sábado, 30 de mayo de 2009

Discos!

Despues de un tiempo sin subir nada al blog (debido a un montón de cosas, todas ellas sin demasiada importancia) decido retomarlo comentando algunos discos que, desde la última entrada del blog, allá por ¡Febrero!, estuve escuchando. Algunos son mas interesantes que otros, seguramente que ya algunos ni siquiera vale la pena comentar y quizas hasta haya algunos que no siquiera han sido editados todavia (las delicias del leak, ay). Pero, como sea, aca están. Vuelvo con el blog.

Pajo / Scream With Me (Black Tent Records, 2009)
Pajo hizo lo que alguna vez a todos se nos habrá cruzado por la cabeza. Agarro una portaestudio, su guitarra y se puso a tocar los temas de Misfits que mas le gustaban, que, da la casualidad, son los mejores, los himnos clásicos, los que se cantan a los gritos, los que van desde "Walk Among Us" a "Legacy of Brutality". Si siempre hubo algo de romanticismo en las canciones de Misfits (mas que nada en el periodo mas grlorioso, que es el mismo que reividica Pajo en su disco, en el que Danzig era cantante), Pajo las saca de su contexto punk y las deja al desnudo, solo con la piel. Lo que quedan son canciones de una intimidad bellisima, suaves en su composición, pero fuertes en su anatomia, duras, extrañamente melancólicas. Escuchar "Hybrid Moments" por Pajo es descubirir la hermosa canción de amor que es, lo mismo con "Attitude", que, desprovista de todos sus gritos guerreros, de su agresividad simpática, se convierte en una canción tenue, triste, de melancólia casi otoñal. Pero hay algo que siempre queda, y es justamente esto lo que hace que el experimento salga bien, que es que las canciones nunca dejan su caos emocional, musical, mental, o como queramos llamararle, sino que la magia de las canciones queda, sobrevive y da lugar a que se formen otras emociones, embarradas de las originales, de las pensadas por Misftis, constituyendo otra cosa sobre lo mismo. Queda la rabia, ahora quizas menos suelta, pero encerrada bajo las cuatro paredes de una habitación, retumban mas. Hay algo de adolescencia en el experimento de Pajo, algo de rememorar viejas epocas en pogos apretados, empapados en transpiración, una forma de mirar los tiempo de la guerra hardcore con cariño, a la distancia, con los discos de los Misfitis bajo la almohada y soñar con espiritu low-fi. Pajo aúlla con sus idolos. Y lo que sale es un disco que va mas allá del homenaje y que reinvdica completamente las canciones de nuestros cuatro monstruos preferidos.

Magik Markers / Balf Quarry (Drag City, 2009)
Desde las alcantarillas de la ciudad que nunca duerme, desde ese humo que sale de las calles de New York, desde el piso mojado, de ahi mismo, sale la música de Magik Markers. Ya hemos hablado de ellos aca en el blog a partir de su disco anterior, que nos gustó mucho. Ahora, con su flamante "Balf Quarry" cambian de sello (se van de Estatic Peace a Drag City), pero siguen con las mismas mañas. Si bien se nota un esfuerzo medio incompresible por querer llevar su caos músical a terrenos mas accesibles (cualquiera que escuche sus primeros experiementos en cd-r sabrá de lo que estoy hablando), siempre parece que todo se les sale de las manos: cuando mas control quiren meter, mas descontrol parecen crear. No se que les parecera a ustedes, pero yo noto en el disco una cierta desprolijidad que se me hace no premeditada. Siento que en pos de querer crear un disco un poco mas facil de escuchar, les quedo un collage de estilos que, a las primeras escuchadas, molesta un poco, por indeciso, pero que, con el tiempo, se le va agarrando la onda. Entonces, "Balf Quarry" va desde los climas mas salvajes, desprovistos de toda idea de organización, en donde prima el caos sonico y el salvajismo musical, a canciones mas climaticas, de sensaciones mas acomodadas, de un orden mas especifico. Una cancion como "Don't Talk In Your Sleep", que es una de las mejores del disco, da una buena idea de lo que podria haber sido el álbum si le hubiesen dado para adelante con esas melodias. De ritmo cansino, dormitado, entre el shoegaze menos educado y el noise mas suelto, esa clase de canciónes son los puntos mas altos que alcanzan Magik Markers. Por suerte, en "Balf Quarry" hay bastante de eso, donde las melodias se transforman mas en texturas que en ritmos, como una bruma pesada, como humo rojo y transpiración que se pega en la piel despues de una fiesta espumosa. Cuando se dejan poseer por las capas de ruido blanco, cuando la ola sónica parece llevarse todo, ahi es cuando su música se aprecia mas, antes que en las canciones mas caoticas y supuestamente mas descontracturadas. Indecisos, entonces, asi estan Magik Markers. Ahora, depende de ellos decidir si sus discos se van a mantener entre los dos estados o si mejor, de esa mezcla de polos consiguen que la mugre y el cuelgue se unan, en favor de un mundo sónico mejor, mas sordo, mas juguetón.

Dan Deacon / Bromst (Carpark, 2009)
Dan Deacon es un muchacho que siente muhco amor por sus teclados, por sus sintetizadores y por crear, mediantes ellos, unas melodias que parecen de jugeutes, como rodeadas por bubujas, efervescentemente pop, de multisabor, un tutti frutti musical. Ruiditos entonces, ruiditos y mas ruiditos. 8bits, a veces, mas complejas otras, siempre todo con un espritu pseudo hardcore que se cuela por las canciones y por unas presentaciones en vivo que siempre terminaban con toda la gente arriba del escenario o bien él abajo, con toda la multitud (o eso es lo que nos mostraban las fotos y lo videos que vimos alguna que otra vez), algunas de ellas adornadas, construidas y manipuladas por ciertos coros que parecen expandirse hasta el infinito, al igual que sus canciones que empiezan desde lo mas minimo, como canciones de cajitas musicales que se van expandiendo mas y mas hasta explotarlo. Eso era mas o menos el moderado encanto que tenia su primer disco, "Spiderman of The Rings", que tenia un par de canciones que se te pegaban en la cabeza como chicle. Ahora, con el fin de llevar todos esos logros a dimensiones aún mas altas, Dan Deacon muestra "Bromst". Si bien es claro que hay una evolución con respecto a su disco anterior, lo cierto es que me quede completamente afuera de todo el asunto. Ni bien escuche el disco, empece a sentir que habia algo mal en todo el asunto. Evidentemente Deacon logró expandir su universo músical, pero el disco me resultó demasiado empalagoso, tanto, que hasta me dejó empachado. Esta claro que el exceso era (es, de hecho), una de las claves de todo el asunto, porque se trata justamente de eso, de la explosión absoluta de todos los elementos, de llevar al maximo todo lo que se presente, de prender fuego todos los aparatos que a Deacon se le pasen por la cara. Pero las explosiones, asi como las peliculas de acción, me resultaron artificiosas al pedo, y pretenciosas a mas no poder. Deacon mete de todo y algunas cosas resultan hasta incomprensibles, totalmente injustificadas. Tal es lo que pasa en el tema "Wet Wings", en el que la voz de una mujer cantando en ¿árabe?, todo con un clima asi medio world music, es la parte central del tema. Esto es una muestra clara del exceso sin motivo que reina en todo "Bromst". Dan Deacon no sabe hacer síntesis, y, esta bien, quizas eso no sea lo que le interesa, cuestion que se hace muy evidente en la duración de la mayoria de las canciones que van de seis minutos para arriba (y es un disco de once canciones..), lo que hace que cualquiera que noe ste acostumbrado a este tipo de música de asfixie de inmediato. Y, repito, ese clima se refuerza porque Deacon no da lugar al respiro, a la reflexión de lo que se esta escuchando: es todo mas, mas y mas. Es como una fiesta interminable, pero aburrida, donde todos los invitados son gente densa que tiene aspecto interesante pero que, apenas los empezas a conocer, te das cuenta de que son todo lo contrario. Finalmente, el problema radica en que Dan Deacon me quiere decir algo, pero no lo puedo comprender. Es una comunicación que falla, por exceso de contaminación sonora.

Black Moth Super Rainbow / Eating Us (Graveface, 2009)
Todo lo que Dan Deacon no entendió, lo entendieron a la perfección los Black Moth Super Rainbow. Ensalada multicolor, psicodelia que brota de todo el cuerpo, lisergia infantil y un cementerio de vocoders, baterias electronicas, sintetizadores, casettes y cualquier cantidad de instrmentos-juguetes son las armas con las que se muestran y lo que construyen con eso son verdaderas gemas de pop trashero, insolado. Asi estaban las cosas desde su último disco, "Dandelion Gum" que fue uno de nuestros discos preferdios del 2007. Con "Eating Us", las cosas parecen cambiar un poco. Opuesto ya desde la tapa, los colores fuertes y multiplicados de su disco anterior, pasan a un sepia, apagado, envejicido. Lo mismo se percibe en las canciones que construyen el disco. Mucho mas elaboradas bajo una forma convencional, donde se percibe menos caos lisergico y mas sencillez, Black Moth Super Rainbow parece renunciar a medias a su estilo, para transformar sus canciones en algo mucho mas etero, pero no por eso menos volador. El cilma que rige el disco es un poco pesadillesco, definitavemnte oscuro, como si los trips espaciales de su disco anterior ahora nos introducen en un bosque espeso, donde la luz del sol esta tapado por las copas de los árboles. Las canciones, mucho mas organizadas, claras, precisas en su propósitos, estan muchisimo mas ajustadas, con una construcción que hace pensar, en algunas ocasiones, a Air. La comparación es, si, rara, pero creo que esta vuelta de tuerca hacia tierras menos ácidas es un acierto, algo que definitivamente vuelve mas interesante a la música de BMSR. Esta bien, se puede decir que no hay demasido riesgo, que sus discos anteriores eran, en ese sentido, mucho mas festivos, desontrolados, aspirando al exceso como medio para dar vuelta todo, pero a mi no me parece tan asi. Me da la sensación de que lograron encontrarle la vuelta a su música, y que la bizazrreada de sus canciones, aún en estas construcciones mas "estables", todavia se escucha, ahora en formas que hacen destacar la precisión de las melodías. "Born On A Day The Sun Didn't Rise", el tema que abre el disco, es la muestra mas clara de esta nueva vuelta de tuerca de la banda: se los escucha mas claro, mas concisos y muchas de las canciones de este disco, me la juego, son posibles candidatas a las mejores del año. Mucho de esa clase de canciones ya se encontraban en sus discos anteriores, pero, ahogadas en medio de una cantidad enloquecida de melodias de pura liergia endemonidad, la psicoledia melancólica que se siente con creces en este disco, quedaba totalmente opacada. En vez de dieciocho canciones, ahora se quedan con doce, doce canciones que van creciendo y agrandandose mientras las escuchas se repiten. Se trata de eso, de ver que se puede hacer limpiando la mugre y sacandole brillo a lo queda. Lo que consiguen es salir de su propio enroscamiento, respirando mas, haciendonos bailar mas. Y viajar, viajar y viajar.

