deja bien en claro lo avant-garde que los muchachitos estaba siendo. Si, ok, por ahi estoy mezclando las cosas y esto no tiene nada que ver con lo otro, pero bueno, al escuchar "Sextet" es dificil pensar que A Certain Ratio se tomaba las cosas como un chiste. La frías melodias que salen de este disco, mitad hipnóticas-mitad malditas, exigen que se les haga una revision inmediata. Que tanto.

This Heat / This Heat + Decieit
(Piano, 1979 / Rough Trade, 1981)
Hablar de This Heat se me hace tremendamente dificil. Se me quedan chicas cualquier tipo de palabra-adjetivo-comentario que pueda llegar a decir sobre ellos. Y encima el calor, cosa que puede resultar una contraindicación jodida con la música de This Heat, no ayuda demasiado. Lo único que puedo decir es que, si no los escucharon, bajense hoy mismo estos dos discos. Y lo demas, que lo digan las imágenes

The Pop Group / Y
Pere Ubu / Terminal Tower- An Archival Collection
Para esta altura, la masa encefálica que me salió de la cabeza mientras escuchaba estps discos, ya me esta llegando al cuello. Y terminar el dia escuchando The Pop Group y a Pere Ubu, dos bandas mas que esenciales en esto del post-punk, es como saborear la satisfacción. Que sabe amarga, claro.
Mi relación con The Pop Group es incierta. No soy de escucharlos demasiado, pero cada vez que me topo con un disco de ellos, es inevitable que no ponga, aunque sea, unoa cinco temas. Pero hoy no, hoy lo escuhe enterito a este "Y" que quizas sea uno de los discos que mas me gusten, al cual, seguramente, lo habré escuchado bastantes veces entero. The Pop Group tiene un sonido que se puede diferenciar un poco del resto, ya que es bastante salvaje. Me da la sensación, al escucharlos, que las canciones de sus discos fueron concebidas en medio de una guerra civil, donde hay explosiones y cuerpos incendiandose. Hay algo que reclama a revolución en su música, lo cual no es casual, ya que muchas de sus canciones hablan de temas politicos y cosas asi. Ponele como Gang Of Four, pero mas experimental y jodido.
Con Pere Ubu, por otro lado, la relación es bastante distinta. Lo primero que escuche de ellos fue, obviamente, el clásico "The Modern Dance" que debe ser uno de las mejores cosas que escuché en mi vida. Y este es un disco tan pero tan grande, que siempre pense que, posiblemente, la banda de David Thomas dificilmente se haya superado a su misma. Y en cierta parte, esto fue asi, porque una vez que me agarro la curiosidad de ver que habia mas alla del "Modern Dance" llegue a discos como "Dub Housing" por ejemplo, su primer disco, que es un muy buen álbum, muchisimo mas jodido, pero que no le llega ni a los talones a aquel. Sin embargo, logre llegar a una especie de estabilidad cuando consegui este "Terminal Tower" que es un recopilatorio bastante agradable y que logra, de una manera sensata y prolija, actuar como el puente perfecto entre ambos discos. Por eso es que me gusta tanto esta compilación. Asi y todo, creo que Pere Ubu deber ser una de esas bandas a las cuales todavia me falta descubrir del todo (creo que a muchos les hace falta darse una vuelta por estos discos y darse cuenta de donde vienen tantas, pero tantas bandas), por ejemplo, sus discos de los 90`s, a los que les tengo un cagazo bárbaro, pero tarde o temprano me les voy a animar.

2007-12-30T13:16:00.000-08:00

La verdad que este 2007, al menos en cuanto a cine, estuvo un poco flojito. Ojo, tambien debo admitir que no fui mucho a las salas -cosas de la vida, vio-, pero hize lo que pude y me puse al dia, gracias al videoclub, gracias al download, gracias al poco estudio y la vida sedentaria. Asi las cosas, aca estan las peliculas que me salvaron del sol este año. Espero un 2008 de mucha mas sombra y aire acondicionado. Oh yeah.

Las que vimos en el cine

1. Inland Empire / David Lynch
Es realmente dificil hablar de las otras peliculas de la lista sabiendo que este año fuimos testigos de lo que quizas sea el úlitmo gran latido de vida que dió la cinematografía desde que se creo. Asi de grande es la última obra maestra de ese artesano de lo desconocido, de ese monstruo enorme, misterioso que se hace llamar David Lynch. En el momento de su estreno, y despues de verla, me dió miedo escribir sobre ella. Me parecia que es una de esas cosas que no se pueden describir con palabras. Es mas: despues de su estreno, fui con una amiga al cine donde la habiamos visto, semanas antes, y una mina se nos acerca y nos pregunta, "saben qué onda esta?", señalando el cartel de Inland Empire, donde los ojos extrañados de una Laura Dern en el punto caramelo de la desesperación exacta, nos mira, como pidiendonos ayuda. Ninguno de los dos supimos cómo responderle a la mina. Yo, como bajito, atine a decirle "tenes que verla, no te podemos decir". Asi, me parece, se crean las experiencias. Y justamente de eso se trataba la invenciòn de los hermanos Lumiere cuando filmaron al tren ese que se venia encima. Inland Empire es justamente eso mismo, salvo que es un viaje en tren de tres horas y nosotros somos los pasajeros.

2. Shortbus / John Cameron Mitchell

La segunda pelicula de JC Mitchell llegó justo cuando las cosas se estaban poniendo bastante secas, aburridas y planas en las carteleras. Todos los años pasa lo mismo: cuando las cosas se ponen enfermizamente tranquilas y las novedades escasean, aparecen estos oasis. "Shortbus" fue un poquito mas que eso. Significo animarse a ver en los cines un film que ponia todo sobre la mesa y demostraba que la mayoria de las veces eso siempre sale bien. Se sabe: el cine de Cameron Mitchell siempre parece estar en el limite, pero nunca fue tan lejos como en Shortbus. Pijas, conchas, tetas, himnos naciones cantados adentro de culos, sexo, mucho pero mucho sexo expicitisimo...Y todo eso para decir que Shortbus es simplemente la mas sincera obra de un director que, que mas alla de la controversia que levanta, queria mostrar como estaban sus amigos, su gente, su Nueva York querida despues de verla sucumbir ante la tragedia. Entonces, ahi estan los personajes de Mitchell: seres profundamente abatidos, sensibles, deprimidos que saben que, posiblemente, al mundo no le queda mucho tiempo, por lo que no hay mejor cosa que celebrar y tratar (aunque sea, como sea) de ser felices. Mitchell sabe muy bien eso y por eso pone a su cámara sin hacer ningún jucio sobre lo que filma. Finalmente, Shortbus es una pelicula que festeja el amor y eso siempre sale bien

3 .El Laberinto del Fauno / Guillermo del Toro
Que facil que le salen las peliculas a Del Toro. Me lo imagino pensando El Laberinto del Fauno como un pibe que habla solo y juega, en su propia cabeza, a que vive en un mundo de hadas y dragones y misticismo, en donde el es el encargado de salvar al mundo de una abomiable bestia de inframundo. Despues escribe un guión y lo filma. Y de eso mas o menos se trata El Laberinto del Fauno, de crearse mundos apartes para escapar de una realidad que resulta demasiado abrumadora, y donde la esperanza parece haberse caído en un pozo ciego. Una historia que, en manos de cualquiero otro director, hubise sido una pelicula llena de sensibileria gratuita y demás cliches. Del Toro, como buen Peter Pan que debe ser, sabe que sus peliculas apuntan para otro lado y por eso mismo las cuenta y las filma como lo hace: como un chico de seis años que se encontro una cámara mágica en un baúl de su casa.

4. Little Miss Sunshine / Valerie Faries & Johnatan Dayton
El primer gran film indie de la temporada se estreno por alla, en un temprano enero para salvarnos, aunque sea por una hora y media, de los asfaltos transpirados. Sin embargo, a esta altura, ya nos parece una pelicula lejana y vieja. Asi y todo, no podemos negarle que supo divertirnos y que tiene algunas cosas que parecian habersele perdido a buena parte de la comunidad indie norteamericana hace mucho, mucho tiempo: el poder de saber contar una buena historia. Entonces, ahi los tenemos a los protagonistas de Little Miss Sunshine: una familia disfuncional que se mete en una combi y salen a la ruta. Nada mas le hizo falta a este dúo de directores para sacarnos las primeras sonrisas del año. Ojalá todos los indies por venir tomen nota.

5. Borat: Cultural Learnings of America for make benefit Glorious Nation Of Kazakhstan / Larry Charles
Jugando al limite entre la ficción y el documental, Borat fue la pelicula mas politicamente incorrecta de la temporada. Ok, ya sabemos que cuando se hace tanto espamento y que cuando se levanta tanto polvo por una cosa, generalemte no siempre esta a la altura de la circusntancia, pero en el caso de Borat todo lo que se escrbió, todo lo que se dijo estuvo, al menos por una vez, mas que a la altura. Sacha Baron Cohen quiza llego al tope,a la explotación completa de su personaje, pero lo hizo de la mejor manera: como un kamikaze al cual no le importa nada y por eso va ahi, a la punta del volcan, a la boca del león, metiendo la cabeza hasta el fondo. Lo que logra esta entre lo mas ácido que alcanzó la comedia en mucho tiempo, y lo mas curioso es que el único que actua es él, y el resto (los comentarios, las reacciones que logra) son reales. La mágia Borat (la mágia del experiento, si se quiere) esta en el hecho de que se rie de nosotros y muy pocos nos damos cuenta.

6. The Death Of Mr. Lazarescu / Cristi Puiu
La muerte del Señor Lazarescu fue una de esas peliculas obligadas de la temporada. Buena parte de los espectadores ya la habian descucbierto en el BAFICI del 2006, pero su sopresivo estreno a principios de año en las carteleras locales hicieron inevitable la revisión. Filmada en una especie de tiempo real, la pelicula de Puiu muestra las últimas horas de el señor Lazarescu, un pobre viejo al que no le quedaba mucho mas que hacer, salvo tomar y sentir la compañia de sus gatos. Una especie de hermano de lejano de Charles Bukowski al que, lamentablemente como dice, le llegó la hora. Y desde el mismo momento en el que a Lazarescu le empieza a doler la cabeza, la cámara de Puiu se instala y nos lleva en un trip demasiado real para los ojos sensibles. Cámara en mano, el film se mete hasta donde ya se hace imposible y ahi, cuando las puertas se cierran, nos queda bien en claro que, ademas de ser un gran film, es uno de los mas notorios reclamos a las instituciones de salud de Rumania. Y que no es muy lejana a la nuestra, no?. Y de paso sirve para demostrar que, si, mal que les pese, hay vida para rato en el cine rumano.

7. Luces al Atardecer / Aki Kaurismaki
El cine de Aki Kaurismaki no responde a ningun tipo de regla, salvo a las suyas. Es es algo que siempre tuvimos bien en claro a la hora de introducirnos en su cine: reglas que hacen funcionar a un mundo propio, en el que viven seres austeros, de miradas frias, como zombificados por un sistema que les chupo todo rastro de esperanza. Todo esto suena bastante mal, pero Kaurismaki lo filma con tanta despreocupación que, al ser masticado por su lente, todo parece mucho mas esperanzador y hasta gracioso. Casi todo su cine se viste de la misma forma y responde a las mismas señales, y, claramente, algunas funcionan y otras no tanto. Por suerte, "Luces al Atardecer" es un Kaurismaki en su mejor forma y entrega un film chiquito pero inmenso en su simpleza. La puesta en escena sequisima, y sus personajes estan, como siempre, a la orden del dia. Que bueno saber que todavia hay gente que se preocupa en filmar esas pequeñas cosas, que, en definitiva, son las que nos hacen lo que somos.

8. Knocked Up / Judd Appatow
Me gustan las peliculas de Appatow. "The 40 year old Virgin" me pareció, por lo menos, digna. Era un comedia simpática y, sin embargo, por mas de caer en un tópico en el que la guasada y el chiste fácil parecian inevitables, el tipo se las arreglo bastante bien para lograr una pelicula bastante aceptable. Lo que mas me habia interesado era ese don que tenia para sensibilizar su film, volverlo extrañamente tierno justo ahi donde deberia caer rendida a los gags fáciles. Con "Knocked Up" no me queda ni una duda de que lo suyo es, por suerte, algo para tomar en serio. Digo por suerte, porque me parece que desde que los Farrely Brothers pasaron su mejor momento, la vieja y querida comedia norteamericana habia entrado en una especie de nebulosa, donde lo unico que se veia eran interminables sagas de films pobrisimos (cuàntas American Pie hay ya dando vueltas?), y lo único que nos quedaba era ver si Linklater se volcaba completamente a la comedia y salvaba el asunto o la gente empezaba a tomar en cuenta el cine de Terry Zwigoff. Desafortunademente, no paso ninguna de esas dos cosas, y a eso iba el "por suerte " de renglones mas arriba: apareció Appatow con sus comedias de historias simples y de personajes queribles y para nada ajenas, cosas que el resto de las peliculas del género parecieron olvidar. Knocked Up demustra que si, que todavia hay esperanzas. Y que no hay nada mejor que una buena comedia.