viernes, 16 de enero de 2009

rewind 2008 - cine

Esta lista se me impuso como una obligación: fueron muchas las buenas peliculas vistas en el año como para ni siquiera nombralas. Toda lista, claro, tiene algo de diversión e incluso perversión en su realización, pero, como bien claro lo dice el amigo Agustín en su blog, fueron muchas las razones para que esta lista tardara tanto en aparecer. Tarde, si. Pero ya saben el dicho ese.


La Mujer Sin Cabeza / Lucrecia Martel

O como todo el universo de una directora, todas sus ideas, todas sus preocupaciones finalmente se agrupan dando una pieza única, enorme, que crece y crece cada vez mas a partir de cada mirada. Lucrecia Martel sigue dando muestras de que lo suyo es un cine que apunta a mas a la percepción que al entendimiento, que busca envolver al espectador y moverle los estados y para ello utiliza como nadie todos las herramientas que el cine le da: desde una puesta en escena . Con "La mujer sin cabeza" no solo lo logra, sino que tambien se instala definitvamente como una de las autoras que, vaya paradoja, mas cabeza tiene en el cine local.

There Will Be Blood / Paul Thomas Anderson
La historia americana vista desde la optica de un neurótico como PT Anderson no podia dar mas que una pelicula avasallante, que derrama cine en cada uno de sus fotogramas. Y para contar esa historia (que es, a su vez,
esta historia, la de hoy, la de ayer y posiblemente la de mañana), no solo da rienda suelta a su ya conocido gusto por los artificios cinematográficos, sino que aprovecha para mostrar cuánto ha aprendido de la otra historia americana: la de cine. Desde Kubrick hasta Scorsese, "There Will Be Blood" cita a todo lo que hay que citar. Quizas un poco excesiva en el armado de sus personaje principales, posiblemente sea ese mismo exceso en todos sus aspectos lo que hace de "There Will Be Blood" una pelicula ejemplar, valiente y encantadoramente desquiciada.

Historias Extraordinarias / Mariano Llinás
Una pelicula enorme en todos y cada uno de sus sentidos. Enorme en su duración, enorme en la aventura que propone, enomre en su experimentación, enorme en su valor. La pelicula mas ambiciosa que haya dado el cine independiente local (y esta vez la palabra independencia nunca estuvo mejor aplicada) es, a su vez, la mas pequeña en terminos económicos, claro, porque en todo lo demas, dijimos, es enorme. Pero quizas su mayor logro, y eso que tiene muchos, pero se sabe, estamos hablando de una pelicula que tiene mucho de todo, el mayor logro de estas "Historias Extraordinarias" deciamos, era el de dejar al espectador completamente estupefacto, nerviosamente inquieto, creyendo fervientemente que todo lo que uno se propone hacer es, en definitva, posible. Si eso no es el proposito final del cine, bueno, que alguien venga y me lo explique.

Shara + The Mourning Forest / Naomi Kawase
Este año tuvimos dos motivos de sobra para poder, de una vez por toda, adentrarnos por completo en el extraño mundo de esa gran realizadora llamada Naomi Kawase. A mediados de año, tuvimos el estreno de una de sus últimas peliculas, la enorme "The Mourning Forest" y ya casi para el final del mismo, tuvimos el agrado de ver en filmico una de sus obras mas laureadas, "Shara". Ambas peliculas no solo sirvieron para ponerse al dia con la obra de una de las artistas mas celebradas del cine actual japones, sino tambien para que nos dieramos cuenta de que no debe existir otra cineasta mas interesada en la vida que Kawase. Y cuando me refiero a la vida, lo hago en el sentido mas estricto de la palabra. Los films de Kawase hablan de eso, del desarrollo inevitable de las cosas, de los nacimientos, de los progresos, de las alegrias, de las tristezas y claro, de la muerte. Pequeñas gemas que no hacen otra cosa que mostrar que justamente eso, lña vida, se observa en las cosas mas pequeñas, en lo imperceptible. Por eso las peliculas de Kawase son pacientes, de una rara extrañeza contemplativa. Y piden claro, paciencia: es un viaje largo y hay todo un mundo por descubrir.

Paranoid Park / Gus Van Sant
Otra vez Gus Van Sant retratando a sus adolescentes , otra vez skaters, otra vez la muerte como punto de partida hacia el interior de las mentes mas confundidas de la norteamerica actual. Otra vez Elliott Smith como soundtrack de las almas oscuras. Otra vez los pasillos de las escuelas, vacios, silenciosos. Otra vez los travellings, el sonido que hiela la sangre, la fotgrafia esplendida. Otra vez Gus Van Sant demostrando que lo suyo es reinvención pura, que se puede contar las mismas cosas de maneras distintas, moviendo un poco las perillas y ajustando mas el ojo. Pero teniendo, por sobre todas las cosas, un talento innegable para mostrar esos mundos privados cada vez con mas pasión, mas ganas, mas comprensión, mas cine. Mas.

Persépolis / Marjanne Satrapi y Vincent Paronnaud La animación del año no fue ni el panda karateka ni el robot incomprendido de Pixar, sino que fue esta, "Persépolis", obra mas de qualite si se quiere, si, que es en blanco y negro, de texturas rugosas, de tonalidades grises, oscuras. Marjanne Satrapi, antes de transformar su vida en pelicula, primero la transformó en comic, donde ya se podia ver como fue crecer en una Palestina en su punto máximo de conflicto, entre guerras, bombas y explosiones. La enseñanaza de buscarse un lugar en el mundo, de crearse pequeños espacios en donde los ruidos terribles se transformen en música; un pequeño lugar en el mundo. Una pequeña gloria a 24 cuadros por segundo.

La Nube Errante / Tsai Ming-Liang
La demencia de nuestro amigo Tsai en su máxima expresión. Lo que plantea en "La Nube Errante" es tan delirante que termina siendo querible. Como ya lo viene haciendo desde hace un par de peliculas atras, lo que presenta es un mundo sumido al inminente apocalipsis, al caos total. En un mundo caluroso, donde el agua escasea, dos personas se conocen, empiezan a entenderse a su modo, comen juntos, se dan unos besos y en medio de todo eso, el delirio: números músicales sacados directamente del peor viaje ácido que pueda tener una persona, pornografía explicita y sandía por todos lados. La forma en la que todo eso se une en una obra que termina siendo totalmente coherente en su puesta, en su narración, en su universo es, sin duda, una de las muestra mas palpables de que el cine de Tsai Ming-Liang es pura magia.

Planet Terror / Robert Rodriguez
Finalmente, el diptico "Grindhouse" llegó a las pantallas locales en forma separada. La de Tarantino se espera para mediados de este año, y, como para calmar la espera, diciembre nos trajo la otra parte del experimento, la parte de la que casi nadie habló, ni para bien ni para mal, totalmente opacada por el nuevo juguetito filmico tarantinesco. Lo cierto es que la pelicula de Rodriguez es anarquia visual pura. Todo estalla, todo explota, todo parece a punto de irse a la mierda en cualquier momento, donde la destrucción esta a la orden del día. La historia es sumamente incompresible, no hay explicaciones de ningun tipo, solo la necesidad de aventura gore en forma excesiva. Cine de super acción para adictos a las berretadas, homenaje cinéfilo posmo-trash si se quiere, "Planet Terror" es lo que Tarantino se olvido: que las peliculas no deben hacerse en piloto automatico, sino que deben realizarse con mente-corazón y alma en el mas alto de los pedestales. Rodriguez, siempre haciendo cualquiera, esta vez consigue una pelicula donde todo parese palparse, donde todo esta en forma sumamente excesiva, voluptuosa. Donde el cine parece escupirnos directamente en la cara-

The Heart Is Deceitful Above All Things / Asia Argento Como buena femme fatal que es, la pelicula de Asia Argento incomóda, molesta, divierte y seduce, aunque no exactamente en ese orden, claro. De un crudismo durisimo, el film de Argento es una montaña rusa llena de vueltas a 360 grados., un raro caso de sadomasoquismo en pantalla grande y todo color. Pedofilia, drogas duras, violencia extrema, cameos de Marilyn Manson, entre otros excesos, hacen que esta pelicula sea un gran grano lleno de acne justo en el centro de la cara: hay que explotarlo para que que todo el espejo quede manchado, actividad que si, es dolorosa y sumamente asquerosa, pero tambien jodidamente divertida.

The Brown Bunny / Vincent Gallo
La pelicula de Vincent Gallo, conocido por su entusiasmo siempre propenso a la polémica, sorprende por su hipnotismo. Una road movie que, como toda road movie, tiene algo de existencial, algo de pena. La primera mitad de la pelicula es simplemente eso: Gallo recorriendo rutas, a veces nubladas, a veces soleadas (la forma en la que la luz, el sol, entra en los fotogramas de esta pelicula es algo que hiela la piel, realmente) en medio de un caos personal que seduce. Las rutas, las que recorre con su moto amarilla, son solo una excusa que invita a otro viaje, uno mas mental, mas personal, mas desarmado, que va formandose a medida que la cinta se desarrolla. Visualmente descarnada, autentica, "The Brown Bunny" finalmente se desecadena en uno de los finales mas desubicados y necesarios de la historia del cine. La pelicula toda se deshace en esa escena, en esa habitación, en esa cama. Todos los caminos recorridos, los de asfalto y los otros, los mentales, concluyen finalmente y lo único que pedimos como espectadores es que el celulide se prenda fuego ahi mismo, ahora. Y que las luces no se enciendan nunca mas.

Juno / Jason Reitman
"Juno" es la clase de pelicula que si vuelvo a ver, no me gustaria en lo mas minimo. Por eso, rescato y resguardo en mi memoria la encantadora hora y media que pase mirandola. Recato y resguardo, decia, esos momentos en los que la pelicula se escapa, finalmente, de esa sensibilidad indie mediocre y se atreve a ser algo mas, a salirse un poco del molde, cosa que, si, consigue a medias, pero bueno, se atreve. Rescato y resguardo, continuo, a una de las protagonistas mas encantadoras de la temporada y, por último, rescato y resguardo en mi mente ese momento en el que los titulos empezaron a aparecer en la pantalla y en mi cabeza el único pensamento, salvador, inesperado quizas, ese que decia que, despues de todo, "Juno" no esta tan mal.

Otras peliculas de este año que sufren el mismo sindrome son:
Eastern Promises de David Cronenberg (que, ahora que lo pienso, ni siquiera la disfrute tanto en el cine), Two days In Paris, de Julie Delpy (peliculas con muchas, muchisimas posibilidades de haber estado en la lista oficial,. pero el final la termina tirando un poco abajo, lamentablemente) y la argentina Los Paranoicos de Gabriel Medina

The Darjelling Limited / Wes Anderson

Caso contrario al de "Juno": la última de Wes Anderson es una pelicula que me decepcionó bastante en su primera mirada y que terminé de comprender cuando finalizó la segunda. Ok, "The Darjelling Limited" es casi casi un manotazo de ahogado, una muestra precisa de que el universo Anderson (con todos sus ralentis, sus travellings, sus colores, su soundtrack ultramega cool de siempre y sus conflictuaditos de turno) se esta vaciando, quedando sin idea, cansando, bah. Pero, y siempre pero siempre va a haber un pero tratandose de Anderson, asi y todo "The Darjelling Limited" es una pelicula que rankea alto en mi lista personal de "segundas oportunidades" porque comprendí, decia al comienzo, que simplemente lo que Anderson hace en esta pelicula es lo que mejor le sale, lo que mas le gusta: ser él mismo. Y en ese sentido, la historia de los tres hermanos Whtiman vagando por la India con las valijas de papas (si, la metáfora es bastante obvia) es lo mas Anderson que hay.

Lo que no estreno, pero vimos en festivales o de formas ilegales

Pinapple Express / David Gordon Green
Si hacemos la cuenta, la ecuación no deberia dar un número tan redondo. A ver. Por un lado, tenemos a
David Gordon Green, director de peliculas indie de qualite, autor de la enomre "All The Real Girls", y, por el otro, Judd Apatow, nuevo niño mimado de la comedia norteamericana actual, principal exponente de los nuevos aires frescos que vienen de esos rumbos, director de dos de las mas grandes peliculas de comedia de estos tiempos, es decir, "Knocked Up" y "The 40 year Old Virgin", guionista tambien de "Superbad" y aliado, a su vez, con una de las caras mas conocidas de estas nuevas comedias, Seth Rogen, quien si no actua en sus peliculas, las escribe. Ahora bien, todos estos elementos se unen para dar lugar a "Pinapple Express", y, sorprendentemente, el resultado es un número ideal, preciso, necesario. Veamos cuales fueron los elementos que permitieron que esta pelicula sea la que mi cabeza recuerda con mas frecuencia. Gordon Green, se sabe, tiene una especial obsesión con todo el periodo setentero del cine: le gustan mucho, por ejemplo, las peliculas de Terrance Mallick, cosa que salta a la vista al ver sus peliculas. Appatow, oh casualidad, tambien es fanatico de ese periodo, pero lo suyo no pasa tanto por Mallick y el cine contemplativo, sino mas bien por la comedia rebelde y explosiva de esos tiempos, del primitivo "SNL", las buddy movies y esas cosas que, claro, al ver sus peliculas uno se da cuenta cuanto lo influenciaron. Bien. Hasta ahi vamos. Ahora llego el momento en el que los dos elementos principales de nuestra ecuación se conectan, dando lugar a la extrañeza matemática. Parece ser que un dia se juntaron y pusieron a charlar y se dieron cuenta de que, como ya pudimos nostros deducir, ambos tienen mucho en común, mas de lo que pensaban, seguramente. Lo cierto es que, por si todavia no se dieron cuenta hacia donde voy con todo este texto que ya se volvió aburridisimo, es que, decia, que a Gordon Green le gusta tanto el cine de los setenta que, claro, tambien le gstan las buddy movies, el cine blackxplotation y las comedias corrosivas de esos tiempos. Y entonces, y aca es donde la cosa se pone interesante, ambos elementos, incluida la potencia Rogen, de la que ya hablaremos, se unen y dan vida a esta pelicula que es, si, una celebración.

"Pinapple Express" esta destinada a ser uno de los puntos mas altos de la comedia norteamricana actual. Su espiritu, drogon, aventurero y raramente oscuro por momentos, es algo que no se suele ver mucho. Una anomlía total, una veneno que se convirtió en antídoto. Una comedia inusual, que cuenta las peripecias de tres personajes a los cuales, intuimos, lo único que parece conectarlos es su amor (si, amor) hacia la marihuana, pero, como ya vimos con el caso director-guionista de esta pelicula, la gente, esa conexión, minuscula en un comienzo, dará lugar a todo un mundo desconocido. Buddy movie drogadicta, comedia fisica, de aventuras bien de pelicula de domingo en vhs, "Pinapple Express" es mucho mas que un mero ejercicio retro; es, mas bien, el punto en el que todos los elementos incorrectos, dijimos, se unen por el bien de la humanidad y la salvan de los peores males, que en este caso serian miles de comedias mediocres ala "American Pie 875". Existen los milagros.

Wendy and Lucy / Kelly Reichardt
"Wendy and Lucy" es la segunda pelicula de Reichardt, quien tiene el merito de haber filmado anteriormente una pequeña gran pelicula llamada "Old Joy". La directora se presenta como una de las mejores observadoras del cine independiente actual; observadora porque lo suyo es un cine que parece no hacer otra cosa que estar con sus personajes un momento, en un determinado punto de inflexión de sus vidas, para despues dejarlos ir, convirtiendo ese momento, esa vida, en algo significativo. En "Wendy and Lucy" se centra en Wendy, justamente, y Lucy, su perra, dos seres que andan en busca de algo, algo que la directora va mostrando de a poco, como pidendo permiso a sus personajes, como esperando que ellos mismo se lo muestren. Observa, no se mete en lo que no le importa. Sus personajes, tanto en su opera prima como en esta pelicula, parecen estas suspendidos, como en pausa. Vagan, esperando un momento para actuar, en espacios a los que la directora les da una importancia radical. En su anterior film, era el bosque, que se presentaba como un espacio oculto, como un limbo de vegetal. En "Wendy and Lucy" es una ciudad casi fantasma, vacia, lo que actua como ambito de los personajes. Todo en la cinta parece enfermo, como a punto de morir; hay un estado de abstracción realmente poderoso. Es a su vez, una road movie estancada, perdida. El auto de Wendy, que tambien utiliza como hogar, está roto, con lo cual no vamos (ni nosotros ni la directora) a ningun lado. Reichardt muestra con todos estos elementos, con todos estos indicios, que la protagonista tuvo un pasado dificil, que, evidentemente, ese viaje estancado parece subsanar, pero tal cosa se torna muy difici. Es, a su vez, una pelicula de un grado politico altisimo. El estancamiento, del auto, de la ciudad misma, es toda una declaración sobre un estado común en la sociedad norteamericana.

Cuando la pelicula termina, la sensación que a uno le queda es una muy amarga, si, pero tambien una felicidad enorme de saber de que, en un rincón del mundo, auqnue sea uno muy chiquito, todavia hay directores que se preocupan de hacer de las cosas menos importantes las mas importantes de todas. Y de hacer de la observación el oficio mas grande.