9. Me And You And Everyone We Know / Miranda July
Me and You And Everyone We Know es la opera prima de Miranda July, y, por esas casualidades de la cartelera porteña, se estreno a mas de un año y medio de su salida. Para esta altura, la mayoria de lo que mas o menos sabiamos quién es Miranda July, ya habiamos visto el film un par de veces (mas la proyección que se dió en el BAFICI 06) y sabiamos con que nos encontrabamos. Este es un film que, si bien cae en la mayoria de los cliches que se conozcan del indie norteamricano (mirando el afiche mismo uno se da cuenta con que clase de film se encuentra), Miranda July supo robarnos el corazón y un par de sonrisas. Porque si bien es una pelicula que no difiere demasiado del resto de sus hermanas (que bien podria decirse que son los films de Wes Anderson, por ejemplo), el ojo de July para filmar a estos personajes extraños y esos grandes diálogos que se desprenden del guión, le dan al film unos toques indudablementes notorios dentro de un panorama que no exige muchas sorpresas. Y cuando ambos componentes finalmente se complementan, la pelicula se eleva. Y mucho.

10. The Science Of Sleep / Michel Gondry
Y finalmente llegó el momento en el que Michel Gondry filmó la pelicula que quizo. No mas adaptaciones de guiones de otros (Charlie Kauffman fue el guionista tanto de su opera prima, "Human Nature" como de la gran "Eternal Sunshine of The Spotless Mind"), sino que ahora tomo las riendas de toda la operación. Y salió lo que mas se acerca a lo que hizo de Gondry un mito del arte audiovisual. En The Science of Sleep vemos desde rios hechos de celofan hasta cabalgatas con caballos de peluche por el cielo; todo realizado como si fuera una especie de collage visual del que dificilmente se puede escapar. Ademas, pone en imagen a ese personaje, que mucho debe tener que ver con su propias experiencias, interpretado por un Gael Garcia Bernal increible. Entonces, como decia al comienzo, Gondry finalmente consguió poner en orden todo su caos visual y llego a un pelicula que pone a su nombre entre las promesas. Y ya va siendo hora de que deje de serlo.

11. La Antena / Esteban Sapir
UPA! Una Pelicula Argentina / Maniefiesto Grupo Acción
Cuando lo de "Nuevo Cine Argentino" parecia comenzar a mostrar pocos signos de juventud y su envejecimiento ya se hacia palpable en peliculas que no mostraban ningun tipo de novedad sino que se empapaban en estilos y discurosos que se repetian hasta el hartazgo, aparecieron estas dos peliculas que demuestra, que, si, el que "Nuevo Cine Argentino" ya murió, pero que esta naciendo otro. Esteban Sapir, uno de los primeros que. alla a principios de los noventa irrumpió con esa obra de culto que es su primera pelicula, "Picado Fino", sorprendió entregando "La Antena", una pelicula que, nuevamente, intenta llevar al cine local por tierras no muy caminadas por los autores locales. Asi, Sapir filma una historia futurista y pone en imágen algunas de las técnicas visuales mas novedosas e ineditas que se hayan usado alguna vez en el cine argentino. Semejante cosa no solo le salió bien, sino que demostró que lejos de dormirse en los laurales, el cine de Sapir parece estar un paso mas allá de absolutamente todo.
Caso parecido es el del Maniefiesto Grupo Acción, que no son mas que una "brigada" de jóvenes cineastas, artistas, actores, que este año mostraron "UPA! Una Pelicula Argentina", el film que (por fin!) le saca el aburrimiento y la pesadez que estaba empezando a reinar, una vez mas, en el cine independiente local. Lo de UPA! es bastante simple, pero demasiado efectivo: usando como disparador la historia de un grupo de personas que se abordan en la dificil tarea de realizar una ópera prima, UPA! le pasa factura a todos y a cada uno de los cliches que rondan en el circuito indie. Desde las subvenciones que llegan del exterior, hasta la pasada por festivales, UPA! no deja mito sin derrumbar, y lo bueno de todo esto es que lo hace desde el lado de la comedia. Sin embargo, deja bien en claro que tambien hay algo de denuncia. Porque lo idea de UPA! es cambiar el panorama local, sacarle un poco esa "solemnidad" que tiene. Y deberia funcionar perfectamente.

12. Maria Antonieta / Sofia Coppola
En su tercera pelicula Sofia Coppola se decidio a mostrar su version sobre la vida de Maria Antonieta. Y quiero dejar claro eso de "su version", porque lejos esta èsta de ser una especie de biopic sobre la vida de la reina, sino que mas bien lo que hizo Sofia es basarse en la figura de la misma para contar una historia que le interesaba mas: la de mostrar de cómo un adolescente es obligada a contraer matrimonio, de como se adapta a estas situaciones que se le imponen y de la lucha interna que se lleva a cabo en las entrañas mismas de Maria Antoinieta: esa de tener que ser grande con solo 17 años. Vista de ese modo, son pocas las cosas que se le pueden reprochar a Coppola: filma a esos jóvenes como solo a ella le puede salir (esos planos de ella tirada en el pasto, borracha, deben de ser de lo mejor que vi en el año), entre fuegos artificiales y fiestas. Sin embargo, cuando se la ve desde el lado de la historia, son demasiadas las cosas que le faltan. Y justamente este punto fue el que mas se le reprocho a la directora: la falta de tacto para contar una historia que exige si o si un revisionismo histórico que la pelicula deja a medias. Pero esa no era la idea de Sofia. Que se yo...estoy seguro de que el tiempo le va a dar la razón

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13. Funny Ha Ha / Andrew Bujalski
Las peliculas de Andrew Bujalski son la única verdadera esperanza que tiene el indie norteamericano de volver a estar otra vez en boca de todos. Son frescas, ingeniosas, con diálogos inteligentes, ràpidos y cuentan historias con la que uno facilmente se identifica, porque, como bien debe haber aprendido de los grandes (Linklater, Smith, Van Sant, Hartley), la idea esta en mostrar un cine con el cual uno se sienta cómodo, con el cual se puede simpatizar ràpidamente, porque no cuentan nada de lo otro mundo, sino que se meten de lleno en cosas que nos sabemos de memoria (las relaciones, la adultez, el sexo), pero que, si estan contadas con tanta gana y sensibilidad, siempre nos ganan. Bujalski tiene todo lo que se necesita para ser la gran promesa del indie, "Funny Ha Ha" (inesperadamente estrenada en algunas salas de la capital) lo demuestra perfectamente. Y si se consiguen "Mutual Appreciation", ya no hay vuelta atras.

Lo que no se estrenó (pero vimos igual)

1. Old Joy /Kelly Richardt
Old Joy es el perfecto ejemplo de todo lo que se puede hacer en una pelicula a partir de un disparador tan chico, como lo es contar la historia de dos amigos que hace mucho que no se ven y deciden celebrar el encuentro llendose por un fin de semana a lo mas profundo de un bosque. No hay mas argumento que eso. Sin embargo, la pelicula se vuelve enorme cuando el director pone a sus protagonistas completamente desnudos, en situaciones de una extraña incomodidad e incertidumbre. Se nota que esos años en lo cuales no se vieron pasaron muchas cosas, y los largos silencios y el grito mudo de la fauna del bosque se encargan de acentuar la magia de una pelicula que dice mucho mas de lo muestra. Ah, la música de Yo La Tengo y el primer protagonico de Will Oldham en pantalla grande, obviamente, aumentan el grado de misticisismo.

2. Last Days / Gus Van Sant
Hace mucho ya que sabíamos de la existencia de esta pelicula y, tambien, hace mucho que la mayoria de nosotros la había visto. Sin embargo, sorpresivamente la parte final de la famosa trilogía de la muerte que Gus Van Sant viene realizando desde el 2000 mas o menos, se editó hace un par de meses en DVD. Asi que ahi estuvimos de nuevo, listos para expermientarla una vez mas. Como todas los films que componen la trilogía de Van Sant, Last Days quizas sea ocupe el segundo lugar de extremismo (el primer puesto, claramente, se lo llevó hace ya mucho Gerry): largos planos secuencia, silencios inmensos, un gran trabajo en el sonido y una verdadera exaltación de lo minimo. Pero lo que mas se destaca de este film es la observación que Van Sant hace de los últimos dias de Kurt Cobain, al cual muestra como un ser perdido, fantasmal, que balbucea cosas todo el tiempo y que parece hace mucho haber partido hacia otro lado. Y ahi, en el momento de mas tensión, Van Sant prefiere alejarse de lo mediatico, de lo fácil que hubiese sido mostrar a Cobain pegandose un tiro, y ahi, en esa sabia desición es en donde reside la mágia de una pelicula a la cual cuesta despegarsele.

3. Control / Anton Corbjin
Grandes edificios, caras frias, humo que sale de chimeneas, chicos jugando a la pelota y un jóven Ian Curtis que llega a su habitación y pone un disco de Bowie. Asi comienza Control, la pelicula de Anton Corbjin que, definitivamente, encierra completamente el mito de Ian Curtis y Joy Division en dos horas. Filmada completamente en blanco y negro, Control tiene todo lo que uno espera ver: desde un jóven Curtis conociendo a su futura esposa Debbie, la formación de su mitica banda, la grabación de sus discos, y, finalmente, el desmoramiento absoluto de Curtis. Mas que una biopic del montón, el film de Corbjin pone luz en lugares que antes estaban oscuros y decide centrarse en darle forma a una espeice de "humanización" de la figura de Curtis, mostrandolo en lugares y formas que parecían ajenas a lo que su figura mediatica nos hacía asumir. Y Control es justamente eso: la historia de una persona que se encontraba atrapado por su propios miedos y que no encontró otra solución mas que decirle adios a todos sus fantasmas.

4. This Is England / Shane Meadows
This Is England es la prueba mas clara de que el cine de el inglés Shane Meadows es de lo mejorcito que viene de la isla desde hace mucho tiempo. Contando la historia de un chico de los barrios bajos que se une a uno de los primeros grupos de skinheads que surgían, la pelicula de Meadows va mucho mas allá y no le alcanzá con querer mostrar simplemente eso, sino que pega mucho mas. This Is England cuenta la hisotoria de una generacíon creciendo en medio de una guerra y conviviendo día a día con la presión de no saber si las cosas que suceden a su alrededor están bien o no. Y encima, que tienen que luchar entre un fascismo naciente y la violencia (fisica y psiquica) que eso trae como consecuencia. Si si, el cine de Shane Meadows tiene que empezar a dar que hablar.

Y hubo un par de cosas que mas que fueron mas que bienvenidas y a las cuales le dimos alguna que otra visión y re visión, como lo fue el estreno de Takeshis`, la última obra maestra de Takeshi Kitano, a quien encontramos cada vez mas en el campo de la comedia mutante y el humor negro, en una pelicula que seguramente va a ser un antes y un despues en su filmografía; tampoco nos olvidamos de la edición en dvd de una de las grandes comedias de estos últimos años, la áspera Art School Confidential, que junta otra vez a esa gran dupla que es Terry Zwigoff en la cámara y Daniel Clowes en el guión; tambien celebramos las milagrosas ediciones en dvd de buena parte de la filmografía del gran Jim Jarmsuch (al cual le dedicamos una extensa revision alla por octubre) y del precursor del indie local, Raúl Perrone, cuya sagrada Trilogía de Ituzaingo finalmente vió la luz en una edición mas que merecida y necesitada.

2007-12-18T14:28:00.000-08:00

el 2007 entra en sus últimas semanas y a nosotros no nos queda otra cosa mas que hacer que empezar con los típicos y clásicos resumenes/listas de las mejores cosas del año. si, en sensei somos bastante afines a estas cosas y, ya que estamos entrando a las fiestas y destapando las sidras, lo confesamos: nos encanta hacer estas cosas. la idea es entregar las listas completas con el correr de los dias, y, para que todo sea mas prolijo y ordenado, separamos las cosas y asi estamos todos contentos. esto es lo que mas nos gustó en cuanto a discos y a musica se refiere y, sepanlo, estan mas que invitados a mandar su lista o a dejar en los comments sus favoritos. cosa que tambien nos encantan que hagan.

Panda Bear / Person Pitch
(Paw Tracks, 2007)
Noah Lennox hizo el disco del año. Creo que lo supe desde la primera vez que lo escuche a este "Person Pitch" y su catarata de lisergia y psicodelia amistosa. Constituido en su totalidad en Lisboa, lugar donde residia Lennox para el tiempo en el cual realizaba el album, "Person Pitch" respira un aire extraño, delirante, divertido e inteligente y se enferma de todo eso, gestando estas siete canciones inmensas, llenas de texturas y sonidos que invitan al viaje y que, por suerte, contagian todos los sintómas. Que no pare el viurs.

Battles / Mirrored
(Warp Records, 2007)
No quedan dudas de que el disco de Battles fue una de las cosas mas interesantes que se hayan escuchado (y que seguramente se escucharan) en años, y eso se debe no solo a que las ideas y la inteligencia que se percibe en la musica de Battles son inmensas, sino que tambien entran en juego otras cosas que ponen a "Mirrored" como uno de los discos mas destacados del año, como por ejemplo, que es uno de los pocos albumes que se juega a desafiar al oyente y ponerlo en una situación en la cual no sabe muy bien como actuar. Es un disco que desafia. Y eso es siempre bienvenido. A la mierda con el no future.