Baghead / Jay & Mark Duplass
Que esto del Mumblecore parece que en realidad nunca fue algo demasiado sustancioso, es, a esta altura, una afirmación bastante certera. Lo cierto es que de ese semillero hoy francamente agotado, pudieron surgir algunos directores y/o peliculas interesantisimas, evidencia que se mostro en carne viva para todos aquellos afortunados que pudieron ver el gran ciclo que se le dedicó al movimiento en el último festival de Mar del Plata. Ya hablamos un par de veces de Bujalski, deberia haber dicho algo sobre el trabajo de Aaron Katz, pero lo que mas me importa en este momento es dejar escrito que las peliculas de los hermanos Duplass son la célula mas viva e inquieta de todo este asunto.
"Baghead", su segunda pelicula luego de la enorme "The Puffy Chair", es algo bastante extraño, que puede ser entendida como una gran sátira a todo lo que el cine independiente significa hoy en dia. Con un cierto aire a la mockumentary sin llegar a serlo del todo, "Baghead" cuenta la historia de un grupo de amigos deciddos a pegarla de una buena vez por todas en esto del cine, y para ello, emprenden la buena idea de filmar una de terror "a la blair witch" durante un fin de semana. En fin, se imaginaran que tomando eso como punto de partida, lo que sucede en la pelicula es una serie de eventos bastante graciosos, con un supuesto asesino dando vueltas por el bosque con una bolsa de esas de supermercado en la cabeza. Pero lo cierto es que la pelicula de los Duplass es un tremendo alegato en contra "del movie buisness", y es, a su vez (lo que los hace mas lúcidos aún), un pequeño dedo en el orto a toda la "comunidad mumblecore", un pequeño almohadazo en la cara que parece decír, a fuerza de buen humor y un poquito de acidez, "despierten!"


domingo, 14 de diciembre de 2008

rewind-2008 discos

No deja de ser curioso el caso de este blog. No subo una entrada digna en todo el año y cuando, finalmente, ya tengo algo de tiempo para poder escribir una entrada sustanciosa, ya estamos a fin de año. Y todo fin de año, como se sabe, trae listas. Y las listas de fin de año, en este caso, no solo me sirve para elegir cuáles de todos los discos que escuché fueron los que mas me gustaron, sino tambien para quitarme la modorra de encima y hacer un breve recuento de todos aquellas músicas que escuché estos últimos meses y tenia ganas de comentar. Asi que, un poco de todo, casi como siempre.

Portishead / Third Si de casos curiosos hablamos, el de Portishead deberia ser el mas curioso de todos. Despues de un hiatus larguisimo, donde casi casi los dabamos por extintos, salen con un disco tan inesperado como sorprendente. Hechandole las flores finales a la sepultura del trip-hop, el tercer disco de los de Bristol es apocalipsis puro. Todo suena extraño, denso, maldito. Las canciones son de texturas rasposas, incluso hasta rotas, sucias. Lastima y encanta, como una rara sesión de sadomasquismo músical, si es que tal acepción puede ser posible. Se reconocen, es verdad, ciertos matices de un kraut rock jodidismo, algo de los Silver Apples mas rudos y vaya uno a saber que otras bandas similares, esas cosas de las comparaciones que aca están, y mas que nunca, de mas. Porque lo de Portishead es un raro caso de suicidio en el que no te matas, pero en vez de lamentarte por seguir estando vivo, te miras las cicatrizes y sonreis. Un riesgo, bah. Y cómo hacen falta a veces.

Juana Molina / Un Día "Un Día" es cuando Juana Molina dejó de tener miedo de lo que los demas puedan decir de ella, de su música, de su forma de ver las cosas, de sus cantos, de sus letras, de su todo. Es cuando te levantas una mañana y decidis que no te importa nada de lo que fuiste ni nada de lo que vas a ser. Ni pasado ni presente. Es cuando ves el sol y no te duelen los ojos. O cuando las melodías son exactas, cuando todo coincide, cuando las horas se convierten en un filmada, en la que no falta destrucción, muerte y apocalipsis. gran trance, cuando todo se para de repente. Es eso: una celebración. Y la obra cumbre de una artista que no deja de crecer y crecer.


Destroyer / Troubles In Dreams Godard decía que lo único que hacía falta para realizar una pelicula eran un arma y una mujer. La frase se puede aplicar tranquilamente a Dan Bejar, alias Destroyer, cambiando las palabras "arma" por "guitarra" y "mujer" por "pasion", que deberia ser casi lo mismo. En "Troubles In Dreams" Destroyer no filma una pelicula, pero casi. Compone la banda sonora perfecta para los corazones rotos, para los parias de todo el mundo. Como ya viene haciendo desde hace un par de discos atras, entrega himnos instántaneos, esta vez renunciando un poco a los ribetes epicos de discos como "Destroyer's Rubies", pero generando canciones que no tienen miedo de ensuciarse cuando hace falta, de ponerse intensas cuando uno lo necesita y de sacar el pie del acelerador, si es que tambien se necesita. Un escalón menos para Bejar en ese camino rumbo a la perfección absoluta.

Fucked Up / The Chemestry Of Common Life Mas allá del hype que estos canadienses estan viviendo últimamente, Fucked Up hacía rato que se venia perfilando como la banda que le lavaría la cara completamente al hardcore. Y parece ser que con "The Chemestry Of Common Life", finalmente lo lograron. Lo que hacen es totalmente lo opuesto a cualquier banda que esgrima la bandera del hardcore: donde antes había temas cortos, aca son largos, de estructura cuasi epica; donde antes había había una composición básica, aca hay experimentación, ideas que van y vienen, que explotan y que arden en cada minuto de estos nuevos himnos punks. Este disco es la muestra mas fiel de que, con ideas, ganas y una fuerza de persistencia absoluta, es posible encontrar nuevos aires en cualquier género, solo hay que cavar y cavar hasta dar con la pólvora. El hardcore del futuro.

No Age / Nouns Las canciones de "Nouns" estan impregandas de los olores correctos: un poco de suciedad low-fi, otro poco del shoegaze mas lisergico, un poco de punk cabeza, humo, calor y un par de fiestas extrañas encima. Canciones dignas de cualquier mix tape encontrado en un cajón, de esos con la cinta hecha mierda, y un poco arruinados por la húmedad. Melodías con algo de sol para el slacker del siglo XXI, un noise guitarrero para gritar las canciones y hacer pogo en la habitación, dando la cabeza contra el techo. Alcanza y sobra. No Age estan haciendo bien los deberes.



El Mató a un Policia Motorizado / Día de los Muertos Hablar de maduración es complejo y hasta me suena a mentira cuando se trata de música. Prefiero el termino "evolución", que no es menos complejo, claro, pero aplicado a El Mato a Un Policía Motorizado, no me suena tan mal, y hasta incluso certero. Porque los platenses no vienen haciendo otra cosa que eso, disco tras disco, evolucionar, crecer, convertirse lentamente y poco a poco en algo que va tomando una forma de enormidades extrañas. Con "Día de los Muertos", último opus de su tan mentada trilogía de discos sobre el nacimiento, la vida y la muerte, la cosa se puso mas densa. De todos los himnos que con el tiempo supieron generar, los de este ep deben ser los mas asperos, los mas intensos y los mas complejos, tambien. Ahora las canciones son largas, de climas pesados y calurosos, de guitarras filosas de las que surgen jams que serían el soundtrack perfecto para la cobertura de una guerra en el desierto; canciones que cuentan una pelicula clase-b jamas filmada, en la que no falta destrucción, muertos vivos y otras variantes del apocalipsis. Se habla del fin de los tiempos, pero tambien de un nuevo nacimiento. Que, ahora que lo pienso, es otra forma de evolucionar.

TV On The Radio / Dear Science Cuando TV On The Radio juega a hacer canciones, tal vez, mas accesibles, a coquetear con el pop, todavia siguen estando a mil años luz que todos los demas. Incluso haciendo canciones con estructuras y formas menos complejas que sus discos anteriores, siguen demostrando que lo suyo es cada vez mas consistente, mas notable, mas puro que buena parte de la música que existe. Pero mas alla de todo esto, elementos que tal vez demuestran las ganas de ver hasta donde se puede llegar con una canción pop, le sacan todo el jugo posible a la experimentación sonora, un juego del que ya son habitues y logran perlas que exigen ser diseccionadas con auriculares. Capas y capas de sonido que van y vienen en un contexto de laboratorio sonoro, que demuestran, una vez mas, que hay mucho por explorar.


Deerhunter / Microcastle + Wierd Era Cont. Desde el juego puro, Deerhunter viene haciendo los discos mas hipnóticos de los últimos años. Digo desde el juego, porque se nota, desde esas canciones complejas, de capas y capas de guitarras, sintetizadores y ruidos varios, que no tienen ningún problema en crear melodias que se arriesgan, que proponen nuevos caminos en búsqueda de la canción perfecta. Se trata otra vez de esto: de ver cuáles son los limites a los que aspira una canción, desde dónde hasta dónde se la puede llevar, se la puede transformar, se la puede mutar. Es por eso que nada es gratuito en la música de Bradford Cox y compañia. Desde el shoegaze mas denso hasta el puro noise, lo de Deerhunter es un juego, deciamos, que no tiene ninguna regla mas que dejarse llevar por la ola. Y eso que estos estan en la cresta mas alta.


El Guincho / Alegranza "Alegranza" es un disco que, mas alla de todo el hype que El Guincho viene despertando desde ya hace unos meses, tiene todo para arrancar de raiz cualquier duda que se pueda sembrar. Tiene, por sobre todas las cosas, un buen puñado de canciones maravillosas, pequeñas gemas doradas de la psicodelia mas soleada que se pudo escuchar este año, algo asi como el soundtrack perfecto para un verano excesivamente caluroso. Melodias que enseguida remiten tanto al Animal Collective mas festivo como tambien a su apendice mas cercano, Panda Bear, del cual El Guincho sin duda aprendio muchisimo. Pero hay en "Alegranza" mucho mas que una mera transposición de estilos: hay ideas, ritmo, sabor, diversión y ese poder enorme de hacer bailar a cualquiera que se cruze en su camino.