LCD Soundsystem / Sound Of Silver
(DFA, 2007)
Me imagino a James Murphy en su casa, rodeado de sus discos, meses antes de entrar a grabar "Sound Of Silver": sentado, escuchando musica, revisando sus discos turbios de post-punk, moviendose un poco, limpiando...hasta que se le cae en la cabeza un vinilo de Roxy Music. Ahi, James, que en la mano tenia un pirata de The Fall, mira soprendido el hallazgo que le cayó, literalmente, del cielo. "Uia" dice, "me habia olvidado que tenia este disco, a ver que onda" y lo pone. Meses depsues cae al estudio y graba "All My Friends". Y, mas meses depsues todavia, nosotros escuchamos el disco y decimos "gracias por la magia, James"

Animal Collective / Strawberry Jam
(Paw Tracks, 2007)
No es casualidad que dos de los discos mas increibles de este año tengan un mismo protagonista: Noah Lennox, tambien conocido como Panda Bear se lleva, sin lugar a dudas, la corona al artista mas prolífico del año. Sin embargo, "Strawberry Jam" no es solo autoria del primero sino que su co-equiper de Animal Collective, Avey Tare, al menos en este caso, parece llevarse buena parte del premio. Si me pongo extremadamente exagerado, les diría que solo basta con escuchar "For Reverend Green" y "Fireworks" para entender de qué la va este "Strawberry Jam": todo lo que el disco tiene, todo en lo que se basa, están en éstas dos canciones que son lo mas volado y narcótico que Animal Collective alguna vez pudo dar. Entre baterias demenciales, capas y coros de voces dignos de los mejores Beach Boys, uno puede ver que la musica de Animal Collective, por mas marciana que sea, es siempre una fiesta a la que todos estamos invitados.

Arcade Fire / Neon Bible
(Merge, 2007)
Arcade Fire tenia que superar una prueba de fuego con la salida de su segundo larga duración: demostrar que podía haber vida en la banda mas alla de "Funeral", su increible primer álbum. Los canadienses no solo salieron ilesos del desafio, sino que, ademas, dieron señales de sobras para demostrarnos que lo suyo va para rato. Con un sonido muchisimo mas oscuro, pesado e intenso que su disco anterior, "Neon Bible" se presenta como la prueba que faltaba para darnos cuenta de lo que Arcade Fire es capaz.

Les Savy Fav / Let`s Stay Friends
(French Kiss, 2007)
La sopresa del año. Cuando todos pensabamos que Les Savy Fav ya no existia mas, salen con este disco. Esas canciones, que no parecian funcionar del todo en los anteriores albumes, en "Let's Stay Friends", el grupo pule hasta mas no poder ese sonido bastardo entre el nervio de los Pixies, la melodia de Weezer, y tanto Washington DC sound en el medio (Q and not U, Fugazi, por nombrar algunos), que las canciones parecen rebalsar ahora de emociones. Entre el pulso bailable y la furia hardcore, Les Savy Fav se hace notar, y parece haber ganado un lugar (al fin) en los grandes podios del indie norteamericano.

Antelope / Reflector
(Dischord Records, 2007)
Con la herencia y la calidad de las mejores cosas que hayan salido de Dischord, Antelope entrega un disco que pide a gritos atención. Con el pulso de Wire como disparador, "Reflector" entrega diez canciones tranquilas, simples que nunca alcanzan los tres minutos, que repiten sus ritmos constantemente, que dialogan entre las melodias, dando luz a algo asi como un "punk meditativo", que, una vez atrapados por su encanto, dificil es escaparles. De lo mejorcito que haya salido del barrio de MacKaye en varios años. A estar atentos.

Low / Drums and Guns
(Sub Pop, 2007)
Cuando habiamos pensado que el sol habia, finalmente, salido para Low en "The Great Destroyer", su disco anterior, "Drums and Guns" se ocupa de demostrarnos de que no solo estuvimos mal en confirmar eso, sino que, en contra de todo pronostico, la musica de Low estaria atravesando una gran nube negra. Y eso nos gusta. Porque les da el pie justo para animarse a coquetar con la electronica y conseguir gemas como "Breaker" o la devastadora "Pretty People", en la que solo basta la voz quebrada de Alan Sparkhawk para dar rienda suelta al himno mala onda del año. Se nos eriza la piel. Pero eso quiere decir que Low esta mejor que nunca.

Massacre / El Mamut (
Pop Art, 2007)
Y finalmente ocurrió: Massacre dejó de ser una banda de culto para pasar a las grandes ligas. Eso puede llegar a molestar al seguidor de cualquier banda que se precie de culto, pero, por lo menos en este caso, las cosas parecen pintar un poco mas positivas. Primero que nada, "El Mamut" tiene la intención de ser un disco que facilite el acceso a la música de Massacre, por eso es que está llenos de potenciales hits ("Compulsion", "La Octava Maravilla". "Invasoras Amazonas"), pero, por el otro lado, todavia se pueden ver algunos temas que demuestran que Massacre todavia se mantiene fiel a su sonido "aereo" caracteristico de la banda, sumado a esas letras dementes y bizarras, plagadas de homenajes a la ciencia ficción y al psicoanlisis, como lo son "La Reina de Marte", "Estamos en Problemas" y "Divorcio". Lo que se diria un equilibrio perfecto.

!!! / Myth Takes
(Warp Records, 2007)
Oriundos de la escena hardcore de california, los !!! lograron inyectarle una buena dosis de diversion a la escena dance de Nueva York. Adeptos a los discos mas turbios del post-punk y conocedores de todo lo relacionado al P-Funk y a la musica dance, !!! ya se hicieron un nombre entre los dioses de la escena dance punk que apareció en los últimos años. Justo donde termino "Louden Up Now", su disco del 2005, "Myth Takes" arranca ahi, bien arriba, con el tema homonimo, una canción que es solo una mera introducción a un disco que no da respiro, con "All My Heroes Are Weirdos" y "Heart Of Hearts" a la cabeza, temas que dejan bien en claro el poder de la banda, unas rara rafagas de aire caliente y de transpiracion, resaca y algunas pastillas. Como la banda de pibes que vienen a agitar la fiesta justo cuando esta se estaba acabando.

Magik Markers / Boss
(Ecstatic Peace, 2007)
Como si la no-wave nunca se hubiese terminado, el duo de guitarra-bateria Magic Markers, hacen un barullo tal que les movio el flequillo a Thursthon Moore y a Lee Ranaldo. El primero, les edito el disco. El segundo, produjo y metió guitarras en este "Boss" que con solo 9 canciones pone bien en claro que todavia hay gente en Nueva York a la cual le atraen la mugre, la furia y los ruidos mas apabullantes que tal ciudad sabe entregar a todo aquel que se precie a escucharla. Temas largos, intensos, jodidos. Amen.

The Shins / Wincing the night Away
Sub Pop, 2007)
Sonidos burbuejantes, salidos como de un dibujo animado en ácido, es, en pocas palabras, de lo que va la música de The Shins en este, su tercer larga duración. Pareceria ser que ya van consolidando su sonido que remite directamente a la California soleada, a la melancolia de una caminata por la playa y a la efervesencia de una noche que dura mas de lo que debería. Como si Brian Wilson no hubiese tomado drogas cuando estaba al mando de The Beach Boys, "Wincing The Night Away" fue el disco ideal para pasar el verano que ya se fue. Lo bueno es que ya viene otro en camino.

José González / In Our Nature
(???. 2007)
José González sacó un segundo disco redondisimo, chiquito, de una extraña belleza. Canciones como raices de árboles (algo asi como las que hay en la tapa), con las que te chocas sin darte cuenta, hasta que estas en el piso. Hechas con la sencillez que el género pide, pero pocas veces encuentra, "In Our Nature" muestra aquella capacidad que los verdaderos cantautores saben tener: la de hacer canciones que lleguen y que hagan temblar de emoción. A González quizá se le puedan discutir algunas cosas, pero cuando canta una canción como "Time to Send Away", nos deja con la palabra en la boca.

Thurston Moore / Trees Outside The Academy
(Ecstatic Peace, 2007)
Lo que todo fan de Sonic Youth veia venia y temia, finalmente ocurrió: Thurston Moore dejó de lado un poco el noise y se puso a ver que le salia si bajaba un poco los decibles de su guitarra. Un poco ya lo habia experimentado en los últimos trabajos de su banda, pero "Trees Outside the Academy" va muchisimo mas alla. Arreglos de cuerda, guitarras acusticas, canciones calmas, extrañas, mágicas. Pero a no confiarse: Moore, como absoluto adepto a el ruido mas salvaje, no puede dejar de lado sus obsesiones y tambien tiene tiempo para largar canciones jodidas y extremas, que, mezcladas con ese minimalismo sucio que se siente por la mayor parte del disco, remiten a lo mejor de la no-wave neoyorquina. Y de paso, el disco demustra de que ya va siendo tiempo de que consideremos a Moore como uno de los músicos clave de estos últimos tiempos.

PJ Harvey / White Chalk
(???, 2007)
Se sabe: PJ Harvey siempre se las arreglo para que, a la hora de sacar un disco nuevo, éste sea lo mas opuesto posible al anterior. Como buena camaleona que es, ahora en "White Chalk" saca un disfraz con el cual no estabamos para nada acostumbrados, y que, ademas de sorprendernos, nos hizo pensar "por qué no hizo antes un disco asi??!!". "White Chalk" es un disco de quiebre en la carrera de PJ. Tocado en su totalidad con un piano, ejecutado de modo amateur por ella misma, y acompañada en algunas ocasiones por el baterista de The Dirty Three, la inglesa entrega canciones crudas, pesadas y sumamente tristes. Un tinte dark, que si antes asomaba en su musica con fiereza, ahora lo hace desde el lado de la melancolia y la depresión. Como cantadas por un fantasma del siglo XIX, las canciones de "White Chalk" son dificiles de asimilar, pero cuando PJ le canta a los muertos con una voz espectral, ya no hay vuelta atras. Un disco autenticamente maldito.

Mujercitas Terror / Mujercitas Terror
(Independiente, 2007)
Si los personajes retraidos y extraños de las peliculas de Tim Burton hiceran una banda punk, seguramente se pareceria a lo que hace Mujercitas Terror. En su esperado primer larga duración, los Mujercitas entregan diez canciones que no tienen nada que envidarle a los himnos descontracturados, malditos y oscuros de bandas como The Cramps, X y Beat Happening. Letras que hablan de irse de casa, de escaparse, de personajes marginados, extraños, gente de la noche, de sótanos y de oscuridad, a las canciones de este disco no les falta nada para convertirse en todo aquello que todo adolescente necesita. El secreto mejor guardado del under, que, por suerte, de a poco va dejando de serlo.

Deerhoof / Friend Opportunitty
(Kill Rock Stars, 2007)
De la música de Deerhoof se pueden decir muchas cosas, pero todos esos adejetivos se quedan cortos. Ruidosa, extraña, tranquila, y de nuevo ruidosa, la canciones de la banda ya estaban haciendo un lugar entre las mas demenciales de toda la historia. "Friend Opportunity" intenta hacer una cosa que muchos ven como un acto casi kamikaze: llevar ese caos músical a campos un poco mas accesibles. No solo salen sin ningun rasguño de la aventura, sino que, ademas, lograron un disco que vuela alto y que exige ser atendido. Temas como "+81" dan prueba de que lo Deerhoof es, simplemente, mágico.

Devendra Banhart / Smokey Rolls Down Thunder Canyon
(XL Recordings, 2007)
"Smokey Rolls Down Thunder Canyon" es el cuarto disco de Devendra Banhart y es el que mejor parece dejar en claro de lo que va su música. Entre los delirios cósmicos a la Marc Bolan, entre la psicodelia mas salvaje y la sabiduria de los mejores trovadores, Devendra pone todo sobre la mesa y arma su disco mas eclectico y divertido hasta la fecha. Se choca con el folk, la bossanova, el glam, el rag time y logra momentos únicos como lo son "Samba Veloxigraphica", "I Remember" y "Lover" y ese final rompehuesos que es "My Dearest Friend". Un viaje de 17 canciones por todo el imaginario de un músico al cual le viene bien todo, siempre y cuando se pueda divertir y hacer divertir.

of Montreal / Hissing Fauna, are you the Destroyer?
(Polyvinyl, 2007)
Kevin Barnes y los suyos parecen no cansarse de hacer buenas canciones. En "Hissing Fauna, Are You The Destroyer", Of Montreal se pone como meta lograr composiciones que, como lo vienen demostrando desde "Satanic Panic In The Attic", abunden en buenas ideas y logren divertir. En este disco, no solo alcanzan su cometido, sino que parece que no les alcanza y siguen y siguen... Los hits se continuan uno atras del otro, como si no hubiera fin. Una fiesta interminable de canciones que dejan perplejo hasta al mas pesismista de todos. Le gusto hasta a mi mamá.