Abe Vigoda / Skeleton Sonidos tribales en medio de melodias puramente punk. La mezcla es extraña, pero como toda mezcla, hay que saberla hacer para que de los resultados exactos. Abe Vigoda acpeta el riesgo y ademas de ileso sale con algunas grandes canciones que un cierto sabor que no deja de parecer novedoso, al menos, fresco. "Skeleton" es un disco lleno de sorpresas, una especie de laberinto en el cual cada canción, como si puertas iguales fueran, suenan exactamente igual a su predecesora pero siempre con un ingrediente mas, un gustito extra, que va a aumentando el grado de intensidad. Se habla de tropicalismo punk, pero a mi eso poco y nada me importa.

Blood On The Wall / Liferz Siempre pasa que hay bandas que surgen en una època que no les pertenece, como si fueran las pobres victimas de un experimento de viaje al futuro que salió mal. Blood On The Wall es una de ellas y "Liferz" es un disco que debería haber sido editado en 1993/1995, cuando las camisas carpinteras todavia estaban en el foco principal de la atracción rockera. Y lo bueno de todo esto, es que, aunque haya salido en el 2008, asi y todo es un disco altamente disfrutable. Con una catarta de guitarras rabiosas, bajos demenciales y una voz femenina que recuerda demasiado a la Kim Gordon circa "Dirty", todo en un contexto asi muy garage, punk medio sucio, "Liferz" es el disco del año 2008 que demuestra, con mucha garra y poder, porque a veces se dice que todo tiempo pasado fue mejor. Aunque muchas veces esa afirmación sea una mentira melancólica.

The Kills / Midnight Boom Ok, no es un disco a la altura de las circunstancias, pero "Midnight Boom" esta bastante bien. En un año de ediciones bastante flojas, este disco de The Kills, en el cual se pueden escuchar unos temazos absolutos como "Black Ballons", "Cheap and Cherfull" y "Hook and Line" yo ya estoy conforme. Aparte, todavia se las arreglan para sonar ajustados, nocturnos como de costumbre y dejarnos satisfechos.



Silver Jews / Lookout Mountain, Lookout Sea Luminoso, encantador, enorme, exacto y un millón mas de palabras no me alcanzarían para dar describir con exactitud la alegria que provoca escuchar un disco como este, el mas reciente trabajo de Silver Jews, que, ya sabemos, es un hombre al cual le gusta de sobremanera dejar su firma en pequeñas gemas destinadas en convertirse en grandes himnos para cantar a viva voz en medio de un bosque lleno de árboles, arriba de una montaña o en las profundidades mas ocultas de un río salvaje. Y me sigue quedando chico.

107 Faunos / 107 Faunos La ópera prima de los 107 Faunos es un disco que reboza amistad, alegria y celebración. Es un disco en el que se introduce todo un imaginario digno de la juventud que vive afuera de la gran ciudad. Se respira viajes en colectivos, caminatas sin saber hacia donde ir, siestas a la tarde, varios veranos fatales, fuegos artificiales, video juegos, gaseosas en latas y noches sin dormir, mirando arriba del techo como las estrellas brillan con todo su esplendor. Y todo eso condensado en canciones que poco a poco se van convirtiendo en pequeños himnos generacionales, pequeños cuentos suburbanos, y que se estima sean cantados a los gritos en las habitaciones de los adolescentes mas soñadores de toda la ciudad, esos que duermen con las ventanas abiertas de punta a punta.

Y algunas
menciones honoríficas, si, porque hay menciones honoríficas

-Beach House, Devotion
-The Breeders, Mountain Battles
-Xiu-Xiu, Woman As Lovers
-Nick Cave And The Bad Seeds, Dig Lazarus, Dig!!
-The Magnetic Fields, Distortion
-Cat Power, Jukebox
-Times New Viking, Rip It Off
-Stereolab, Chemical Chords
-Mogwai, The Hawk Is Howling
-Beck, Modern Guilt

lunes, 11 de agosto de 2008

himnos de mi cuarto- algo sobre Spanish Dance Troupe y Gorky's Zyogtic Mynci

Estoy seguro de que lo mejor que tiene esto de los reproductores de mp3's es que uno medio que se deja sorprender por el aparatito en cuestión. Quiero decir, y esto mas que nada pasa cuando uno anda siempre apurado, a veces ni me doy cuenta de las cosas que mando ahi debido a que simplemente arrastro un par de archivos de una carpeta a la otra, totalmente al azar, por lo que constantemente caigo rendido bajo los encantos de algún disco o canción que antes, por distintas razones que no vale la pena contar, no le hubiese dado ni bola. La sorpresa, entonces, es el mejor condimento. Y sorpresa fue lo que pense y senti cuando de la nada empezó a sonar una canción a la que nunca pero nunca le preste la atención que se merece. El tema del que hablo se llama "Spanish Dance Troupe", de Gorky's Zygotic Mynci, y creo no equivocarme al decir que es, facil, una de las mejores canciones de la década pasada. Pero eso importa poco y nada, porque la cosa aca es que el tema de los Gorky's apareció en el momento y lugar precisos. Es uno de esos momentos en los que pensas que si, que todo tiene un poquito de sentido y que nada está realmente tan mal. Da sobradas muestras de que una canción puede tener una variedad infinita de poderes y, de paso, sirve como ejemplo perfecto para mostrar como se hace una verdadera gema pop. La felicidad en tres minutos y un poquito mas.

Algo de la magia de "Spanish Dance Troupe" debe tener que ver con la historia que cuenta la canción. En pocas palabras y dando rienda suelta a mi interpretación, hablá del primer dia de clases de un joven luego de haberse ido de gira con una troupe de baile española, donde, obviamente la paso realemente bien y pocas ganas tiene de ponerse a hacer la tarea. Por eso una de las partes que mas recuerdo y tarareo del tema es esa que dice "oh dear dear dear teacher / I've been six years away / And ain't finish my essay / cuz' rock and roll rules ok!". Y el tema se basa completamente sobre este tema, el viaje a España con la troupe, los ensayos y otra cosa mas que me parece tambien super central para entender ese encanto, ese júbilo que se siente al escuchar esta grandiosa canción que los Gorky's Zygotic Mynci se mandaron alla por 1999. Ese otro tema es el hecho de tratar de sacarse todo tipo de responsabilidad de encima y ponerse, lisa y llanamente, a bailar. Mas o menos asi lo dice la canción "..But when your mind is your prison / Thing's just don't seem so good". Y claro. Hay que sacarse todo eso de una vez por todas, hay que sacudirse, liberarse, dejar de pensar en la maestra y tratar de hacer que el lunes, ese maldito día, se pase rapidito. Es un tema que habla de la liberación de los cuerpos, de la diversión, de la sorpresa de la que tanto venimos hablando.
Y hay una parte que es tremendamente intensa, el climax absoluto de la canción, que es casi llegando al final cuando unas trompetas "a la española" irrumpen por completo, como si se inflara el pecho y uno parece estar elevandose, traspasando todas y cada una de las nubes allá en el cielo.




Y encima "Spanish Dance Troupe", el disco, tampoco esta para nada mal. Es mas, me arriesgo a decir que debe de ser uno de los discos menos tenidos en cuenta de la década del noventa, una de esas perlas ocultas que toda decada se empeña en tener y esconder. Esta, es obvio que Belle And Sebastian corrió con mejor suerte en esto del chamber pop o como quiera llamarsele, pero lo de los Gorky's iba mucho mas alla. Es mas, se me ocurrió compararlos con los escoceses porque, asi a simple escucha, es una de las primeras bandas que se le veiene a la mente a uno. Sin embargo, decia, la música de Gorky's Zygotic Mynci le debe mas a la psicodelia mas sacada que los simples de The Smiths. Particularmente en este disco (y creo que en su obra anterior todavia mas) se deja entrever un cierto gusto por las melodias extravagentes y por composiciones un poco mas cercanas a las que los Olivia Tremor Control supieron mostrar a mediados de los 90's-. Encima hay en el disco muchas referencias a lo que seria la obra clave de la psicoldelia, "Sgt Peppers Lonely and the Broken Hearts Club Band", de The Beatles
banda de la que no solo toman referencias determinadas, sino tambien el placer de meterse en la aventura de crear grandes canciones pop. Unos grossos los Gorky's.

viernes, 25 de abril de 2008

invierno, uno

Ayy el invierno..la melancolía, la tristeza, los mocos, las gripes y todos esos elementos que se imponen al verano infernal, depiediendolo y reciebiendo, al mismo tiempo, a la estación de los árboles secos y las hojas en el asfalto. el otoño, admito, no es mi estación preferida, pero de todos modos la banco mas que al verano y a la primavera. priencipalmente, este seria el punto mas obvio, es que yo soy mas del frío que del calor. tambien porque me gusta ponerme abrigos, me gusta usar buzos y bufandas y guantes. pero lo que nos interesa aca, y para dejar un poco esto de los gustos de lados que ya estoy rozando la cursileria, es que hay buenos discos para escuchar en el otoño; discos que parecen haber sido concebidos justamente para ser escuchados durantes estos meses, discos con canciones que respiran ese aire mitad gélido, mitad sol por la que se caracteriza esta estación. Discos, entonces, ideales para ponerse los auriculares y salir a romper hojas con las zapatillas. Ahí los vemos