The Apples In Stereo / New Magnetic Wonder
(???, 2007)
Los Apples In Stereo siempre fueron buenos en hacer canciones pegajosas y discos, bueno, relativamente lindos. Sin emabrgo, no paso mucho desde que allá por los noventas editaron su obra maestra, un disco inigualable llamado "Fun Trick Noisemaker", piedra fundamental del low-fi indie. Sin embargo, cuando parecian que simplemente habian sido una llamarada de la decada pasada, este año arremetieron con un disco doble llamado "New Magnetic Wonder" y dejaron a mas de uno con la boca abierta. Las canciones que despliega el disco saca lo mejor de una banda a a cual le gustan las canciones simples, pegajosas y hiteras al mango. Mas de viente canciones y ni una que baje los decibeles. Ideas, guitarras filosas, voces como jugetonas...el viejo y querido indie rock en su formato mas clásico. Que mas se puede pedir?

Pez / Los Orfebres
(Azione Artiganale, 2007)
"Los Orfebres" el último disco de Pez es de un poder indudablemente fuerte. Inspiradisimo, enorme, con canciones que no dan respiro, la banda de Ariel Minimal entrega su disco mas power desde el glorioso "FragilIvencible". Dejando de lado, al menos por ahora, su faceta mas folk, la banda pone el pie en el acelerador y va tirando canciones que respiran velocidad y aventura. Canciones redondas, simples pero rabiosas, que le dan mas lugar a sus instrumentos, y, como siempre, se dejan llevar por esas melodias que, como dice en alguna canción Minimal, son sanadoras. Y nunca vienieron tan bien.

Shellac / Excellent Italian Greyhound (Touch and Go, 2007)
La salida de "Excellent Italian Greyhoud", el primer disco de Shellac que sale en siete años, deberia servir para finalizar con todo terreno de duda, ya que demustra que Shellac una banda única en su género, de la que todavia se pueden esperar grandes cosas, como éste disco, que, en definitiva (sorpresas mas, sorpresas menos), demuestra la escencia de una banda que siempre tuvo como regla principal el desconcierto. Eso y, claro, la novedad y la virtud de ser, por sobre todas las cosas, fieles así mismos.

Liars / Liars
(??, 2007)
Se dice que los Liars se metieron al estudio con la fija idea de grabar su disco mas accesible. Bueno, no se que habrán hecho en ese estudio, pero el tema está en que les salió este engendro: un disco durisimo, bien de sótano turbio, al que le caen gotas de los techos. O sea, no muy lejano a lo que ya venian acercandose. Sin embargo, se pueden ver algunos retazos de aire fresco en la música del trio. Pequeños ritmos que ya no suenan tan enfermizos como en otras entregas y un acercamiento a la melodía mas conocida que da un poquito de miedo. Supongo que ésta sera su idea de pop. Lo cual esta muy bien.

Black Moth Super Rainbow / Dandelion Gum
(Gravenhurst, 2007)
Despues de escuchar "Dandelion Gum" un tiene que estar preparados para las consecuencias. La primera, y quizá las mas común de todas, es que uno se encuentra atrapado por estas canciones que despliegan una lectura del low-fi que no se escuchaba desde los primeros dias del género. Teclados ridiculos, baterias chotas, voces pasadas por vocoder, moogs, ruiditos varios...Una pileta llena de psicoldelia y diversion que invita a meterse con ropa puesta y todo. Entre otras de las consecuencias, se encuentra el hecho de encontrarse envuelto en una salsa extraña de colores y mocosidades. Pero qué importa.

Jens Lekman / Night Falls over Kortedala (Secretly Canadian, 2007)
Parece ser que Jens Lekman hizo bien los déberes. Siguió perfectamente al pie de la letras las instrcucciones que recibió de los discos de The Magnetic Fields y resolvió con mucho esmero las ecuaciones que le entregaron los Belle and Sebastian. El resultado que logró fue mas que satisfactorio: las canciones que pueblan este "Night Falls Over Kortedala" son gemas preciositas de un pop de cámara que no tiene nada que envidiarle a los de sus profesores ya nombrados. Y encima le dan el pie justo para Lekman se luzca como el crooner mas buena onda que alguna vez hayamos visto. Amor.

ADULT. / Why Bother?
(???, 2007)
La música que toca ADULT. tiene mucho que ver con las tapas de sus discos, porque es básicamente los mismo: postales de momentos en los que la "vida diaria" no da para mas con su monotonía asesina y entonces no queda mas que derrumbarse frente a la misma. Justo ese momento es en el cual la música de ADULT. sirve como soudntrack ideal. En "Why Bother?" el dúo despliega su abánico de electrónica mala onda y pesimista. Beats como látigos, y canciones de cuero negro que viene como anillo al dedo para musicalizar esos días en los que todo parece indicar que, indudablemente, nada merece la pena. Nada salvo bailar, claro.

2007-12-03T06:07:00.000-08:00

Estoy casi seguro de que esto no fue una casualidad. Que el disco de Vic Chessnutt "North Star Deserter" y el nuevo opus de Joe Lally, "Nothing Is Underrated" hayan salido casi casi al mismo tiempo, repito, no pudo haber sido alguna especie de obra cosmica que los equiparo, Aca hay algo mas que todavia no pude descubirir, pero que, espero, el tiempo me termine de dar la razon. Por ahora, lo unico que podemos hacer es escucharlos, y esa ya es una razon mas que importante.

Estos dos discos se relacionan en mas de un punto. Principalmente, ambos desbordan de un aire, de un clima tan Washington DC que hace que la comparación sea, practicamente, inevitable. O sea, con respecto al de Joe Lally, no se esperaba menos: ya se sabe perfectamente bien que el bajista de Fugazi (me rehuso a decir "el ex bajista de Fugazi") es una institucion del hardcore made in DC, con lo cual es hasta tonto decir que su sonido remite indudablemente al de la ciudad en el que hizo sus primeros pasos en la musica. Sin embargo, este punto se aplica perfectamente al mas reciente album de Viv Chesnutt. "North Star Deserter" fue grabado en Montreal, con ayuda de pesos pesados canadienses como los Godspeed You! Black Emperor y gente de A Silver Mt Zion, pero si hay algo que relaciona de alguna forma este trabajo de Chesnutt con el de Lally, es que esta producido nada mas ni nada menos que por Jem Coen, el encargado de la mitica "Instrument", ademas de tener como invitado especial en algunos temas a Guy Picciotto, el guitarrista de Fugazi (de nuevo: me rehuso a decir el ex guitarrista de Fugazi), por lo que el disco logra una cosa impensada: la avanzada canadiense regodeandose con los pibes de Washington. La union que se logra en el disco de Chesnutt es increible y da lugar a momentos no menos sorprendentes. Con un sonido que remite a grabaciones caseras, improvisadas, las canciones de "North Star Deserter" se presentan como lanzas que apuntan directo a la sensibildad del oyente. Entre la melancolia folk y la depresion total, Chesnutt entrega melodias que si bien encierran una minima gota de esperanza, son mas bien oscuras, sucias, estridentes. La imagen perfecta para describirlas a estas canciones se encuentra definitivamente en la génesis del cine de Jem Coen: la idea de encontrar y mostrar lo imperceptible, lo que escapa a la vista, la extraña belleza que nos rodea diariamente. Mas o menos por esos lares andan estas canciones, durisimas, que no son mas que el lamento de un extraño ser (victima de distintos golpes de esos que llaman de la vida, uno bien jodido que lo dejo paraplejico) que, en vez de tener una super 8 en la mano, tiene una guitarra acustica y asi nos muestra esos lugares que tiene en la mente, grandes campos que cosechan desesperanza y alcohol.
Si les soy sincero, cai rendido a este disco no solo por las canciones bien hijas de puta que compone Chesnutt, sino porque Jem Coen oficiando como productor y conductor de la velada (porque si algo rodea a todo el espectro del disco es la sensacion de que fue hecho en una noche, rodeado de amigos y buena onda) se saco un diez. El sonido que logra arrancarle al disco parece sacado del mismo frasco del que salen sus peliculas: nocturno, sucio, repleto de distintos matices que hacen que las canciones sean como papeles en un collage. Tal como en sus filmes. De mas esta decir que este album puede ser un perfecto soundtrack, aplicable a cada uno de sus experimentos filmicos.

A la musica de Joe Lally le pasa mas o menos lo mismo. Y es aca a donde quiero aplicar el segundo punto de relacion entre ambos, que seria que, en definitiva, su musica no difiere demasiado. Eso si, donde Chesnutt prefiere el alcohol y la poesia, Lally se queda con la politica y la poesia. "Nothing Is Underrated", su nuevo disco, arranca justo en donde se queda "Here To There", su disco anterior. Esto puede llegar a sonar como un comentario negativo para un disco que, al menos para mi, fue bastante esperado, ya que su primer cd me habia dejado una impresion demasiado buena; sin embargo, no es tan asi. Es mas, es bastante tranquilizador que el disco ande mas o menos por los mismos lugares que Lally ya conoce. Esta bastante bien hacer eso en un segundo disco, es, si, el camino mas facil, el mas ideal, pero el mas seguro tambien.
De todas formas, se nota que Lally quiso meter alguna que otra cosa nueva. Por este motivo, el disco se pasea tanto por composiciones absolutamente minimalistas, donde deber haber dos instrumentos tocados como minimo, pero, por otro lado, logra canciones muichisimo mas redondas, mas rockeras si se quiere, cosa que tambien se podia encontrar en su disco anterior. "Skin and Bone" y "Painfully Aware", deben ser las mejores canciones que posee el album, temas de dientes apretados, que, como la mayoria de las canciones, encierran mas de lo que muestran, dicen mas de lo que cantan. Y es justamente ahi, en eso que las canciones no dicen, en eso que esconden, donde se encienden. Lally esta enojado, si, pero nunca deja que las canciones exploten, sino que mas bien las mantiene tranquilas, domadas: sabe muy bien que asi las cosas quedan mas claras. Se entienden mas.
Esto es lo que siempre me gusto de el, desde sus mejores dias en Fugazi: el tipo se mostraba siempre al fondo, tranquilo, pero todos sabemos que su aporte en la banda fue seminal, mas precisamente en el periodo de Red Medicine-End Hits (es mas: si hay un periodo de Fugazi con el que haya que comparar su trabajo en solitario, sin lugar a dudas seria este), y a partir de esos discos siempre habia una canción cantada por él. La paciencia, dicen, es una virtud, y estoy por demas seguro de que Joe Lally es el rey en este aspecto. Sus canciones son paciencia pura, algo asi como un elefante que camina en busca de algo de agua. Son como el olor ese que se respira antes de que una tormenta se desate. "Door Closing", "Motora", "Day Is Born", son algunas de las canciones que mejor muestran el potencial de un disco que siempre avanza, y nunca detiene su marcha. Asi y todo, debo confesar, aun despues de haber escuchado el disco muchas veces, todavia no se si me gusta mas o menos que el disco anterior. Sencillamente, es una conclusion a la que no puedo llegar.

Tampoco puedo decir si me gusta mas el de Lally o el de Chesnutt. No se, es algo que no tiene respuesta. Lo único que puedo decir es que los discos estan, y ambos tienen muchsimo para dar, escarbando en lugares extraños, a los que no muchos musicos les dan bola hoy en dia, generando canciones de una sinceridad y una fuerza que solo pueden dar los verdaderos observadores de las cosas que se nos escapan. Por suerte, aca tenemos estos dos discos que, para dar fin a esto de las relaciones, ambos fueron constituidos con el fin de aliviar las cosas. Todas las cosas.
Y repito: esto no puede ser casualidad.

Vic Chesnutt, "North Star Desetor" (Constellation Records, 2007)
Joe Lally, "Nothing is Underrated" (Dischord Records, 2007)

2007-11-25T20:17:00.000-08:00

Por otro lado, tambien le estuve dando duro a este corto de Spike Jonze que no lo tenia muy visto. La obra en cuestion se llama "How They Get There" y esta buenismo; destila Jonze por donde se lo mire. Todo parte desde una mera casualidad y termina estallando por todos lados, en una dosis de humor negrisimo alguna que otra vez vista en la carrera del director. Directo. Redondo. Ideal.

2007-11-25T19:54:00.001-08:00

Hoy "La Jetee" (Chris Marker, 1961), me vino como anillo al dedo. El otro dia un conocido me dijo algo asi como que no tiene recuerdos fijos de cosas que le pasaron en la infancia, sino que mas bien guarda como pequeñas rafagas, sensaciones minimas de aquel tiempo. Y que a partir de los 12 o 13 años mas o menos empezo a recopilar las cosas que le fueron pasando. Como si empezo a vivir a partir de esa epoca. Cuando me lo dijo yo me acorde inmediatamente de este corto fundamental, pionero y pilar de la ciencia ficción, donde, al reves de lo que le ocurria a mi amigo, una imagen de la infancia es la clave de toda una vida que no se sabe muy bien si empieza ahi o se termina. Pero el quiebre esta. Por eso hoy cuando revivi el film de Marker me puse a pensar en el poder que tienen las imagenes y en lo rotundas que pueden llegar a ser en nuestras vidas. Yo tambien trate de recordar cosas de mi infancia, y, al igual que como le pasa a mi amigo, no puedo recordar casi nada. Solo se me viene la mente una nebulosa bastante extraña. Por eso digo que, al menos hoy, a esta hora de la noche y 27 minutos despues de haber visto el corto, se me cayeron las fichas con respecto a un monton de cosas, que, al fin y al cabo, nombrarlas ahora y aca no tiene mucho sentido. Pero lo importante, lo que verdaderamente quiero decir con respecto a este film, es que, si se viene un mundo post-apocaliptico como el que muestra la pelicula, al menos contamos con el don de haber visto "La Jetee" y de tenerla bien pero bien grabada en la mente, ya que es muy dificil desprenderse de esta bomba visual. Tal es el poder de las buenas imagenes.

2007-11-24T07:41:00.000-08:00

Al mismo tiempo que los almanaques van llegando lentamente a su fallecimiento, tambien llegan las ultimas ediciones del año, en lo que a material discografico se refiere. Esta vez, lamentablemente, no hay cosas demasiado relevantes para comentar. Lo cual esta bien. Este 2007 que ya se va nos entrego demasiadas cosas. Esto es lo que queda, esto es lo que hay.

1.Pez/Los Orfebres
(Azione Artiganale, 2007)
Me cuesta un poco comentar este disco. Yo con Pez soy como una gata flora, como suelen decir por ahi. Hay cosas que me convencen demasiado de su discografia (puedo nombrar tranquilamente a discos "Fragilinvencible", "El sol detras del sol" o "Pez" para ilustrar esta categoria) y otros que los habre escuchado solo un par de veces y que no me gustaron mucho (como "Folklore", "Convivencia Sagrada" y algun otro que se me escapa). Asi y todo siempre tuve en cuenta el hecho de que Pez posiblemente sea una de las bandas mas prolificas que existan hoy en dia, editando un material que (mas alla de que me guste o no) siempre mantiene un nivel artistico altisimo y eso es siempre digno de respetar. Ademas, no hay muchas bandas como Pez dando vueltas por ahi...Retomando un poco mi historia con el grupo, a partr de "Convivencia Sagrada", les perdi un poco el rastro y recien retome cuando sacaron "Para las almas sensibles", un disco en vivo doble que esta buenisimo y que me sirvio como para entrar de nuevo en la musica de la banda. Despues de eso vino el disco "Hoy" que tambien me gusto un poco, sobre todo porque me daba la sensacion de que combinaba dos puntos de la banda que, si bien siempre parecieron estar juntos, en algun punto terminaron por separase, que seria esa pulsion netamente folk-rock que solian tener (cosa que se notaba aun mas en los recientes discos solistas de Minimal; ambos me parecieron barbaros) con ese otro matiz, muchisimo mas duro, rockerisimo, que los asociaba a una especie de rock-progresivo-cuasi punk-cuasi-Black Flag-utima etapa, si me permiten el delirio. Asique asi mas o menos estaban las cosas con Pez, hasta que escuche este, "Los Orfebres", su ultimo disco; un disco inspiradisimo, poderoso, enorme, con canciones que no dan un minuto de respiro, sorpresivo casi y que me renconcilia completamente con su obra.
Es inevitable que lo compare con "FragilInvencible", mi disco preferido de Minimal and Company, ya que comparten muchas cosas en comun. La mayoria de los temas son de una pulsion que no se respiraba en la banda desde ese disco: canciones rapidas, pesadas, terriblemente urbanas, inmensas que siempre terminan asifixiandome en algun punto, pero no en un mal sentido, sino mas bien por el hecho de que es tal el poder que ejercen las canciones que uno termina cansado, derrotado, pero nunca aburrido. Parece como si las doce canciones que componen "Los Orfebres" fueran una especie de maraton, que hay que correr y correr, siempre con la mirada adelante y jamas mirando atras. Las canciones se suceden asi, una atras de la otra, pa pa pa, corrriendo, corriendo, corriendo hasta llegar a la meta, que, en este caso, esta compuesta por una pieza que me parece como la que encierra todo el imaginario que se desprende del disco, uno que se llama "Existencialismo" y que tira un puñal mas o menos asi: "...estoy cavando un pozo para ver si hay agua/y desde el cielo solo baja un cielo que azota/y si encuentro un espejo donde esten mis ojos/solo tendre una pregunta que hacer.../quien soy?". Todo esto acompañado por una base impresionante, ajustadisima. Otro tema genial es "Hay lo que hay" que es, basicamente, una oda al pesismismo, que, al menos en estos dias, me vino como anillo al dedo. Tambien destaco mucho algunos temas totalmente instrumentales como "(A Alejandro Jodorowski)" y otro mas que ahora no me viene a la mente pero que tambien esta buenismo.
Quizas lo unica mal del disco es que no hay ningun tema firmado por Fabian Casas, quien venia escribiendo algunas de las mejores canciones para la banda, y, lamentablente, eso no se puede encontrar en este "Los Orfebres", pero esta todo bien, no importa. La maraton ya se termina y Pez me hizo hacer acordar que era lo que se solia gustar tanto de ellos. Ahora no me quedan dudas de que la voy a volver a correr.

+info: http://www.pezapesta.com.ar

2.Robert Pollard/Standard Gargoyle Decisions + Coast to Coast Carpet of Love
(Merge Records, 2007)
Robert Pollard, despues de haber finalizado su mision al mando de el comando del indie Guided By Voices, con mas de 20 años de trabajo initerrumpido, cosechando buenas canciones, discos miticos y un publico chico, pero extremadamente fiel. Asi es, mientras el resto de sus camaradas indie rockers recibian el exito masivo y tocaban para grandes multitudes, Guided By Voices se conforma tocando en lugares medianamente chicos, pero confiados, muy confiados, porque tenian uno de los grandes poderes, quizas el mas importante, que el poder de saber hacer buenas canciones. Sin embargo, las cosas nunca llegaron a cambiar del todo y Robert Pollard decidio ponerle fin a su banda. Muchos llegaron a pensar "ah, ok, el viejo Bob esta cansado" y asociar la despedida del mitico grupo con razones que poco tenian que ver con la edad del comandante Pollard. Porque ni bien termino con la banda, Bob volvio al ruedo, continuando con su carrera solista, la que llevaba paralelamente a GBV (ademas de 2800 proyectos mas). Asi es que desde la mitad de este nuevo siglo, Bob se encuentra sacando disco tras disco, siguiendo con esa accion casi compusliva que tenia con su vieja banda, que parecia responder a un solo motivo: sacar discos porque queremos. Asi, uno tras otros, a veces dobles, triples, casstetes, vinilos, cosas...no importa el formato, las canciones siempre supieron estar ahi. Es el don que tiene Robert Pollard. Hasta aca llegamos hoy, a casi un mes de haber salido su nuevo disco, que en realidad son dos, pero no es estrictamente doble, sino que mas bien son dos discos completamente distintos, que lo unico que tienen en comun es que salieron el mismo dia y que ambos estan compuestos por el mismo artista. Tal es la capacidad de este tipo, al cual la palabra "prolifico" le queda chiquisima. Asi y todo, con taanntos disco editados y una carrera inmejorable, se hace medio dificil hablar de sus discos, ya que, justamente por el hecho de editar tanto material, uno seguido del otro, algunas veces solo con pocos meses de diferencia entre ellos, dan la sensacion como si siempre estuviesemos escuchando el mismo disco. No hay un tiempo de asimilacion entre ellos, lo cual puede llegar a ser visto como toda una declaracion de principios, corte "no hay que entender nada, son solo canciones. Se escuchan y punto", declaracion que a un artista como Bob Pollard le vendria como anillo al dedo, ya que no queda ninguna duda de que si hay un ranking de grado de simpleza en la musica, su nombre encabezaria los primeros puestos. Asi las cosas:
"Standard Gargoyle Decisions" es el disco que parece seguir el rumbo que Bob dejo con Guided By Voices. A ver si me explico, si bien es obvio que el sonido no varia en casi nada con respecto a su banda anterior, hay algunos discos de Bob que no suenan tan GBV, digo, con esa simpleza sucia e instantanea que hizo a GBV un mito, sino que mas bien tiraban para un lado por el cual su anterior banda no habia buceado jamas: algunas canciones con cuerdas y orquestaciones pomposas, elementos que resultaban algo extravagantes para una hombre al que siempre se lo vio con una portaestudio en una mano y con microfono en la otra. Por eso este disco es el mas fiel al sonido que GBV supo alguna vez tener: guitarras filosas al mando de canciones cortas, redondas, exactas. Palo y a la bolsa.
"Coast to Coast Carpet Of Love" es el disco que parece seguir el rumbo que Bob dejo con Guided By Voices. A ver si me explico, si bien es obvio que el sonido no varia en casi nada con respecto asu banda anterior, hay algunos discos de Bob que no suenan tan GBV, digo, con esa simpleza sucia e instantanea que hizo a GBV un mito, sino que mas bien tiraban para un lado por el cual su anterior banda no habia buceado jamas: algunas canciones con cuerdas y orquestaciones pomposas, elementos que resultaban algo extravagantes para un hombre al que siempre se lo vio con una portaestudio en una mano y con un microfono en la otra. Por eso este disco es el mas fiel al sonido que GBV supo alguna vez tener: guitarras filosas al mando de canciones cortas, redondas, exactas. Palo y a la bolsa.
No se si me explico. De todas formas, Bob, sábelo: ojala nunca dejes de iluminarnos con el don de la canción.

+info: http://www.robertpollard.net

2007-11-22T13:06:00.000-08:00

El Silencio Rock es una de las pocas páginas que se encarga de cubrir de la mejor manera posible todo lo que ocurre en el mundillo del underground local. Desde revisiones de discos, entrevistas varias, comentarios de fanzines, libros y películas, entre otras cosas más, son los temas que más se pueden ver en la pagina. Y lo que mas me gusta de ellos, es que, a diferencia de otras, los chicos de el silencio verdaderamente entienden de lo que hablan, básicamente por la única razón de que son parte de lo que escriben. Es así, no hay recital al que haya ido sin encontrarme tanto a Juanito como a Cecilia o a cualquiera de los dos, cosa que no importan, el tema es que siempre están. Y no solo eso, sino que esporádicamente organizan unos ciclos de recitales buenísimos, donde siempre se pueden ver a bandas copadas y haciendo una veladas encantadoras. Así que de eso más o menos se trata El Silencio, una de las mejores webs que le dan bola a todo aquello que, usualmente, no se le da bola. Por eso decidí mandarles unas preguntas, que termino contestando un amigo de la casa, Juan Bauer. Lean, comenten y háganlo ustedes mismos, que es la solución.

1.como nace el silencio? desde que año lo vienen pensando mas o menos?
si quieren expliquenle a la gente que es el silencio y como es que llega a ser lo que es hoy... por que "el silencio", que onda con el nombre?
Esta la tiene que contestar Cecilia. La idea fue de ella, supongo que a raiz de querer generar un espacio propio para escribir notas. Es lindo tener tu espacio, no con la logica del quiosquito ni las gacetillas pero si para poder ser nosotros mismos, lo cual es importante un ratito al día. Que tu rumbo sea tu rumbo y no el de otras personas.Dando por sentado de que no hay otras personas con espacios, que nos puedan cobijar, hacernos sentir inofensivos como delante de una madre. Desde el vamos su idea era llevarla a cabo con Lorena, Julia, sus amigas con las que se recibió de periodismo y conmigo. Que tenia 16 y venia de repetir tercer año, en una adolescencia muy desacomodada pero con un reves muy grande que era tener mucha data de música y reflexionar sobre ella, creyendo en su trascendencia politica. Con el dogma de que no muere el que escucha buena música. La pagina se llama El silencio. Ya estaba el nombre cuando Cecy me contó el proyecto. El rock se lo agregamos porque ya existia un sitio virtual con el mismo apodo. Posteriormente se llamó asi por una canción de Crass que merece una contestación aparte.

2.me gustaria que presenten a la gente que hace la pagina con uds. es decir al staff silencioso...de donde vienen? que otras cosas hacen? presentense uds tambien, claro.
Cecilia(26) mentora, que cumple el rol de editora también. O sea, que le mandamos las notas a ella para que corrija la sintaxis y el lexico fanzinero. Eso le lleva un laburo enorme, pero igual lo hace contenta me parece. Es como la dueña de la pagina. La que nos dice cuando nos juntamos para charlar los contenidos, o nos reta, la que pide las acreditaciones, etc.

Lorena duro una reseña de porco y casi nada más. Después se sumó Tomas Portias como colaborador, que tenia su programa de radio Acido Liturgico y que ahora escribe también en proyecto under, y tiene un zine humoristico llamado La Bola en la ingle, con el que acaba de organizar una expo de zines de humor. Lo conocí en el 2002, el estaba terminando quinto y yo tenía unos amigos de la primaria en el Pellegrini. No sé si compartimos jales pero estabamos ahí sentados en frente del colegio toda la tarde. Después estoy yo(19) que tengo un fanzine que se llama Juventud Turbia Corrompida , y Julia(29) que escribe en el No de Pagina 12, colabora con La Mano y es receptor de sinfín de sumarios en consideración de periodista del rock oficial con cosas que a nosotros nos parecería divertido que aparezcan en el No. Ahora se sumaron Ivan, alias Lester Bang, entra por la vena de Tomás, ama la musica negra, el soul, el blues.Y también colabora un chico que se llama Cristian, que carga con el karma de tener un Blog para descargar música y pensar que esto es un valor artistico en si mismo, lo cual deviene en un tono sarcastico y pedante para dirigirse al alpiste. Stay free se llama. Me olvide de Cristian que es el que sabe subir las cosas a la pagina, el de la diagramación que no se que edad tiene ni que hace pero es fanatico de River y trabaja con Cecilia.