Yo La Tengo / Summer Sun
(Matador, 2003)
Lo pongo primero no solo porque es como el disco ideal para el otoño, sino porque tambien fue como el disparador para escirbir esta entrada. Lo estuve escuchando demasaido últimamente y cada vez que termina pienso en lo olvidado que es este "Summer Sun" en la discografía de Yo La Tengo. Ok, obvio que el "I Can Hear The Heart Beating As One" es la gloria hecha canción y todavia estamos esperando que el trío de Hobooken vuelva a tocar esa cima, pero les puedo asegurar que "Summer Sun" se le acerca bastante. Hay varias cosas, sin embargo, que lo diferencian del resto de la obra de Yo La Tengo, y uno de los puntos que mas sobresalen es lo "parejo" que es el disco. Es una constante en los discos de la banda que los temas se dirigan de un lado para el otro, que hagan escalas en todos los géneros habidos y por haber y que, basicamente, construyan un collage de ritmos impresionantes sin que se les mueva un pelo. Un poco el encanto del "I Can Hear The Heart..." era y es ese y lo mismo se puede decir de su último disco, "I'm Not Afraid Of You And I Will Beat Your Ass", que comparten título largo y todo. Pero justamente por difererciarse tanto de estos dos pilares es que ¨"Summer Sun" sobresale tanto. Esta bien, se puede decir que Yo La Tengo ya había a comenzado a coquetear un poco con el clima que rodea a este disco, ya que en la mayoría de sus discos hay un tema mas que nada transmisor de atmósferas, de melodías minimalistas que con tan poco dicen tanto (recuerdo "Green Arrow" en el "I Can Hear..."), temas chiquitos, creadores de ámbientes extraños, cinematográficos, nocturnos. Frios.
Se trata de Yo La Tengo coquetanedo con la electrónica, con la música experimental. Dejan un poco de lado las guitarras juguetonas y se meten de lleno en una pileta de agua helada. Si hay un momento para escuchar a este disco, sin duda tiene que ser la madrugada o bien la cuando la tarde ya nos esta diciendo chau con la mano. Es curioso y a la vez gracioso que hayan decidido ponerle "Summer Sun" ( Sol De Verano) a un disco que de soleado no tiene nada, sino mas bien todo lo contrario. Desde la tapa misma podemos darnos cuenta de que el panorama viene complicado: una foto tomada fácilmente en un periodo que va desde la siete de la tarde en adelante. Capuchas y abrigos.Pisos mojados y lluvia. Se nota el frío, se nota lo melancólico. De ese sol de verano se sabe poco y nada. Está practicamente ausente. Es un fucking domingo de otoño y eso no me lo puede negar nadie. Y el que duda, tiene los temas para darse cuenta de que la cosa viene en serio. El disco empieza con un tema instrumental, "Beach Party Tonight", que de playa no tiene nada y de fiesta, muchisimo menos. Es que a partir de aca, el inicio mismo, ya queda bien en claro de lo que habla este disco: todo en "Summer Sun" está escrito en pasado, cosas que ya sucedieron, tiempos que se fueron y que quizas no vuelvan mas. Habla del ese sol de verano que se fue y que dejó una castástrofre, cosas sin resolver, amores destrozados y un montón de palabras que se pensaron y que no se dijieron. No hay elemento mas perceptible en el disco que la nostalgia por las cosas que se vivieron en algún momento, que definitivamente no era este, un periodo de angustia y malestar. Yo La Tengo concibió un disco para escuchar puertas adentro, cerca de una estufa o con las manos puestas sobre el cálido fuego de la hornalla. "Little Eyes", el segundo track, pone un poco de color o, mejor dicho, calor al asunto. Es un tema cantado por la encantadora voz de Georgia, y que tiene una estrofa que dice algo asi como "little eyes are open/ but they don't see very far/ you can only hurt the ones you love / not the ones you`re thinking of (...) / don't you know you're sleeping much too long / wake up little eyes". Hay algo en esta parte de la canción que indica que algunas cosas no salieron bien. Tambien esta esa parte que dice que "estas durmiendo mucho", y claro, uno en el otoño o en el invierno en el mejor de los casos, duerme, y mucho, y tambien piensa mucho y no en cosas lindas sino en todo lo que quisimos hacer y no hicimos. Y en el verano, claro. Sigue "Nothing But You And Me" y la cosa vuelve a nublarse. Y atención, porque estamos ante otras de las constantes del disco, que no es mas que esa sensación de que Yo La Tengo parece estar interpretando sonoramente los estados del sol en el otoño: a veces sale con todo, pero enseguida vienen un par de nubes y complican el panorama nuevamente. "Little Eyes" fue el sol que salió por un momento a tratar de que la cosa no se tense tanto, pero enseguida fue tapado por este tema enorme que habla, y ahora si directamente, de la ruptura de una pareja en el peor momento. Entre unos arreglos electronicos preciosos y una voz susurrante (el susurro, si, otra de las caracteristicas que mas se presentan en el álbum) que dice "honey, wake up / and please come back to me / honey, think of / think of the way that things used to be / If we make up, well, i won`t ever be that bad / honey, wake up / and give me just one more chance". Mas claro, imposible. El tema, uno de los picos del disco, es una canción tristísima en la que uno puede ver a ese tipo que le pide a su novia que vuelva, que le de otra oprtunidad, encerrado en su habitación, contemplando desde la ventana las luces de los edificios en un día de lluvia. Despues, viene "Season Of The Shark", otro tema en el que se nombra un elemento del mar, y del que mas de uno debe recordar la melodía de ese pianito, instrumento sobre el que se basa la totalidad del tema, que le da un clima y ritmo que anuncian algo asi como que despues de cada tormenta, siempre sale el sol. Si bien la gran parte de las canciones tiene esa melancolía y trsiteza de la que tanto hablamos, se sabe que el trío siempre suele ser positivo frente a la gran mayoria de las cosas y que sus canciones, si bien pueden hablar de cosas tristes, tambien enfatizan en que todo lo malo siempre trae algo bueno. Las dos caras de la moneda, bah. En "Summer Sun" eso tambien está presente. Se muestra de que de todos los momentos malos se pueden sacar algo bueno. De cada pesadilla se puede hacer un cuento. Es como si dijiera, en definitiva, que, si, ahora hacer frío, pero en un par de mese viene el calor de nuevo. Asi que no les queda otra que sonar como unos Beach Boys en la antártida. Y hay muchos temas que estiman esa imagen de que estan haciendo surf en un iceberg: el jazzero " Moonrock Mambo", el otro instrumental, "Georgia Vs YLT" y "How To Make a Baby Elephant Flote". El resto del disco, lo completan temazos como "Don't Have To Be So Sad", que ya se pueden dar una idea que es un tema de esos "nublados" y "Tiny Birds" que tendria que ser el ejemplo mas claro de que por qué YLT es lo mas grande que hay. "Summer Sun·, entonces, es el disco que hay que poner cuando uno apenas se levanta. Es el soundtrack ideal para aquellos corazones rotos. Es como comer chocotorta un tarde otoñal. Eso.

Suárez / Excursiones
(Feliz
Año Nuevo Discos, 2000)
Caso raro el de los Suárez. Justo cuando sacan su mejor disco, el mas pulido, el mas trabajado, el que les da su primer hit ("Río Paraná" o como hacer una canción ma-ra-vi-llo-sa), se separan. "Excursiones" es el último disco de e
studio de la banda que nadie escuchaba cuando había que escucharlos, y que ahora todos (en los que me incluyo, claro) extrañamos. Ademas de ser el disco mas redondo de toda su carrera, marca un quiebre bastante importante, ya que Suárez nunca había sonado tan pop como suenan en este álbum. Buena parte del reconocimiento que tiene la banda hoy en dia se debe a que constantemente se los cita como los primeros que se atrevieron a grabar discos en un formato estrictamente "low-fi" sin que ellos siquiera supieran lo que eso era. Esos discos, los dos primeros, "Hora de No Ver" y "Horrible", muestran una banda que siente una atracción bastante clara por la música experimental y los ruidos varios, ademas de tener temas que fueron grabados "en una cámara de video". En "Horrible", uno de los mejores discos de los 90's eso no lo niega nadie, ya se puede ver una veta un poco mas cancionera, aunque las experimentaciones sonoras todavía estaban en un primer plano. "Galope", el tercer disco de la banda, es una postal exacta de las preocupaciones del rock de la época: duro, corto, medio ruidoso, algo de experimental, alternativo. Es el disco que deja bien en claro por qué Suárez es la banda emblema del rock independiente de los 90's. Llegamos a "Excursiones" entonces, que, al escucharlo recientemente de forma casi obsesiva, llegue a la teroria de que, quizas, sea el disco que termino de solidificar la gran influencia de Suárez en buena parte del rock que hoy nos toca escuchar. Desde Jaime Sin Tierra hasta El Mató a un Policia Motorizado, todos y cada uno de ellos le deben algo a la banda de Bléfari y compañia. Pero eso sería historia para otra entrada. Ahora quiero hablar sobre el clima de frescura total que se escucha en el disco.
"Río Paraná", primer track del disco, es una canción que habla, obviamente, sobre un paisaje de atardeceres tristes en el lugar que le da nombre. Se citá al río en un estado de melancolía, recordando (casi casi como en el caso de los YLT) momentos que ya no están. "Adios, adios, me voy, me voy" son las primeras frases que tira Bléfari en un tema que a medida que avanza acentúa aún mas esa imagen de mujer destrozada por un amor a la cual hasta el río le hace recordar lo que fue: "
Sigo remontando río arriba / en un barco que en la proa / lleva el nombre de tu nombre / río paraná". Es una canción que, a simple escucha, parece ser una foto típica de una tarde de verano/primavera. Pero para mi no, para mi esta pegando para el otro lado. Es sumamente otoñal. Me da la sensación de verla a Bléfari titirtando de frío en este barco, envuelta en abrigos pesados y con libros sobre el brazo.
Creo que "Excursiones" es un disco ideal para escuchar a los atardeceres otoñales. Parece haber sido concebido exactamente en ese instante; un momento de congelamiento total, como en la madrugada en la que cae la primer hoja de los árboles. Como un telón que se abre y deja ver que se viene un período de colores dorados. "El Camino", otra genialidad del álbum, es un tema que deja todavía mas en claro esos climas. Con una mistica deliciosa, en donde se destaca la pluma de Bléfari para escrbir esas letras que sin decir nada dicen todo, Suárez crea el equivalente músical a una película en super-8: imágenes no del todo claras, gastadas, fantasmales, que hablan de vacaciones de invierno en las afueras de la ciudad. Siempre tuve la idea de que este tema estaba como inspirado de alguna forma en ciudades de esas casi abandonadas que se ven por las rutas que conducen a, por ejemplo, Córdoba.
"Tengo la llave / vamos corriendo" es una de las frases de la canción de la que siempre me acuerdo. Hay algo, y otra vez con lo mismo, de pasado que aparece de nuevo en una noche al lado de la estufa. Una mujer viendo fotos de su infancia, de sus vacaciones en la provincia, y un amor que quedo enterrado por ahi. Un secreto guardado bajo mil llaves. Es un tema impresionante, de un poder visual tremendo. Es casi imposible no relacionarlo con el clima otoñal: incluso la melodía, tranquila de paciencia pseudo asiática, nunca termina de arrancar; se queda ahi, esperando, dejando que la historia se desarrolle. Un cuentito triste contado en una noche fría.
Despues está, si, el tema que directamente va al grano. "La Niebla" es una reversión de un tema que ya se encontraba en "Hora de No Ver". En aquel disco, éste era un tema jodido, que, a veces, cuando lo escuchaba muy a la noche, me ponía los pelos de punta. Estaba comandado por una bateria electronica (o da esa idea, la verdad que descifrar los instrumentos que los Suárez usaban por aquella época es una tarea complicada) que de verdad te hacía dar la idea de que estabas caminando por un lugar completamente cubierto de niebla espesa asfixiante, de pelicula de John Carpenter. La última versión del mismo es un poquito menos clímatica, pero deja bien en claro algo que en la otra se perdía: la temática. "La Niebla" es una canción sobre la pérdida. Otra vez la tenemos a Bléfari, pero esta vez ya lejos de los barcos en los ríos, ahora perdida entre el espesor de la niebla matutina (dato para nada insulso) que no la deja ver nada, ni siquiera a los edificios que puede llegar a tener al frente. Sin embargo, hay una esperanza. En un momento de la canción dice
"y es esa construcción / múlticolor / la que disipara la niebla / matinal" . A qué se estara refieriendo? Se sabe que sus letras, mas en el período de Súarez, tenían ese aire surrealista/limado que a veces llevaban a las interpretaciones mas voladas. "Excursiones" cierra con el tema mas surrealista ever. Estamos hablando de "Alguna Vez Viste?", una canción que habla de árboles negros de carbón con flores de rubí, o algo asi, como bien dice la cantante al final de la frase.
Un disco redondo, casi de pop español (diganme si Suárez no podría haber sido una banda de pop española?...ese pensamiento siempre anduvo por mi cabeza), de cualidades netamente friolentas y de melancolias otoñales. Para salir a andar en bicicleta por el barrio con guantes de piel marrón en las manos. O para ir a pasar la tarde al Río Paraná, claro.