3.que paso que no estuvieron por un rato? a que se debio la ausencia?
¡No sé que responder!, lo que me hace suponer que nada importante. Un cuelgue. Aunque en lo que a mi respecta…es muy difícil escribir sobre lo que hacen los demás, con tantas decepciones encima. Pero también me pasó que hicimos tocar a todas las bandas que tenía ganas, las entreviste y me quede sin material y tampoco queria escribir por escribir, seguir haciendo notas solo para informar de todo lo que hay. No hago la pagina para informar. Entonces queria tratar de no escribir de más. Porque ser activista del underground solo por marcar tarjeta nos remite al centrodeestudiantismo oscuro y ahí te das cuenta de que tenes que ir para adelante sin resentirte porque el unico que se jode siempre sos vos. También pasa salvo a los tenistas o a los que viven solos, cuando compartis siempre llega un momento en el que uno tira para un lado, como en todos tus muertos, que hoy estaba escuchando un recital en vivo , de los ultimos, presentando el camino real, hay dos fuerzas.Una de misa, con Fidel a la cabeza diciendo cosas como " todos los que vinieron a tomar, a fumar o sea, a mi no se me acerquen", y otra con gamexane y los que hacian música. Es imposible no pelearse.

4.y ahora el regreso tiene bastantes novedades, no? esta muy linda la pagina..

Alguna que otra novedad hay, aparecieron un par de cosas nuevas que me gustaria que esten en la pagina. Como los cuzcos o la movida de los chicos del fanzine eureka, con los festivales de musica en la fla que son una masa. Ya van a ir apareciendo todos tal vez.Abria que comentar mas discos. Salió uno muy copado de She devils, uno del festival de los viajes que es la banda nueva de Martín de Poseidotica. Los dos mejores discos nuevos los acabo de recibir via un gran valuarte del arte blogueril. Cucsifae el nuevo, y los orfebres de Pez.Terribles ambos.

5.que onda la columna nueva esta, "mi forunculo"...es una de las sopresas de la nueva temporada, sin dudas.
Jajaja si no sé bien de que es esa columna.Lei la primera entrega, no sé quien la escribió.Pero estaria bueno que sea sobre la primera vez. Lo voy a sugerir.

6.cuales serian las influencias basicas de el silencio? Digo, es bastante notable que los fanzines y toda esa movida es una, pero que mas??
Son muchas las cosas que nos estimulan. Infinita cantidad de artistas y no artistas, gente que nos ponemos orgullosos de conocer y nos inspiran.Escritores como Marguerite Duras o Charles Bukowski.Gente que da su vida por sus ideales, diria Fidel en Argentina te asesina. También cosas comestibles ¿No? O cosas para armar, como los legos,la pizza y el porro.EL chocolate creo que es una influencia muy importante.No conozco palabras mayores, con tanto poder de seducción.Realmente es un remedio contra la noche, y su triste desenlace habitual, en eso coincidiríamos todos asi que lo digo. El disco Psychal Graffiti de Zeppelín,banda de la que Julia es muy fanatica y yo de ese disco, el tema tres del lado dos no lo puedo creer.Es un extasis de melancolia que no podes parar desde que empieza hasta que termina.Me hace pasar a otro estado emocional que se llama LA SERENISIMA EN ZEPELIN y vos te ganaste dos pasajes con cazco.

7.bueno, las fechas de el silencio me juego que con el tiempo van a tomar la carcteristica de transformarse en miticas; sobre todo porque empezaron con los ciclos justamente cuando la escena estaba terriblemente callada...surgieron por ese motivo? como una reaccion para que las cosas cambien un poco en el panorama? y ahora que volvieron, van a hacer mas fechas? o tratar con los dueños de los locales es mas complicado que completar la discografia de the fall??
¿Vos decis? Es verdad que fueron fechas especiales y hay miles de anecdotas para contar de todo tipo.

Rosario Blefari le pego al sonidista por pelotudo, y cuando el pajaro agarraba sus maletas para irse, nos convencimos a nosotros mismos de que no valia la pena suspender la fecha con tanta gente afuera y ganas de por lo menos tocar y bailar, para contrarestar simbólicamente tanto rastapappo con tonada imperativa y ansias de desfasar la integridad emocional de los demás. ¿No? Vi como los compañero asma se iban con grupies del ciclo volumen tres.Vi como Alejo pasaba Fidel en vivo en japon mientras una de esas muñecas de porcelana que van a ver a Mujercitas terror, se nos escurria ante los ojos de Ian Mackaye, sin pagar entrada.O sea no es joda.La idea es hacer un ciclo próximamente.SI conseguimos un lugar donde estemos comodos y valga la pena hacerlo, como el estacionamiento ese en la boca donde vimos a 7magz, a amoeba, y a comme haciendo un cover de hermetica o el bar que habia que pasar por el escenario para ir al baño donde vimos a star loosers con motosierra. No se como sera completar la discografia de The Fall, supongo que facil, por los mp3, no se cuantos siete pulgadas singles, han de haber, pero lo que les aseguro es que la gente que tiene locales de clase rock, podrian tener un almacen en cualquier circulo susanita de sus convencionales mentes.En este caso los espacios no los crean los valientes, como diria Crass, si no los que hacen su negocio.Y esto debe tomarse al pie de la letra

8.piensan que el silencio tiene un publico??..digo, me parece que entre todas las paginas que hay sobre la escena musical de bs.as, la de uds es la unica que le da bola a lo verdaderamente underground..es justamente ahi adonde apuntan??
Según las fichas del webmaster, hay gente que se mete todos los dias. Deben ser nuestros amigos y nuestras bandas amigas y los que caen de rebote.Con respecto a lo verdaderamente underground, entiendo a donde apuntas pero mejor no contestemos nada y pongamos en cuestión eso. Fijate que todas las bandas que tienen la posibilidad de pegarla, lo hacen.No hay nadie que resigne la posibilidad de avanzar mercantilmente hablando. Lo cual nos hace pensar que el under no es un lugar etico si no más bien sobre todo una condena, de superficie, de donde todos salen y de donde se van los que tienen la posibilidad de usar otras herramientas y a raiz de eso cambiar hasta el discurso y hasta cambiar artisticamente(donde esta la trampa), el pueblerino que se encandila con las luces del centro.Como Liniers que ahora pone en sus chistes que es amigo de Maitena.

El under para mi seria algo que haces y que no tiene alcance masivo por cuestiones geograficas.Como mis mentos. Ayer plante en mi jardin y la gente no sabe que plante mentos, porque el mundo es grande y no todos tienen acceso a mi jardin, pero mi planta no responde a ningun under, si no hay remeras con su foto es porque no es necesario.Es solo una planta en mi jardin.

Y puede ser que al ir tanto a recitales y todo eso cubramos un bache que no cubre nadie. Hoy voy a reseñar un demo de i suck que hicieron copias para regalar en un show. Y como justo yo estaba ese dia, lo puedo comentar. Para poder hacer eso te tiene que interesar ir a ver recitales.Pero no ir a la fiesta compass a tomar un trago con Juan Ortelli y de paso cañazo ver a No dj Hilda Lizarazu, si no que de repente tocan tus amigos un día sin nombre, de semana.Todo en contra pero vas igual.Como los barrabravas. Ver 8 recitales, pagar entradas a precio de discos, para no perderte el día que Pocavida se metio una bengala en el orto.

9. como se manejan en el staff?? se publica lo que venga o alguien se encarga de seleccionar las notas? se escribe de lo que sea en el silencio o se decide en grupo esas cosas?? como hacen?
No, cada uno hace lo que quiere. Entre nosotros por ahí nos sugerimos.Pero lo que más le sugerimos es a Julia que meta algun monster en el NO. El problema en el silencio es que por esa modalidad tan distendida, nadie escribe nada y listo.

10. y viene la pregunta inevitable: como ven la escena a casi tres años de crogmagnon?? peor o mejor??

la escena siempre va a estar peor que hace tres años.Sea la epoca que sea, es como los pases en el Rugby.No hay evolución de ningun tipo porque inclusive las bandas que agarraste, que son las que te gustan, después en tres años van a ser un resabio solista de eso.O sea si a vos te gustaba el mato, dentro de tres años vas a ir a ver a santiago motorizado solista y vas a decir ah que toque una de el mato.Siempre funciona asi.Y encima, esta la regresión economica, la regresión de las leyes, quien te dice que dentro de unos meses, no os olvideis, que vienen por delante 4 años de Macri, se pongan de moda las racias ochentosas.A todo se puede volver. Siempre se puede estar peor.¿No?

11. top 5--mejores notas de el silencio segun uds. las que mas le gusto hacer o la que mas le gusta leer---no se, si tienen alguna anecdota copada que se pueda difundir--
A mi me gustó entrevistar a Comme, por mail .Aunque no sabia que Heber era tremendo sabandija, si no les hubiera preguntado cosas mas divertidas. Me gustó la entrevista de Cecy a Pangaro que es un genio, que tiene un libro de poesias, nuevo, que recomiendo.

Una buenisima fue la de Black Amaya, el baterista de Pescado Rabioso, se la hicimos en su pieza en la casa que tiene en Flores.Un copado el chabon.

Otro momento kodak fue cuando Cecy lo entrevistó a Symns.Y esa nota esta por salir.

Tomás a Pipo Lernoud, que es un chabon que me sorprende porque siempre pienso lo mismo que él, a pesar de que me hincha las bolas ese target alfredorossezco pero me trasmite una vibra budista terrible. Ahora no me acuerdo mucho más.Lo que si te puedo hacer es top 5 de chamuyos de porque no podian tocar en los ciclos algunas bandas, ahí si que estuvo la mejor literatura

12. top 5--mejores performances en los ciclos de el silencio?'

sin orden de supremacía
1. La hermana de Cecy y todos los que cortando ingresos defendieron la entrada para poder cubrir.Lula tocando con precisión quirurgica su bateria para los reyes vagos.

2. Sizzla y nuestra alegria mirando al cielo en el mismo momento como haria faibel

3.Heber, al que nunca le pague el taxi de traslado de bateria al bufón y nunca me lo reclamó.

4.Los mujercitas terror, unos divinos. Yo les tenia miedo antes de conocerlos. Pense que salian de la tumba para tocar y cuando se terminaban los recitales volvian a la tumba.Pero comimos galletitas y coca mientras probaban sonido, la mejor onda, todavía, dorothy parker mediante.

5. fede sniffing que me regalo un chocolate, en el peor momento de la secuencia con el sonidista en la fecha de octubre.También con etica hardcore, me preguntó si podiamos dejar pasar a la novia. Un divino las dos veces.

13.bueno, no se..agreguen lo que quieran. ultimo comentario. ya saben como es esto cuando en los fanzines ya no se sabe que preguntar viene esta pregunta no?. dejen algun mail para sus fans que los quieran conocer personalmente :)

DIA FRANCO (Jacques Prevert)

Guardé mi kepí en la jaula
y salí con el pájaro en la cabeza.
De modo que ya
no se saluda
preguntó el comandante.
No
ya no se saluda
contestó el pájaro .
Ah bien
discúlpeme creí que se saludaba
dijo el comandante.
Está usted disculpado todo el mundo puede equivocarse
respondió el pájaro

+info: http://www.elsilenciorock.com.ar

2007-11-01T15:31:00.000-07:00

Parece ser que este mes va a traer muchas sopresas en el plano de la cartelera cinematografica local. O al menos eso parece indicar el estreno de "Shortbus", la segunda pelicula de John Cameron Mitchell, reconocido por ser el autor de ese film de culto, llamado "Hedwig and the angry Inch". Igual, que les diga esto sirve para que mas o menos se ubiquen cuando alguien les nombre a Mitchell, pero, a la hora de ver "Shortbus", es mejor olvidarse de todo y entrar dispuesto a ver un filme que dispara con mucha fuerza, que no tiene miedo de mostrar y de tratar temas que siempre causan polemica (en este caso el sexo y las relaciones en si) y encima hacerlo de la manera mas cruda y sincera que se pueda pensar. Por eso, los tabues afuera. Y preparense, porque se sabe que un filme que pone tanto sobre la mesa, conlleva siempre a que se abra la discusion y la polemica. Y eso siempre es bueno.

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Hace mucho que vengo viendo y leyendo cualquier cosa que se escriba sobre este film. Sobre todo porque la obra de Cameron-Mitchell me llama mucho la atencion, por lo que, apenas supe que estrenaba un nuevo opus, inmediatamente me puse a la busqueda de novedades al respecto. Mi sorpresa fue, al enterarme de lo que iba el film, ver que la mayoria de las criticas eran bastante chotas. Parece que a muchos les pegaba para el orto ver tanta cantidad de pijas, conchas, culos, y sexo explicito en un film que no se hacia llamar asi mismo "pornografico". Todos estos comentarios no hicieron mas que aumentar mis ganas de ver el film. Siempre me pasa lo mismo con los films de Cameron Mitchell: es tal la cantidad de cosas que uno lee respecto a su obra (todas tan disimiles, obvio), que a uno no le queda mas que llevarse por la corriente de esta especie de "hype" y caer rendido ante su obra. Eso me paso con "Hedwig" por ejemplo, y en ese caso en particular, las cosas saleiron bastante bien. "Hedwing and the angry inch" es una pelicula que no me canso de mirar y a las que cada vez le encuentro mas y mas cosas. Para ese entonces, Cameron Mitchell se posicionaba como una de las revelaciones del indie norteamericano, y un cineasta claramente original. Su opera prima estaba basada en una obra de teatro "off broadway" , escrita, protagonizada y dirigida por el mismo, que era un exito underground, por lo que al poco tiempo se puso en la tarea de darle una version cinematografica a la misma. El resultado es un hibrido entre un musical de broadway tipico y lo mejor de la cultura rock, por decir algo. Sucia, graciosa, ironica e indudablemente rockera, "Hedwig and the angry Inch" se convirtio en una pelicula de culto inmediatamente y todos no hacian mas que hablar de ese tal Cameron Mitchell.