viernes, 28 de marzo de 2008

un festival

Entre el 8 y el 20 de abril se llevara a cabo el decimo festival internacional de cine independiente, actividad conocida por todos nosotros sencillamente como BAFICI. Se sabe que este no será un bafici mas. Muchas cosas pasaron alrededor de la organización del festival en los meses pasados, entre los que se encuentran una carta abierta del por entonces director del festival Fernando Martin Peña pregutándole al gobierno de la ciudad de buenos aires si, directamente, se habian olvidado de ellos, dado que no se le habian habilitado la cantidad necesaria de fondos monetarios que necesita el festival para llevarse a cabo. Y eso no fue todo: a los pocos meses Peña renunció a su cargo en el festival, mostrando un panorama bastante frustrante en cuanto a la posteridad del bafici, incluso se llego a hablar de que, lamentablemente, el festival, que este año cumple sus diez años, no se realizaria.
Por suerte nada de eso paso. Las cosas mas o menos se aclararon pocos meses antes de que la fecha mitica en la cual el bafici se viene realizando desde hace diez años llegara, y el viento trajo novedades y renovaciones. Por un lado, se presento al nuevo director artistico del festival, el critico Sergio Wolf, y, por el otro, se destaco la cantidad de peliculas que se ofrecen este año en el festival. O sea, esta bien, se entiende que se cumplen diez años y todo, pero de todas maneras la cifra de la programación no deja de sorprender: 427 peliculas! Es de conocimiento común que ver esa cantidad de peliculas es, directamente, una tarea imposible, y por ello es que se suelen hacer listas de imperdibles y recomendados que tienen como fin aclarar el panorama dentro de tan monumental lista de peliculas de todo el mundo. Asi que, si amigos, nosotros no nos quedamos atras y tenemos ganas de contarles cuáles son los filmes que mas nos llaman la atención y las que por ningún motivo se deberian perder. Cosa que pretendemos seguir haciendo a medida que el festival se vaya desarrollando, donde seguramente les vamos a estar contando cúales son esas perlas perdidas que nadie noto. Ah! y esten atentos que por el motivo de los diez años del ferstival se van a llevar a cabo distintos festejos que van desde los recitales que se vienen desarrollando alrededor del festival desde el año pasado (y que este año presenta nada mas ni nada menos que a Benjamin Biolay) y demas agasajos que puden leer con mejor detalle en la pagina del festival que les linkeo abajo.
Nos vemos en las escaleras del Abasto.

Mister Lonely / Harmony Korine
Mister Lonely no es ni mas ni menos que la pelicula por la cual estaba esperando que este bafici se realize. Sabia que, dado
la respuesta que la pelicula estuvo teniendo por los festivales en los cuales se mostro, estaba destinada a caer en alguna sala del abasto. Por suerte. Mister Lonely es la tercer pelicula de Harmony Korine (ademas de una especie de regreso del director, quien se habia perdido en un infierno de drogas y sectas), el director detras de glorias como Gummo y Julien-Donkey Boy, ademas de guiones miticos como el de Kids, y es, sin duda, una de las peliculas mas extremista en un catálogo que justamente se destaca por ser bastante extremo. Ya habia hablado de ella hace un par de meses en esta entrada, en la cual ya dejaba entrever algo de el extravagante guión que tiene. La mano viene mas o menos asi: un doble de Michael Jackson, interpretado por Diego Luna, lleva una vida triste y llena de angustia en un mundo donde a los dobles no los aceptan del todo, hasta que un dia se encuentra con una doble de Marilyn Monroe, quien lo lleva a un mundo donde los únicos habitantes son dobles de alguien. Es asi que Korine consigue lo impensado: una pelicula existencial sobre dobles, en la cual consigue juntar a la madre Teresa de Calcuta con Charles Chaplin. Imperdible.

Control / Anton Corbjin
Otra de las mas esperadas aunque, si, llega
con un poco de atraso: a esta altura del partido el que ya quiso ver la tan mencioanda pelicula-sobre-el-cantante-de-joy-division ya lo hizo, hace rato que se encontraba dando vueltas en la red. Pero bueno, de todas formas ver esta hipnotica pelicula (destinada a pasar a la posteridad como la obra defenitiva sobre la vida de Ian Curtis y Joy Division), en pantalla grande y con un sonido abrumador tiene que ser una actividad obligada para todos los espectadores afines a la figura del mitico cantante. Lo demas, tambien ya lo habia comentado en este post: lo que consigue Corbjin es un acercamiento encantadoramente extraño a la vida y obra de un de los protagonistas indiscutidos de la escena musical de los 80's. Filmando en blanco y negro y con un trabajo con la fotografia que hiela la piel, Control tiene todo lo que una biopic debe tener y todavia mas, porque uno de sus grandes hallazgos es mostrar a Curtis lejos de la figura mediatica, lejos de la foto que tengo pegada en la pared, humandizando a su personaje principal, mostrandolo con sus dudas, sus aciertos, sus perdidas y sus miedos, que, tal como anuncia ese titulo, hace que todo se le descontrole, se le salga de las manos. Cosas que no se pueden anunciar, cosas que se escapan..de todo eso parece hablar de esta pelicula que parece no soltarlo a uno ni siquiera dias de despues de haber visto el film, y que te deja duro, inmovil por un buen rato hasta que los titulos ya estan abandonando la pantalla.

Paranoid Park / Gus Van Sant
Gus Van Sant parece ser el único director que verdaremente le presto atención a
los adolescentes en los últimos tiempos, porque de otra forma no se entiende muy bien como es que logra peliculas como Elephant o esta Paranoid Park, la cual se muestra como hermana directa de aquella segunda pelicula de la ya terminada triologia de la muerte. Peliculas, deciamos, que encierran perfectamente toda la angustia, las dudas y las acciones de todo joven de 16 años. Paranoid Park cuenta la historia de un chico que concurre a un famoso lugar donde se hace practica skate (el Paranoid Park del titulo), y en esas idas y vueltas se encuentra protagonizando un extraño episodio en el cual termina muriendo un hombre. Otra vez la muerte rodea una pelicula de Van Sant y otra vez lo muestra como el solo sabe hacerlo: una fotografia inmensa (atención al look trashero y super street que Van Sant le quiere dar a su pelicula utilizando extractos filmados en super-8 para las partes en la cuales los pibes andan en skate), esos enormes planos fijos en donde el uso del silencio como único sonido nos pone la piel de gallina y la ya clásica forma de narrar que el director supo hacer una de sus caractersiticas mas destacadas. Y de nuevo pone en duda cuestiones que ya se veian en Elephant: la ausencia de figuras paternales, los medios de comunicación y las instituciones. En definitiva, Paranoid Park es esa clase de historia que un canal como Hallmark transforma en una berrteada infernal y que Van Sant realiza con pasión y dedicación, conformando una obra de arte inludible. Otra de las imperdibles.

Otto; Or Up With Dead People / Bruce La Bruce
Recuerdo un par de Baficis anteriores en las cuales, muy temprano,
me meti a ver una de las proyecciones de "The Rapsberry Reich", sabiendo muy bien con lo que, tratandose de una pelicula de Bruce La Bruce, me iba a encontrar. Lo cierto es que la pelicula me paso por encima como veinte elefantes. Nada de lo que me podia imaginar de una pelicula de La Bruce me preparaba para semejante acontecimiento, de la cual sali euforico, excitadisimo y tremendamente agradecido por haberme metido a verla. Aquella era un filme que dejaba bien en claro todas las posturas por las cuales La Bruce es bien conocido: politico, pornografico hasta mas alla de lo explicito, artista explosivo y outsider, quien encima tiene el don de poner todo eso en una pelicula, transformando el cine en algo movilizador, original e infinatamente explosivo. Otto; Or Up With Dead People es mas o menos lo mismo, salvo que ahora a su inefable catalogo de dinamitas varias le suma zombies adolescentes enamorados de otros zombies y, bue, ya se pueden imaginar mas o menos lo que se pueden encontrar. Si hay algo por lo que el bafici siempre se destaco es por darle un lugar a todos esos cinesastas que mas que underground son recontra-mutantes y las exhibiciones de peliculas como las de Bruce La Bruce solo pueden tener lugar en festivales como estos. Asi que, ya saben, a no dejarla pasar. Nunca viene mal una pelicula como esta.

Joe Strummer: The Future Is Unwritten / Julien Temple
Un documental monumental sobre la obra de Joe Strummer realizado por uno de los directores mas punk que el cine nos supo dar,
Julien Temple. Nadie mejor que él, un gran conocedor de la historia del punk, para retratar la figura de uno de los músicos mas influyentes de los últimos tiempos. Temple logra captar perfectamente ese aire de "revolucionario mundial" que Strummer se supo conseguir, primero al frente de una de las bandas mas combativas que se pueden encontrar, The Clash, y luego en plan solista, donde llevo todavia mas lejos esa fanatismo por descubirir los sonidos que constantemente emergen de la mejor escuela: la calle. Sin duda, The Future Is Unwritten es la pelicula que la figura de Strummer se merecía. Cuenta saldada con uno de los artistas que mas se extrañan.
Ademas, el bafici ofrece una especie de mini restrsopectiva sobre la obra de Temple, ya que tambien se exhiben en el festival otros documentales del director ingles, tales como el que realizo
sobre la mistica que rodea al festival Glastonbury y el ineludible segundo documental que realizaria sobre los Sex Pistols, "The Filth And The Fury".

Patti Smith: Dream Of Life / Steven Sebring
Otro documental sobre otra figura ineludible de la historia del rock. Siempre me pregunte por qué nadie se hacia cargo de mostrar mas o menos cómo vino la mano en la vida de Patti Smith, por siempre conocida como la "gran poeta del punk", desde que irrumpió en el mundo del rock con esa
gloria hecha disco que se llama "Horses". Bueno, "Dream Of Life" parece saldar esa cuenta pendiente que el cine tenia con Patti. Material de archivo, imagenes en vivo y entrevistas con la propia Patti hacen de esta pelicula una buena excusa para ponernos al dia con su obra, ademas de servir como buena puerta de entrada al mundo de Patti para todos aquellos que todavia no tuvieron el placer. Se supone que la pelicula se de junto con el video que el gran Jem Cohen realizo con su particular estilo para el cover que Patti hace de "Smell Like Teen Spirit", de no ser asi, no se entiende por qué en la programación se incluye este video.

Luz Silenciosa / Carlos Reygadas
El cine del mexicano Carlos Reygadas no es para nada
facil. Cada vez que una de sus peliculas se exhibe en algún lado, comienza el quilombo. Estan los que dicen que sus peliculas son obras que no se pueden pasar de largo, mientras que otros lo tildan de farsante y de simplemente hacer espamento. En fin...para mi su trabajo (entre los que se encuentran su gran opera prima, "Japon" y una segunda pelicula que todavia no entiendo por qué se habla tan poco, "Batalla en El Cielo") se ubica en algún punto medio de esas dos opiniones.. Lo cierto es que "Luz Silenciosa" (pelicula que todavia no tuve la oportunidad de ver), su tercer largometraje, de nuevo va a traer cola, porque lo de Reygadas, a pesar de que el silencio sea justamente una de las caracteristicas mas habituales de su cine, nunca deja a nadie con la boca cerrada. Buena oportunidad entonces para ver de que va esta "Luz Silenciosa", la cual trata de un triangúlo amoroso en una comunidad mexicana, y seguir polemizando sobre la obra de Reygadas, del cual muchos dicen que es un fiel hijo de Tarkovski, by the way. Habrá que ver nomás y despues nos agarramos a trompadas, si quieren.

Go Go Tales / Abel Ferrara
El último de los neoyorkinos malditos que nos quedaba termino de reincidir en Europa y se largo con esta pelicula, Go Go Tales, que tiene mas de ese aire contaminante caracteristico de la gran manzana que
de aires europeos, si es que tal cosa existe. Con un cast lleno de "figuras malditas" que van desde Willam Dafoe hasta Asia Argento, Ferrara presenta otra de sus acostumbradas peliculas sobre esos outsiders callejeros, drogadictos y putas varias, enfocandose en las desventuras que se llevan a cabo en un cabaret, donde todos sus mutantes convergen. Noche, sexo, drogas, urbanidad, lap-dances y todo lo demas que Ferrara suele mostrar, impregnado de ese caracteristico pesimismo y dureza extrema que suelen destacar de entre tanto bicho húmedo de sus peliculas. Una oportunidad ideal para reencontrarse con la obra de un director al que siempre, en mi caso, regreso y encuentra cada vez mas alegrias que desgracia, mas aún sabiendo que vienen hablando por ahi de que "Go Go Tales" es firme candidata a resurgir el espiritu que autores como John Cassavetes supieron conseguir. Habrá que ver nomás.

Help Me Eros / Lee Kang-Sheng
El actor fetiche de Tsai Ming-Liang (su propio Antoine Doinel, como se suele decir) se lanza con su segunda pelicula como realizador, bajo la enseñanza, claro, de el hombre que siempre lo pone en pantalla. Decir esto es, en definitiva, darse una buena idea de lo que va la pelicula de Kang-Sheng, que no difiere demasiado de las de Ming-Liang, mostrando la conducta de varios seres/personajes en la acomplejada sociedad moderna. Y hay de todo: comida, sexo, música, luces de neon y esa extraña
melancolia que tanto Ming-Liang como el propio Lee Kang-Sheng consiguen cuando trabajan juntos, esos personajes que se arrastran y deambulan por la noche como fantasmas en ácido. Y la sorpresa de Help Me Eros es justamente esa: darse cuenta de que no hace falta la sombra del director para que Kang-Sheng brille con luz propia. La pelicula, que contiene algunas de las escenas mas fuertes en cuanto a sexo que se puedan encontrar en el festival (aunque los que hayan visto "The Wayward Cloud" mas o menos saben lo que les espera), pero que a fin de cuentas no termina siendo otra cosa que una gran pelicula que, como otras, simplemente habla de el amor, ese gran tema universal. Una pelicula que puede ser una de las mas comentadas de los quince dias que dura el festival.

Persèpolis / Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
Otra que llega con atraso al festival, simplemente porque el que la quiso ver ya la vió. Pero nunca viene mal ver de nuevo una pelicula, no? y menos que menos si esa pelicula es como "Persépolis". La pelicula cuenta la hsitoria de la propia Marjane, quien antes de haber llevado su vida a la pantalla ya la habia realizado con mucho exito como cómic. Su vida como una niña en el inicio de la Revolución Islamica en Teheran, una infancia plagada de muerte, sangre, y distintas prohibiciones, pasando por su adolesencia en Francia, donde se vuelve una punk-rocker, hasta la reincidencia en su pais natal; todo esto contado con una sinceridad y una falta total de escrupulos por todo lo que la rodea que hacen que la historia se mueve por situaciones bastante jodidas, mas que nada cuando Marjane va creciendo dentro de ese clima opresivo, que logran brillar al ser narradas con un gramo de humor que hacen que el film sea bastante llevadero y agradable, mas alla de que el contexto que muestra sea por demas oscuro. Justamente algo de esa idea debe haber pesado al momento de realizar la animación del film (si, Persépolis es un film animado), la cual es tremendamente sobria, y realizada unicamente en blanco y negro con fondos hechos con carbonilla que son una delicia visual. La pelicula se va a estrenar en salas comerciales poco despues de la proyección en el bafici, pero de todas maneras (la vean en el cine fuera o dentro del festival) vale muchisimo la pena.

Bueno, estas son las diez recomendaciones que les hacemos desde sensei, esperando por supuesto que arranque el festival para ir contandoles si descubrimos algunas que se nos escaparon dentro de esa sábana larga que es la programación de este año. lo que si, podemos citar algunos nombres que, por alguna y otra razon, bien vale la pena que las tengan en cuenta a la hora de elegir qué ver. Peliculas como Encounters At The End Of The World, el último documental de Werner Herzog que viene dando mucho que hablar; Smiley Faces, lo último de Gregg Araki; I`m Not There, la biopic de Tood Haynes sobre la figura de Bob Dylan, de la cual hablaremos ampliamente pronto; I´m A Cyborg But That`s Ok, lo nuevo de Park Chan-Wook; Sukiyaki Western: Django, el primer western con el que se larga Takeshi Miike con un antólogico cameo de Tarantino; My Winnipieg, la última locura de Guy Maddin...y mas, asi que, stay tune


+info

pagina oficial del bafici