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Finalmente, despues de tanta cosa leida y escuchada, vi "Shortbus" y les puedo asegurar que no me senti defraudado en ningun aspecto. Eso si, creo que es imprescindible darle un tiempo de reflexion, no solo despues de verla, sino tambien, antes. Esto tiene que ver con lo que decia parrafos mas arriba: para entrarle al film, es muy importante saber que no se va a ver simplemente una pelicula que trata sobre relaciones, sino que lo que se esta a punto de ver es una obra que, si bien cuenta justamente eso, lo hace de la fomra mas explixcita posible. Las relaciones estan vistas desde el punto mas, digamos, importante en la pareja: el sexo--y todo lo que este trae como consecuencia. Y es ahi donde Mitchell pone el dedo en la llaga: el tipo muestra, muestra y muestra. Todo. No hay ningun tipo de limites en "Shortbus". Por eso decia que esta bueno saber esto, asi uno mas o menos tiene una idea de lo que esta a punto de ver. El film cuenta la historia de varias parejas neoyorquinas y de como estas se las arreglan para seguir viviendo en una ciudad donde las cosas ya no son las mismas. Nos muestra la vida de James y Jamie, una pareja homosexual que esta teniendo unos seria porblemas de pareja: el sexo ya no es igual que antes y uno de ellos, cineasta el, esta pasando por una depresion bastante jodida. Obviamente que las cosas se enfriaron. Para salvar la relacion, ambos deciden ver a Sofia, una sexologa, que tambien esta teniendo problemas: nunca tuvo un orgasmo. Para esta altura de la pelicula, Mitchell ya nos mostro como uno de los protagonista se hace asi mismo sexo oral (llega! llega!) y todo el sexo brutal y violento que tiene Sofia con su pareja, en pos de conseguir el tan alado orgasmo. Los problemas de ambas parejas se ven solucionados cuando llegan al club Shortbus, especie de antro subterraneo donde conviven todas las especies que se puedan imaginar y que se concentran en el mismo con un unico motivo: tener sexo. En el club, obviamente, todo esta mas que permitido. Un cameo general de Mitchell es suficiente para mostrar desde orgias hasta performances de drag queens, quienes llevan el mando del lugar.

Es a partir de aca que el film se divide en parte en ver la busqueda de Sofia para alcanzar su maximo placer, y, por otra parte, en ver como James y Jamie hacen para salvar la pareja. Sin embargo, no solo en ellos se centra la pelicula. Mitchell "agranda" el campo de su obra mostrando tambien otros personajes, que, incluso son muchisimo mas interesantes que los protagonistas. Tal es el caso de la sadomasoquista que saca fotos, Severin. Y asi como esos hay un monton, todas figuras que despliegan toda ese aire indudablemente neoyorquino y que el club bien se encarga de acunar.

Si hay un denominador comun en todos ellos, seria la gran cicatriz que dejo en ellos el 11-S y todo lo que viene implicito a ello. Mucho de la depresion que se ve en la cara de los protagonistas, muchas de sus tristezas y sus males, tiene como origen la sensacion de caos que dejaron los actos terroristas. Si por algo se destaco New York es por ser una de las ciudades mas movidas del mundo, y se sabe que despues de el ataque que sufrio las cosas ya no fueron iguales. Se siente el miedo, se ve en todas partes la paranoia y el terror. Por eso no es casual que Mitchell decida contar una historia como esta, donde lo unico vivo que queda en la ciudad sea un club underground y en el que parecen estar, como enterrados, todos esos seres que hacian a la ciudad tan caracteristica. Tampoco es casal que muestre toda esa carne que muestra. La necesidad de amar, la necesidad de ser amado, de ser feliz y de sentir los placeres en medio de tanta mierda. Si de algo se trata "Shortbus" es justamente de eso, de estar juntos, de volver a creer en las cosas, de la esperanza. Y si bien puede costar entender todo esto cuando Mitchell muestra a uno de los personajes cantando el himno nacional en el culo de otra persona, yo le creo todo lo que me dice. Mas todavia cuando el final es esa orgia inmensa (musicalizada increiblemente por Animal Collective, banda de la cual hay muchos temas en el soundtrack), donde todos son uno y no existe nada mas que ese momento.

De esta forma, Mitchell muestra al sexo de una manera que se hace, por decirlo de alguna forma, mas digerible para el espectador medio. Si bien las escenas siguen siendo de una crudeza pocas veces vistas, el director acierta en filmar esas escenas con la mayor naturalidad posible, ya que de este modo convierte a esas escenas en momentos bellisimos, emotivos, pero sin dejar de lado, obviamente, la intensidad.

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Por ahi habia leido que el club Shortbus existe o existia y que Mitchell era un habitue del lugar, y que tanta union entre todas esas personas y toda esa buenas vibras que se sentian en el lugar, lo llevaron a querer retratar algo parecido. Esta bien. Creo que asi falta que alguien se encarge de mostrar tanto en una pelicula, mas en este momento donde solo nos llegan peliculas calladas, timidas y, en la mayoria de los casos, aburridas. "Shortbus" puede dejar a mas de uno afuera de su fiesta al final del metraje (lo cual es totalmente entendible, llega un punto en el que tanta "cosa" cansa), pero todo lo que ya conto y todo lo que ya mostro, alcanza y sobra para considerarla una de las peliculas mas frescas, sinceras, atrevidas y arriesgadas que se puedan ver en mucho tiempo.

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+info
http://www.golem.es/shortbus/

2007-10-27T15:09:00.000-07:00

Me imagino varias cosas. Todas muy distintas entre ellas, todas muy disimiles. Pero que, sin embargo, deben de tener alguna especie de cable-hilo inconsiente-mental que los une. Porque, sino, no encuentro explicacion sobre todas estas imagnes que se vienen a la mente cada vez que escucho "Double Nickels On The Dime", el ultimo disco de esa gran banda llamada Minutemen. Supongo que a D.Boon, Mike Watt y George Hubley les habra pasado exactamente lo mismo, y por eso salieron con un disco con temas tan disimiles como mis viajes al escucharlo. Imaginense si no es alto trip: 44 canciones en poco mas de 75 minutos. Lo que seria un cd casi casi completo por canciones que remiten tanto a la politica de la epoca, como a la escena de la que eran parte, a los camiones, a la ruta, a los autos, asi como tambien a cosas muchisimo mas jodidas, como las heridas que dejo vietnam, el racismo y el gobierno de Regan, ese blanco fijo de toda la generacion punk rocker del 80. Asi de inmenso es este disco. Y obvio que toda esa mezclanza de cosas se tiene que notar, evidentemente, en la musica de la banda. Lo que escuchan o escucharon alguna vez a Minutemen, saben que, al menos en ese aspecto, la banda cumple y dignifica. Si hay algo que los diferencio del resto de sus contemporaneos, fue la maestria con la cual supieron combinar varios estilos musicales. Bajo el auto slogan que ellos mismo se inventaron, "we jam econno", los Minutemen hacian largos jams musicales en los que intervenian desde el punk rock mas cabeza, pasando por el funk, el hardcore y hasta obras dignas del mejor grupo jazz. Todo eso y mucho mas, entonces, se puede encontrar en este "Double Nickels on the Dime", su tercer disco y su obra mas grande.

El otro dia me lo puse a escuchar y realmente le pude sacar el jugo a cada una de las 44 canciones. No me importo que en el medio haya jams improvisdas, ni temas en vivo ni spoken words: me comi el disco en su totalidad y nada me importo. Las 44 canciones que pasan como piñas una tras otras, una piña veloz de un minuto como maximo que se te aproxima a la cara con toda la inmediatez digna del hardcore mas abrasivo para sacarte no menos que una lagrima de la cara. Son canciones que no te dan respiro, que se siguen una a tras de otra, como una especie de efecto domino impulsado por la fiebre de la epoca. Y eso tiene mucho que ver con todo el mito alrededor del disco. "Double Nickles on the Dime" quizas sea uno de las puntos mas altos que haya alcanzado el punk, y salio justo en ese momento en el que todo disco que salia era motivo de querer superarse uno al otro. Se dice que los Minutemen grabaron este disco como desafio, queriendo superar la obra maxima de otros muchachotes, el gran "Zen Arcade" de Husker Du, un disco que, al igual que este, era doble y representaba un antes y un despues en el movimiento. La posibilidad de generar obras complejas, instrospectivas, de una madurez ineditas para el momento, abria nuevas puertas para toda una generacion de bandas que se venian, que inmediatamente marcaron a estas obras como "influyentes".

Sin embargo, creo que la obra de Minutemen pone mas sobre la mesa. Despues de todas esas escuchadas que les dije, supe que "Double Nickles on the Dime" es un disco autenticamente "americano". Ojo, no me entiendan mal, pero no me refiero a "americano" porque proviene de los Estados Unidos, obvio, lo que quiero decir es un poco mas profundo y seguramente me va a costar aclararlo sin malos entendidos. Lo que quiero decir es que discos como estos, que tocan bien fuerte a buena parte de una generacion, que hablan de temas con los cuales los oyentes se encuentran, que dicen las cosas sin vueltas y que ilustran esa determinada situacion con canciones, que son como fotografias, se transforman inmediatamente en mitos. A lo que voy es que se siente en el disco esas cosas, uno realmente puede ver que los tipos le estan hablando y tocando a un pueblo; seguramente que sabian muy bien que muy pocos los iban a escuchar, pero eso no les impedia pararse y decir "hey, aca estamos, esto es lo que somos, esto es lo que tenemos para decirles". Buena parte del disco se introduce en anecdotas e historias personales de D.Boon viviendo en San Pedro, de su infancia y esas cosas. Solo basta escuchar ese himno llamado "History Lesson, part II" para saber de lo que yo estoy hablando y, lo que es muchisimo mas importante, de lo que D.Boon estaba hablando. En ese tema cuenta de su introduccion al punk rock, de como el y Mike Watt se juntaban a tocar la guitarra en su habitacion, habla de Joe Strummer, de John Doe, dice algo como "we drink and pogo" y sentencia toda la cancion a la posterirdad con esa frase que tira al principio, casi bajito, esa que dice "our band could be your life" ("nuestra banda puede ser tu vida"). Todo dicho para un tipo que, pocos meses despues, fallece en un accidente automovilistico.

Y se va pasando el disco, con otras maximas como son los temas "This Ain`t no picnic", "Political Song for Michael Jackson to Sing", "Corona" (si, si, si el de "Jackass"), "Jesus and Tequila"...todos rapiditos, todos pegaditos como una sucesion de cachetadas que te van pegando en la cara.

Y encima con todo esto que digo todavia no logro entender porque Minutemen no es considerada la mejor banda del mundo. Si bien este disco esta considerado como uno bien grande por todas las revistitas que hacen esas listas corte los discos que tenes que escuchar antes de que te pise un camion (no niego que sean muy entretenidas, ojo), Minutemen sigue siendo una banda que no se tiene muy en cuenta, considerando lo que significo que hayan existido. Como decia mas arriba, parte de la renovacion que sufrio el punk en los ochentas no hubiese sido posible sin ellos. A su vez, esto quiere decir que posiblemente no hayan existido algunas de las mejores bandas de los noventas sin Minutemen. Por eso pienso que se tiene que dar a conocer mas que tipos como estos fueron capaces de subirse a un escenario y tocar punk con jazz, hardcore con funk y esas limancias, que, para la epoca, donde sino tocabas lo mismo que todos los demas eras absolutamente relegado, deberia ser tomado muchisimo mas en cuenta. Soy muy conciente que todos los contemporaneos a Minutemen (desde Black Flag a Sonic Youth), no se cansan de decir, incluso en entrevistas recientes, que D.Boon y compañia fueron una gran influencia para ellos, pero, aun asi, quiero mas. Quiero que todos me cuenten sus imagenes cuando escuchan el disco, quiero que todos hagan pogo conmigo escuchandolo, quiero que jueguen a ser Minutemen cuando lo escuchan, quiero, que, en definitva, esta banda sea su vida

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Off the record: hay un documental llamado "We jam Econo", dirigido por Tim Irwin, que muestra bastate bien como eran los dias en aquella epoca y tiene algunas imagenes que te hielan la piel. Mike Watt es el encargado de contar como eran las cosas por esos dias y el film, si bien cuenta con muchisimos hallazagos, se pierde en algun momento y no consigue estar a la altura del mito. Sin emabrgo, el footage y las performance en vivo la hacen de vision obligada para los amantes de la banda

2007-10-20T06:41:00.000-07:00

De vez en cuando aparecen cosas como estas, debo admitirlo. El año pasado se estrenaba por primera vez en la Argentina una pelicula de John Waters, "A Dirty Shame" y al poco tiempo el sello AVH la editaba en video. Ahora pasa algo parecido, que merece, definitavamente nuestra atencion. El sello ya nombrado, a partir del 24 de Octubre, saca a la venta las primeras las primeras obras de ese gigante de la cinematografia, llamado Jim Jarmusch. Si, aunque parezca demente lo que estoy diciendo, es verdad. Ojo, que a mi tambien me tomo por sorpresa la noticia, pero no hice mas que meterme a la pagina del sello y comprobarlo con mis propios ojos. Ahi estaban las tapas y no me importo mas nada. Desde "Permanent Vacation", primera pelicula de Jarmusch y una de las mas jodidas de conseguir que data de 1980, hasta "Dead Man", de 1995, considerado como el film que revitalizo la obra del director neoyorkino. Ademas de esas, la coleccion se completa con las peliculas que quizas sean dos de las obras mas importantes del cine independiente norteamericano contemporaneo, "Stranger Than Paradise" y "Down By Law", ademas de dos peliculas de transicion, tales como "Night On Earth" y "Mystery Train". Seis peliculas entonces son las que componen esta coleccion que viene a cerrar una deuda con el cinefilo argentino, ya que estos primeros quince años de Jarmusch como director eran las obras mas dificiles de conseguir y de ver, ya que a lo unico que se podia tener acceso eran o bien a dvds españoles o divx bajados y vendidos a cinco pesos en algun puesto del parque rivadavia. El resto de la obra de Jarmusch era de un acceso digamos, un poco mas facil. Peliculas como "Ghost Dog" (estrenada en la Argentina) o "Coffee and Cigarrettes", fueron editadas en video, al igual que su ultima film "Broken Flowers", que tuvo estreno en salas comerciales y posterior edicion en video, justamente por el mismo AVH. Asi y todo es dificil pensar que estas obras sean editadas, cuesta creersela. Sobre todo porque la obra de Jim Jarmusch, al igual que la del nombrado Waters, son peliculas dificiles, a las que no se les puede entrar asi nomas, y que definitavemente requieren su tiempo. Ambos por razones narrativas y esteticamente demasiados diferentes, eso queda clarisimo, pero creo que la sintonia es la misma. Dos grandes outsiders del cine norteamericano, fervientemente independientes y que responden unicamente a su sentido del arte, cosa que no negocian ni por afano. Esto es algo que se ve aun mas en la obra de Jim Jarmusch, en las que pareciese ser que el tiempo se para en un punto determinado y que cosas como el negocio en el cine, el cine mainstream y el mismisimo hollywood dejaran de existir por dos horas. Sin embargo, Jarmusch sabe muy bien lo que son estas cosas, y por eso, desde hace mas de veinte años, que viene generando un cine que se gesta justamente en las antipodas de este, al margen de todo lo que tenga que ver con hollywood y todas esas cosas que matan al verdadero cine de autor. O mas que matar, que suena bastante feo, cosas que no dejan crear un cine que no sea netamente comercial y que no genere dinero, claramente. Pero Jarmusch, como venia diciendo, se encargo de crear un obra absolutamente personal, unica, que responde unicamente a sus propios sentimientos como artista. Una obra que crea un mundo aparte, que sigue un ritmo unico y que si bien en algunos puntos tropieza, nunca se derrumba del todo. Y esta es nuestra oportunidad para ver como es que surge ese cine distinto, que se presento como un radical aire de renovacion, a principios de los ochentas, y que definitivamente cambio las reglas y la forma de mirar el cine independiente. Y al menos ahora podemos hacerlo demasiado bien, todo subtitulado, con una imagen digital y ya no mas en esos vhs y cds gastados, hechos mierda, (algunos hasta doblados al español!!): tal como el cine de Jarmusch se merece. Con estas seis peliculas, podemos decir, entonces, que la deuda, al menos con Jarmusch, quedo saldada.

Ahora, mas alla de que el unico motivo de esta nota era contarles sobre estas ediciones, yo no me voy a quedar sin decirles mas sobre Jim Jarmsuch, que es uno de los cineastas a los que mas aprecio les tengo y uno de los que verdaderamente aprendi, no solo otro forma de comprender el cine, sino tambien de crearlo y de darme cuenta de que todo es posible, si uno tiene lo suficientemente claro lo que quiere hace y, lo que mas mas importantes y una de las enseñanzas clave, si se es fiel a si mismo. Para mi eso es el cine de Jarmsuch: pura pasion. Mi pelicula preferida de el es "Down By Law" y despues de verla ya incontables veces, llegue a la conclusion de que es el film que mas en claro deja todo lo que es el universo del director. Desde la presentacion de los personajes, todos seres marginados, outsiders totales, perdedores, fracasados, hasta cuando se encuentran en la carcel y no les queda otra que trabajar en equipo, escaparse de nuevo de todo lo que el sistema les quiere imponer, para escaparse nuevamente del destino que les toca y dejar todo al azar, pero siempre demostrando que por mas acompañados que esten, los monstruiitos de Jarmusch son solitarios de por si, y que, en el fondo, asi es como mas les gusta estar. Lo que se debe parecer bastante a la vida de Jim, un joven que nacio en Akron y que desde pendejo se sentia muy atraido por las peliculas de clase b, y que ya de joven, estudiando literatura en una universiadad de Paris, descucbre todo un cine que lo termina de formar: desde Truffaut, Godard y todo el resto de la Nouvelle Vague, hasta directores norteamericanos que redescubre lejos de su cultura original y que vendrian a ser los que terminan de cerrar el ciclo: Nicholas Ray, John Cassavetes y largo etcetera, todos directores de los que realmente aprenderia. Con esto queda por demas obvio decir que la obra de Jarmusch esta impreganda con un olor a "retro" que se nota en todo, desde la narracion, hasta en los planos y el fundido a negro al final de cada escena, rasgos que pronto se convertiran en caracteristicos del director. Todo estos elementos se pueden ver en sus tres primeros films. Filmados en blanco y negro, "Permanent Vacation", "Stranger Than Paradise" y la ya nombrada "Down By Law", son las peliculas que mas encierran el universo Jarmusch. Todas las obras cuentan la historia de personajes urbanos, sucios, absolutamente noctrunos, que divagan en las noches de Nueva York como fantasmas solitarios y que se mueven en una fauna que no esta muy alejada de lo que ellos mismo representan. Es asi como por estas tres peliculas se pueden ver desde prostitutas hasta policias, drogadictos, ladrones, buscavidas y demas bichos nocturnos. Sin embargo, todos estos elementos, que en la mano de directores como Abel Ferrara o el mismisimo Scorsese en su mejor momento serian una bomba, en Jarmusch todo esta mostrado desde una mirada austera, hasta melancolica te diria. Ademas de estos elementos, se repiten otros mas, como el vistante que siempre llega de algun pais europeo. En "Stranger Than Paradise" la llegada de una prima lejana a New York es el disparador para que la pelicula despegue y que se presente como una de las obras definitivas del primer Jarmusch, quizas la pelicula que mas muestre la austeridad esa de la que te hablaba mas arriba. Lo mismo con ese Italiano que representa Roberto Benigni en "Down By Law". El minimalismo es otra de las claves del cine de Jim. La puesta en escena de sus films y esos largos planos secos, duros, ponen en descubierto que a Jarmusch no le hace falta mucho para generar buenas cosas. La mayor parte de "Down By Law" sucede dentro de una celda, o sea cuatro paredes. Y nada mas que eso le alcanza y le sobra para retratar a estos personajes solitarios, dembulantes, que esconden mas de lo que dicen, pero que igual dejan en claro todo.

Otra de las cosas que mas me gustan de Jarmusch es que es un director por demas rocker. Y eso hoy dice mucho. Su cine surge en una Nueva York comandada por el movimiento punk que recien estaba calentito, recien salido del horno y todo ese aire que se respiraba en la entrada del CBGB`S, por decirte algo, se respira totalemente en las sus peliculas. Es por demas sabido que Jarmsuch es un melomano empedernido y que, como pocos directores hoy en dia, su cine y la musica van de la mano. Por eso no duda en poner a actuar a musicos en muchas de ellas. Tanto John Lurrie como Tom Waits son dos colaboradores miticos de sus primeros films, y buena parte de la mistica y el culto que encierra la obra de Jarmusch es, en parte, generada por las actuaciones de estos dos. Primero porque no debe haber persona mas urbana y nocturna que estos dos tipos, y ver "Down By Law" te saca cualquier duda que puedas tener al respecto. Verlo a Waits cantar a acapella una cancion que dice algo asi como "it`s a sad and beatiful world" en una de las escenas de "Down by Law" es una de las imagenes mas perfectamente Jarmusch que hayan existido alguna vez en su cine. Es la que mas encierra todo lo que significa una pelicula del tipo. Pero el rock y Jarmusch no se termina ahi. En 1997 hizo "The Year of the Horse", un documental sobre la figura de Neil Young y en "Coffee and Cigarrattes" se pueden ver a The White Stripes haciendo su primera aparicion en la pantalla grande, a Iggy Pop en un corto antologico junto con Tom Watis y a los raperos de RZA quienes ya habian colaborado con el director, haciendo el soundtrack de "Ghost Dog"

Joe Strummer tambien supo ser de la partida Jarmusch-su colaboracion en "Mystery Train", pelicula dividida en tres partes, es, a esta altura, mitica. Strummer interpreta a Elvis en el capitulo "Lost In Space", con lo cual, creo que queda todo dicho. "Mystery Train", sin embargo, al igual que "A Night on Earth" son las peliculas mas raras en la obra de Jarmsuch. Se podria decir que son una especie de peliculas "universales", donde eso de la "internacionalidad" que se veia en las primeras obras de Jarmusch, el hecho de retratar a los extrajeros en las grandes urbes y su determinada conducta, se eleva aun mas en estos dos filmes. "Mystery Train" tiene un segmento, el primero de ellos, dedicado a dos adolescentes japoneses merodeando pueblos de los Estados Unidos. Algo que tambien comparten estas dos peliculas es que cuentan con la caracteristica de que, si bien son historias que se se cuentan en distitnos lugares, suceden en la misma noche. "A Night on Earth" parte justamente desde este punto: distintas historias que suceden en distintas partes del mundo (New York, Italia, Helsinki y un par mas), contadas arriba de un taxi. Historias chiquitas, pero enormes, que integran a pocos personajes, a veces simplemente a dos: el taxista y su pasajero. "A Night On Earth" es Jarmusch en su totalidad: la noche, lo urbano, la soledad del taxista, pero tambien la del pasajero. Y ambos unidos por un par de minutos. Y la misma cosa que se sucede una y otra vez. Si bien ambas peliculas cuantan con varios de los elementos basicos del mundo del director, son, a su vez, las que mas de despegan de todo lo que Jarmusch supo ser. Lo primero que viene a la mente es que son los primeros filmes que realiza en color y, obviamente, que cuenta con un presupuesto muchismo mas grande que con el que solia contar. Es por eso mismo que no tuvieron la inmediata aceptacion, cosa que si pasaba con sus obras anteriores. Ambas son como peliculas que se olvidan cuando se habla de su obra, como que uno dice "ah esa la hizo el?". Sin embargo, parece que el tiempo le esta dando la razon. Justamente viene barbaro que se editen, porque asi tenemos otra oportunidad para revisarlas y encontar, en definitva, que son dos obras maduras de un cineasta que se encontraba en busqueda.

"Dead Man" trae al Jarmusch de los primeros dias. Filmando otra vez en blanco y negro, es considerada como la obra que revitaliza su cine. Presentada como un western extencialista, minimalista y austero (los tres grandes pilares de su cinematografia), "Dead Man" fue la que puso de nuevo las dudas y el pulso que tenia el Jarmusch de principios de los ochentas. Es, ademas, uno de sus films mas comprometidos politicamente, ya que pone en el blanco el racismo y la forma en la que los aborigenes americanos fueron marginados de los pueblos. Entonces ahi lo vemos a Johnny Deep, hombre de la ciudad, sufriendo una transformacion que los sobrepasa, que lo lleva al crimen no deseado, y despues escapando y conviertiendose en lo que alguna vez supo ser. Un guion autenticamente Jarmusch. El viaje queda aun mas acentuado gracias al ideal soundtrack compuesto por Neil Young, la cual seria la primer colaboracion que tendrian el director y el musico.

En definitiva, tenemos mas que razones de sobra para volvernos a encontrar con estas obras, y, de mas esta decirlo, que si nunca viste nada relacionado a Jarmusch, tendrias que tomar esto como una señal divina y conseguirte cada uno de estos seis dvds que forman parte de la coleccion. Esperemos que esto sirva como disparador para que los distribuidores y editoras locales se animen a editar obras distintas, un poco mas de cine de autor (que seguro que llega al cine, pero no a los video clubs) y peliculas de dificil circulacion. Las de Jarmusch, podemos decir ahora, solian serlo. Que el tiempo diga como viene la cosa. Por ahora, tenemos para empacharnos.

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